مسار كامل

مرحبًا بكم في معرض أوفيزي، أحد أهم المتاحف في العالم وقلب الفن النهضوي النابض. سيرشدكم هذا المسار عبر رحلة زمنية تمتد من القرن الثالث عشر حتى القرن السابع عشر، موضحًا تطور الفن الغربي من خلال روائع مطلقة. تقدم كل قاعة مجموعة مختارة بعناية من الأعمال التي تمثل ليس فقط التميز الفني ولكن أيضًا تطور الفكر والثقافة الغربية. خلال الزيارة، يمكنكم الاستمتاع بروائع جيتو، بوتيتشيلي، ليوناردو، مايكل أنجلو، رافائيل، تيتيان، كارافاجيو والعديد من الأساتذة الآخرين الذين تركوا بصمتهم في تاريخ الفن.

مقدمة في عمارة غاليريا أوفيزي

زيارة معرض أوفيزي لا تعني فقط الانغماس في أحد أكبر متاحف الفن في العالم، بل تعني أيضًا عبور تحفة معمارية بحد ذاتها. المبنى الذي يحتضن المعرض هو في الواقع أحد الرموز الأكثر تميزًا للعبقرية النهضوية الفلورنسية، وقد صُمم في قلب المدينة بين عامي 1560 و1580 بواسطة جورجيو فازاري بطلب من الدوق الكبير كوزيمو الأول دي ميديشي. كانت الفكرة الأصلية تتمثل في جمع جميع الإدارات الفلورنسية في مجمع واحد؛ ومن هنا يأتي اسم "أوفيزي"، أي "المكاتب". ولكن ما أنجزه فازاري كان أكثر بكثير من قصر إداري؛ لقد صمم مكانًا للسلطة والتمثيل، حيث تتشابك العمارة والفن والسياسة. يتكون المجمع من شكل "U"، مع جناحين طوليين متوازيين يتصلان بجسم عرضي يواجه نهر الأرنو. هذا الهيكل يضم ساحة داخلية توفر إطارًا بصريًا لقصر فيكيو، مما يخلق حوارًا رمزيًا قويًا بين السلطة المدنية والسلطة الدوقية. أثناء السير تحت الأروقة في الطابق الأرضي، يلاحَظ القوة الابتكارية للمشروع: مساحة مفتوحة لكنها ضخمة، متسمة بالتناسق والجاذبية. تتطور الواجهات على ثلاث مستويات، وفق ترتيب معين: الرواق، الطابق النبيل مع نوافذ مزينة بالجملونات المتناوبة، وأخيرًا اللوغيا العلوية التي تميزها فتحات ثلاثية أنيقة. ولكن، في الطابق الأعلى، يوجد القلب النابض للمعرض: ثلاثة ممرات - الشرقي، الجنوبي، والغربي - التي تضم جزءًا من المجموعة الدائمة حاليًا. ومن هذه البيئات، المطلة على المدينة والمغمورة بالضوء، نشأ الاستخدام الحديث لمصطلح "معرض" للإشارة إلى مساحة عرض فني. على مر القرون، خضع معرض أوفيزي لتوسعات وتحديثات وترميمات، لكن روح مشروع فازاري ظلت متماسكة: مكان مصمم ليدوم على مر الزمن، قادر على تحويل مقر للسلطة إلى منزل للجمال والمعرفة. بروح مماثلة يبدأ مسارنا: رحلة بين الفن، والتاريخ، والهندسة المعمارية، ستأخذكم لاكتشاف الروائع التي جعلت فلورنسا شهيرة في جميع أنحاء العالم.

المرحلة 1 – القرنان الثاني عشر والثالث عشر (القاعات A1–A7)

تبدأ الزيارة إلى جاليريا ديلي أوفيزي بالغوص في عالم الرسم الإيطالي في العصور الوسطى. تعرض هذه القاعات تطور الفن المقدس من الفورمالية البيزنطية الصارمة إلى أولى خطوات الواقعية والسرد. يمثل عمل سينا بوي "معمودية القديس يوحنا" نقطة الانطلاق: سيدة عذراء على العرش لا تزال صارمة في تعبيرها، ولكنها نابضة بالحياة في حركاتها ونظراتها. في المقابل، تُظهر "معمودية" دوتشيو دي بونينسينا، القادمة من كنيسة سانتا ماريا نوفيللا، أسلوبًا أكثر رقة وتطورًا، نموذجياً للمدرسة السينيّة. وبينهما، تُظهر "معمودية" جيوتو، بنفس الموضوع، تحولًا ثوريًا: حيث يصبح الفضاء عميقًا، وتكتسب الأشكال وزنًا وحضورًا عاطفيًا. يضيف سيموني مارتيني وأمبروجيو لورينزيتي، أبطال الطراز السيني القوطي، مشاهد من "البشارة" و"قصص العذراء"، التي تتميز بخطوط أنيقة، وألوان ثمينة، واهتمام كبير بالتفاصيل الزخرفية. تختتم هذه الفقرة برائعة "عبادة المجوس" لجينتيلي دا فابريانو، التحفة العظيمة للقوطية الدولية. يُعد العمل، الذي رسم في عام 1423، انتصارًا للذهب والحرير والأشخاص في مشهد مزين بأدق التفاصيل، حيث تتحول الرواية المقدسة إلى تمثيل للقوة والذوق الأرستقراطي الفلورنسي. في هذه القاعات، يشعر الزائر بوضوح بالانتقال من الفن كرمز إلى الفن كقصة. تصبح الوجوه معبرة، تتحرك الأجساد في الفضاء، ويتسم السرد بتفاصيل يومية: إنها الخطوة الأولى نحو النهضة.

المرحلة 2 – عصر النهضة الأول (القاعات A8–A13)

بدخولك إلى صالات القرن الخامس عشر، تشهد انتصار الرسم الجديد في عصر النهضة. تدخل عناصر المنظور والضوء وعلم التشريح إلى لغة الفنانين، ويصبح الإنسان، بذكائه وجماله، البطل. يعرض ماساتشو في عمله "العذراء والطفل وسانت آنا" قوة تشكيلية لم يسبق لها مثيل: فالعذراء تظهر ككيان صلب، غارق في فضاء ثلاثي الأبعاد، مضاء بضوء حقيقي. إنها واحدة من أوائل الأعمال التي تشير إلى الانتقال نحو الرسم الحديث. فيما يقدم بييتو أنجيليكو برسوماته الرقيقة والروحانية، مثل "البشارة"، تزاوجًا بين النقاء القوطي والقواعد الجديدة للمنظور والضوء. تبدو شخصياته خفيفة، تكاد تكون أثيرية، لكن منسجمة تمامًا مع البيئة المحيطة بها. ويستكشف باولو أوتشيلو في "معركة سان رومانو"، إمكانيات المنظور الهندسي المطبق على الحركة: الخيول والدروع والجنود تبدو كأنها معلقة في مشهد مسرحي مصنوع من خطوط وألوان براقة. بينما يقدم بييرو ديلا فرانشيسكا في "الصورة المزدوجة لدوقات أوربينو" صرحًا جديدًا: صفتان متقابلتان تهيمنان على منظر طبيعي يمتد إلى ما لا نهاية. إنه عمل يربط بين جمال الشخص والقيمة الرمزية للسلطة. وأخيراً، انتصار ساندرو بوتيتشيلي: يشكل "ولادة فينوس" و"الربيع" أحد أبرز اللوحات الرمزية للفن الإيطالي. مرسومة برشاقة، وخفة، وبدقة فريدة، لا تروي هذه الأعمال حكايات دينية ولكنها تعيد قراءة الأساطير الوثنية في ضوء الإنسانية. يصبح الجسم البشري، والطبيعة، والحب، والجمال أدوات للتحدث عن تناغم الكون والنفس. هذه الصالات هي القلب النابض لعصر النهضة المبكر: لحظة لا تتكرر، حيث يندمج الفن والفكر، مغيرين إلى الأبد تاريخ الثقافة الغربية.

المرحلة 3 – القاعات الأثرية (القاعات A14–A16)

تشكل هذه القسم استراحةً ذات أبعاد جمالية وفلسفية في السياق العام للمعرض. تقع القاعات الأثرية في هذه البيئة، وهي مناخات تمتاز بسحرها الفائق وقيمتها الرمزية التي لا تحتضن فقط الأعمال الفنية، بل تحتفي بفكرة التجميع والمعرفة ذاتها. المعنصر الرئيسي في هذه القسم هو قاعة "التريبونا" في أوفيزي (القاعة A16)، وهي واحدة من أبرز الغرف في المتحف وأول نموذج لمساحة متحفية حديثة في أوروبا. صمم هذه القاعة برناردو بونتالنتي بين 1581 و1584 بتكليف من فرانشيسكو الأول دي ميديشي، ليس لعرض موضوع محدد، بل لتكوين بيئة تجمع بين الروائع الفنية والطبيعية في مكان واحد منظم بدقة. التصميم المثمن الشكل، والقبّة المغطاة بالأصداف والمرجان، والرخام الراقي، والضوء المتسرب من النوافذ يخلقون جواً معلقاً، شبه مقدس. لا تتبع "التريبونا" ترتيباً زمنياً: بل تستضيف أعمالاً نُخبويّة لأجل تميزها. من بين هذه الأعمال، "فينوس دي ميديشي"، وهي تمثال يوناني يعبر عن الجمال المثالي للأنثى وفق المعايير الكلاسيكية، ولوحات لأساتذة مثل روبنز وغويدو ريني وألوري. تحوي القاعة A14 على التراس المزين بالخرائط الجغرافية التي تعود للقرن السادس عشر وتعرض العالم المعروف في ذلك الوقت، بينما تعرض القاعة A15 (غرفة الرياضيات) أدوات علمية من عصر النهضة، كشاهد على الشغف الشديد بالعلم الذي ازدهر في البلاط الميديشي. في هذه القاعات، تمتزج الفن بالجماليات والمعرفة. لم يكن الجمع الفني الميديشي مجرد استعراض للنفوذ، بل كان رغبةً في ترتيب العالم من خلال الجمال، الدراسة، والتأمل. يدخل الزائر هكذا في قلب العقلية النهضوية، حيث لا يعتبر الفن مجرد صورة، بل مفتاح لفهم الكون.

المرحلة 4 – النهضة ما وراء الألب (القاعة A17–A22)

بعد الكثافة الفنية لعصر النهضة الفلورنسي، يفتح المسار الباب للمقارنة مع الفن في شمال أوروبا. في القاعات من A17 إلى A22، تُعرض أعمال لأساتذة من الفلاندرز، وألمانيا وهولندا، الذين كانوا نشطين بين نهاية القرن الخامس عشر وبداية القرن السادس عشر، مما يخلق حوارًا ساحرًا بين أنماط وألوان وثقافات حسّية متنوعة. العمل الرمزي لهذه الفقرة هو "تريبتيك بورتيناري" المؤثر للفنان هوجو فان دير جوس. ينتمي إلى كنيسة سانتا ماريا نوفا في فلورنسا، وتم تكليفه من قبل المصرفي الفلورنسي توماسو بورتيناري في محكمة بروج. يُصوّر اللوحة المركزية عبادة الطفل يسوع، مع رعاة واقعيين وتفاصيل نباتية رائعة وتكوين معقد. على الجانبين، الركّعين المفوضين والقديسين الحمائيين لهم. كان التريبتيك عملًا رائدًا في نشر الرسم الشمالي في إيطاليا، وتأثيريًا كبيرًا على فنانين مثل غيرلندايو. تشمل التحف الأخرى أعمال ألبريخت دورر، عبقرية عصر النهضة الألماني، المعروف بقدراته البيانية الاستثنائية واهتمامه العميق بدراسة الشكل البشري. تُبرز نقوشه ولوحاته الاهتمام الهوسي بالتفاصيل والتأمل الديني العميق. توجد أيضًا أعمال فلمنكية أقل شهرة، لكنها غنية بالرموز والتقنيات الماهرة: صور تتميز بملامح واقعية، وحياة جامدة، ومناظر طبيعية ومشاهد دينية غارقة في أجواء هادئة وإضاءة دقيقة. هذه القاعات توفر منظورًا بديلاً للرسم الإيطالي: العالم الشمالي يهتم أكثر بالواقع اليومي، بالتفاصيل، بالرمزية المخفية. أقل من المثالية، وأكثر من الحميمية والسرد البصري. إنه عصر نهضة مختلف، لكنه ليس أقل تميّزًا: بل يوضّح ثراء المشهد الفني الأوروبي في ذلك الوقت من خلال المقارنة بين الشمال والجنوب.

المرحلة 5 – النهضة الثانية (الغرف A24–A42)

تمثل هذه القسم من الطابق الثاني أحد أبرز اللحظات في المسار المعرضي لمعرض أوفيزي. هنا تتجمع روائع كبار أساتذة القرن الثاني من عصر النهضة، بين أواخر القرن الخامس عشر وبداية القرن السادس عشر: ليوناردو دا فينشي، مايكل أنجلو، رافاييل، إلى جانب رسامين فلورنسيين آخرين مثل بيروجينو، فرات برتولوميو وأندريا ديل سارتو. نبدأ بـ "البشارة" لليوناردو دا فينشي، وهو أحد أولى روائع الفنان، رسمها عندما كان لا يزال شابًا يافعًا. المشهد، الذي تم تصويره في حديقة مزهرة، يثير الإعجاب بالهدوء المتناغم والاستخدام المدهش للمنظور والضوء. كل تفصيل، من ثنية الفستان إلى يد الملاك الممدودة، يكشف بالفعل عن اهتمام ليوناردو بالعلم والطبيعة والعاطفة. يتبع ذلك "العائلة المقدسة" الاستثنائية (توندو دوني) لميكل أنجلو، وهي اللوحة الوحيدة المؤكدة التي رسمها الفنان. تم تنفيذها حوالي عام 1506، وتظهر قوة بلاستيكية رائعة: تبدو الشخصيات وكأنها منحوتة، الألوان نابضة بالحياة، والتركيب الحلزوني ينقل الحركة والتوتر. إنها عمل يعلن بالفعل عن الانتقال إلى المانييريزمو. في هذا القسم، نجد أيضًا "مدونا الكارديلينو" لرافاييل، وهي مثال مثالي للنعومة والتوازن للرسام الأوربني. التكوين الثلاثي، رقة الوجوه والعناية بالتفاصيل تجعل من هذه اللوحة إحدى الصور الأكثر هدوءًا وشعرية للأمومة المقدسة. من بين الأعمال الأخرى الجديرة بالإشارة، "صورة الشاب" للورنزو لوتو، ولوحات فرات برتولوميو مع مدوناته الضخمة، والأعمال المكثفة والديناميكية لأندريا ديل سارتو، والتي تشكل جسرًا بين الكلاسيكية والحساسية المانييرية الجديدة. وأخيرًا، هناك زاوية مذهلة هي قاعة نايوب، وهي معرض هائل يستضيف منحوتات قديمة تصور أسطورة نايوب وأطفالها. النحتات، المرتبة وفقًا لمعيار دراماتيكي ومسرحي، تخلق بيئة فريدة تعيد الزائر إلى فلورنسا مجموعات الدوقية العظمى. في هذه القاعات، يصل الإنسانية إلى ذروتها: الجمال يصبح تعبيرًا عن الفكر، الفن يتواصل مع الفلسفة والعلم، وكل عمل فني هو مرآة لعقل مؤلفه.

المرحلة 7 – معرض اللوحات الذاتية (C1-C12)

تُخصص هذه المرحلة لمن أبدع الفن: الفنانون أنفسهم. إذ تضم جاليريا أوفيزي واحدة من أضخم وأهم مجموعات الصور الذاتية في العالم، مغامرة حقيقية في تاريخ الوعي الذاتي الفني، من عصر النهضة وحتى يومنا هذا. بدأت هذه المجموعة في القرن السابع عشر بفضل بديهة كريستينا دي لورينا، زوجة فرديناندو الأول دي ميديشي، التي شرعت في جمع صور الرسامين المشهورين لعرضها كشهادة على شهرتهم وقيمة الفن الثقافية. وقد استمر المشروع بهمة كبيرة بيد الكاردينال ليوبولدو دي ميديشي، الذي تواصل مباشرة مع الرسامين والنحاتين والمعماريين طالبًا منهم صورة ذاتية. وهكذا وُلد "صورة جماعية للفن الغربي"، هذا الألبوم الفريد الذي استمر في النمو على مر القرون، ليشمل اليوم أكثر من 1,700 قطعة. تنظم المجموعة حاليًا جزئيًا في قاعات مخصصة وجزئيًا على طول الممر الناردي الجديد. هذا الممر المرتفع الشهير، الذي بناه جورجيو فازاري في عام 1565 بأمر من كوزيمو الأول دي ميديشي، يربط بين قصر فيكيو وقصر بيتي مارًا فوق جسر بونتي فيكيو، ويقدم خلفية ساحرة ورمزية لاستضافة وجوه من صنعوا تاريخ الفن. زيارتك لهذه القسم تعني النظر في وجوه الفنانين من كل عصر. فبعضهم يظهر بفخر ووعي، مثل جورجيو فازاري، مصمم الجاليريا نفسه، الذي يصور نفسه كفنان ومهندس معماري، أو أنيبالي كاراتشي، الذي يبرز دوره كمصلح للرسم. بينما يفضل آخرون نهجًا أكثر حميمية وحزناً، مثل ريمبراندت، سيد الضوء والظل النفسي، الذي يعكس ملامحه تأملاً وضعفاً. ولا يفتقر هذا القسم إلى الحضور النسائي، رغم ندرتها لكن بقوتها: أرتميسيا جنتلسكي، التي تظهر بفخر ووعي في عالم يسيطر عليه الرجال، وإليزابيتا سيراني، الرسامة البارعة من بولونيا التي توفيت عن عمر يناهز 27 عامًا لكن دخلت الأسطورة. ومن بين الصور الذاتية المعروضة أيضًا نجد روسالبا كارييرا، المتخصصة في الباستيل وأيقونة القرن الثامن عشر الفينيسي، وجياكومو شيروتي، الرسام للناس العاديين، والعديد من الآخرين. القسم الحديث والمعاصر لا يقل روعة: نجد الرمز الحلمي لمارك شاجال، والرسم الجسدي المكثف للوكيان فرويد، والتأمل الهوية والمفاهيمي لسندي شيرمان، والعالم النفسي العدواني والوسواسي لييايوي كوساما، والطاقة النحتية لجوزيبي بينوني. بعد أن نكون قد عجبنا من الأعمال والأساطير والقصص والعصور، نجد أنفسنا وجهًا لوجه مع من جعل كل هذا ممكنًا. لقاء إنساني وجمالي وروحي، يختتم المسار بعمق وحميمية.

المرحلة 8 – القرن السادس عشر (القاعات D1–D18)

عند النزول إلى الطابق الأول، يتواصل المسار مع القاعات المخصصة لفن القرن السادس عشر ولأسلوب "الأسلوبية" الفنية، وهي مرحلة فنية تتبع انسجام النهضة الكلاسيكية، متجهة نحو أشكال أكثر تعقيدًا وأناقة وأحيانًا جريئة. في هذه القسم يظهر بكل وضوح أسماء مثل برونزينو، بونتورمو، روسو فيورنتينو، بارميجيانينو وسالفياتي، وهم شخصيات بارزة في ما يُعرف بالأسلوبية. هذا النمط الفني، الذي تطور بعد عام 1520، يبتعد عن نماذج التوازن التي رسمها رافائيل وليوناردو، باحثًا عن حلول جديدة وتجريبية، أكثر حميمية أو مسرحية. عمل مهم يُجسد هذا الأسلوب هو "بورتريه إليونورا دي توليدو وابنها جيوفاني" لإنجلو برونزينو، الذي رُسم حوالي عام 1545. حيث تُصور الدوقة بأبهة ملكية، ترتدي فستانًا مزخرفًا بالتفصيل الدقيق ونظرتها بعيدة، تكاد تكون باردة. يُعتبر هذا اللوحة مثالًا مثاليًا للفن كوسيلة للتعبير السياسي والهوية. ومن الروائع الأخرى "إنزال المسيح" لبونتورمو، بأشكاله الممتدة، العائمة، المغمورة في ضوء غير واقعي: صورة مكثفة ومؤثرة، محملة بالروحانية والاضطراب. روسو فيورنتينو، بألوانه الزاهية وتركيباته الدرامية، يمثل الجانب الأكثر اضطرابًا وتجريبًا لهذه الحركة الفنية. نجد أيضًا البورتريهات لـ بارميجيانينو، التي تُعرف بأشكالها الرفيعة ووضعياتها الأنيقة، وأعمال سالفياتي الرمزية والفكرية. يكمل المسار "الدراسات"، وهي بيئات أكثر تجمعًا تشرح جمعيات ثقافة تلك الحقبة، وقاعات السلالات، التي تروي الروابط السياسية بين العائلات المسيطرة من خلال بورتريهات رسمية وأشياء فنية. تظهر هذه المرحلة كيف أنه، في الانتقال من النهضة إلى الأسلوبية، يصبح الفن أكثر تأنقًا ونفسيًا وغموضًا. إنها لحظة من التحول والتأمل، حيث لا يسعى الفنان فقط إلى الكمال، بل إلى تعبير الذات الإنسانية في تعقيداتها.

المرحلة 9 – مدخل الممر الفاساري (الغرف من D19 إلى D28)

في المحطة التاسعة لدينا فرصة لاكتشاف واحدة من أكثر الأقسام جاذبية وتفردًا في الجاليريا: القاعات D19–D28، حيث تُعبِّر اللوحات الفنيسية في القرن السادس عشر عن ذاتها بشكل كامل، وحيث يبدأ الممر الأسطوري لفاساري، الممر السري لعائلة ميديتشي. تبدأ الزيارة في القاعة D19، والتي تُجسد رمزيًا مدخل الممر الفاساري. صُمِّم هذا الممر الطويل العلوي على يد جورجيو فاساري في عام 1565 بتكليف من كوزيمو الأول دي ميديتشي، ليصل بين الجاليريا وقصر بيتي، مرورًا بجسر بونتي فيكيو ومُشرفًا على قلب فلورنسا. كان لهذا الممر وظيفة استراتيجية ورمزية: السماح للدوق الأكبر بالتحرك دون أن يُرى، مُعلناً التواصل بين السلطة الإدارية والشخصية. في القاعة D20، توجد الكنيسة الصغيرة الفنيسية، وهي مساحة خاصة حيث يمكن رصد تأثير الذوق الفنيسي حتى في الأماكن الدينية الهادئة، بلوحات ذات ألوان زاهية وظلال غنية. تتبعها القاعات D21–D24، المُخصصة لأسياد من عصر النهضة المتأخرة وبداية القرن السابع عشر الفنيسي. من بين الأعمال الأكثر أهمية في القاعة D23 يبرز عمل "فينوس أوربينو" الشهير لتيتيان، وهو أحد الأعمال الرائدة للفن الأوروبي. أنجزت اللوحة في عام 1538 لصالح الدوق غيدوبالدو ديلا روفيرا، وتصور شابة عارية ممددة على فراش، بنظرة مباشرة وواعية. إنها احتفال بالجمال الأنثوي وكذلك تأمل في الحب الزوجي والخصوبة. أسلوب تيتيان، الذي يتسم بضربات الفرشاة الناعمة والحسية اللونية والبناء المكاني المُتوازن، يمثل نقطة تحول في الرسم البورتريه وفي تصوير العري الأنثوي. توسع القاعات D25–D28 النقاش حول اللوحات الفنيسية بأعمال لفنانين مثل تينتوريتو وفيرونيز، أسياد السردية الضخمة والمسرحية. في D25، يتألق تينتوريتو بتراكيب ديناميكية ومضيئة، بينما في D26 وD27، يُدهش فيرونيز بألوانه الزاهية والعمارة الباذخة. تختتم القاعة D28، والمعروفة أيضًا بالفناء الكبير، بتصميم مكاني مفتوح وعظيم، ليستدعي الروح الزخرفية المميزة للقرن السادس عشر المتأخر. تعد هذه القسم أيضًا مكانًا للتأمل: ومع اقترابنا من نهر أرنو والطرف الجنوبي من الأوفيزي، يتفتح الأفق على الأبعاد الأكثر مسرحية للفن النهضوي. لوحات الفن هنا لا تروي فقط القداسة، بل أيضًا الفخامة، الهوية السياسية والاحتفاء بالنبلاء.

المرحلة 10 – القرن السابع عشر (الصالات E4–E7)

مع القاعات المخصصة للقرن السابع عشر، يبدأ المسار في حقبة مليئة بالتناقضات والعواطف الجديدة. هنا يصبح الفن أكثر مباشرة، وأكثر مسرحية وجاذبية، بفضل الثورة التي أحدثها كارافاجيو وأتباعه. العمل الرمزي لهذه القسم هو اللوحة الشهيرة "ميدوسا" لميكيلانجلو ميريسي دا كارافاجيو. مصنوعة على درع، تجسد الوجه المتحجر للغورغون في لحظة قطع الرأس. القوة التعبيرية مذهلة: الفم المفتوح على اتساعه، الأفاعي الملتوية، العيون المفتوحة على اتساعها. الضوء الجانبي والخلفية الداكنة يساهمان في تعزيز الشعور بالدراما والواقعية. يرسم كارافاجيو بعنف بصري لا مثيل له من قبل، مما يجعل كل التفاصيل حية ومقلقة. إلى جانبه نجد أعمال أرتميسيا جنتليسكي، إحدى أولى الرسامات التي حققت نجاحًا في عالم الفن. لوحاتها مثل "جوديث تقطع رأس هولوفرنيس"، تُظهر نساء قويات وحازمات، مغمورات في الظل والضياء المكثف. تمزج أرتميسيا بين دروس كارافاجيو وحساسية شخصية فريدة مليئة بالشجاعة والعمق النفسي. القرن السابع عشر هو أيضًا عصر الباروك الفلمنكي، الممثل هنا بأساتذة مثل بيتر بول روبنز، بشخصياته الديناميكية والحسية، وأنتوني فان دايك، الرسام الموهوب للمحاكم الأوروبية. ينقل روبنز الحيوية والحركة، وفان دايك الرُقي والاستبطان. من بين الروائع أيضًا رمبرانت، السيد الهولندي العظيم، الموجود هنا مع صور مليئة بالاستبطان والدفء الإنساني. وجوهه ليست مجرد صور، بل هي أرواح مرسومة. في هذه القاعات، يصبح الفن دراما، نور وظل، جسد وعاطفة. تصبح العاطفة البطل، ويجد الزائر نفسه منغمسًا في عالم لا يريد أن يكون مُشاهداً فقط، بل محسوسًا.