Vollständiger Rundgang – Palazzo Fulcis

Museo: MUBEL - Musei Civici di Belluno - Palazzo Fulcis

01. Lapidarium

Der erste Besichtigungspunkt widmet sich dem Lapidarium.

Der geeignetste Ausgangspunkt für unsere Reise durch den Palazzo Fulcis ist ohne Zweifel das Lapidarium. Hier helfen uns die Zeugnisse der Geschichte und der kulturellen Wurzeln der Stadt, uns vorzustellen, in welchem Kontext dieses Gebäude entstand und all seine Wandlungen erlebte. Wir stehen somit einer heterogenen Reihe von Zeugnissen gegenüber, die vor allem aus der Stadt Belluno und in geringerem Maße aus ihrem Umland stammen: Auf den von den Jahrhunderten abgenutzten Oberflächen dieser Steinfragmente können wir die Geschichte Bellunos anhand der Wappen der ältesten Adelsfamilien der Stadt (wie die Campana, Rudio und Crepadoni…) oder der Rektoren, die ab dem 15. Jahrhundert die Stadt im Auftrag der Republik Venedig regierten, nachvollziehen. Die Macht der Serenissima manifestierte sich auch in Belluno – wie in allen unterworfenen Städten – durch den charakteristischen geflügelten Löwen. Hier können Sie drei Exemplare davon entdecken, alle in der sogenannten „in moleca“-Darstellung, das heißt mit Flügeln, die an die Scheren einer Krabbe erinnern. Der älteste dieser Löwen ist bereits ins 15. Jahrhundert zu datieren, während der jüngste auf den Vertrag von Rovereto von 1752 verweist, als der Doge Francesco Loredan und die Kaiserin Maria Theresia von Österreich die Grenzen zwischen den beiden Staaten auf der Cadore-Seite festlegten. Den venezianischen Podestà waren auch die Inschriften gewidmet, die einst an den Fassaden öffentlicher Gebäude angebracht waren und von denen wir hier einige Beispiele aus dem 16. bis 18. Jahrhundert von beträchtlichem historischem Wert sehen können. Unter diesen verdient die Inschrift zu Ehren von Alvise Trevisan (1529) besondere Beachtung, die vom Volk von Belluno zum Dank an den Rektor für sein Handeln in einer Zeit schwerer Hungersnot und Pest gestiftet wurde. Beachten Sie, wie das Wappen des Patriziers mit dem der Stadt Belluno – mit den beiden einander gegenüberstehenden Drachen – und erneut mit dem venezianischen Löwen kombiniert ist, der nach dem Fall der Republik 1797 abgeschlagen wurde: Jedes auf diesen Steinen eingemeißelte Symbol erzählt seine eigene Geschichte. Wertvolle Zeugnisse eines Belluno, das nicht mehr existiert, sind hingegen die Gründungsinschriften der Kirchen Santa Giustina in Castello (1297) und Santa Maria Nuova (1326), die in napoleonischer Zeit aufgehoben und 1808 bzw. 1920 abgerissen wurden. Kapitelle, Rahmen und zahlreiche architektonische Ornamente aus öffentlichen Räumen und Monumenten (wie das Brunnenbecken mit dem Wappen des Rektors Girolamo Zeno oder die Konsole mit Pflanzenornamentik aus dem Palazzo dei Rettori) rufen ebenfalls, wenn auch fragmentarisch, das Erscheinungsbild der Stadt im Laufe der Jahrhunderte in Erinnerung. Nachdem wir der Geschichte Bellunos die gebührende Ehre erwiesen haben, begeben Sie sich nun in das erste Obergeschoss des Palastes und tauchen Sie ein in dessen Dekorationen aus dem 18. Jahrhundert: In dieser Epoche erlebte das Gebäude seine größte Blütezeit und erhielt das Aussehen, das wir heute noch bewundern können.

02. Saal 1: Die Entstehung des Museums. Die Gemäldegalerie Giampiccoli

Der zweite Ausstellungspunkt behandelt die Entstehung des Museums und der Gemäldegalerie Giampiccoli.

Haben Sie den ersten Ausstellungsraum gefunden? Beginnen wir mit der Decke. Auch sie bewahrt, wie jede andere Wand des Palastes, die originalen Dekorationen aus dem 18. Jahrhundert, die kürzlich durch die geduldige Arbeit der Restauratoren wieder zu altem Glanz erweckt wurden. Wenn Sie jedoch genau hinschauen, können Sie in der Mitte die Wappen der Familien Fulcis und Migazzi de Waal entdecken – ein Zeugnis der im Jahr 1776 gefeierten Hochzeit zwischen Guglielmo Fulcis, Sohn von Pietro, Ritter von Malta, und Francesca Migazzi de Waal, anlässlich derer der Palast seine bedeutendste Umgestaltung erfuhr. Senken Sie nun den Blick und wenden Sie sich nach links: Dort begegnen Ihnen einige der bedeutendsten Werke der Gemäldegalerie des Museums, die beiden Madonnen mit Kind, gemalt gegen Ende des 15. Jahrhunderts vom vicentinischen Maler Bartolomeo Montagna. Sind Sie überrascht, auf einen Künstler aus Vicenza zu stoßen? Die Bedeutung von Bartolomeo Montagnas Kunst reichte weit über das Lokale hinaus, denn er entwickelte eine Bildsprache, die Einflüsse aus dem gesamten Veneto und darüber hinaus vereinte. Dieser Maler war einer der wichtigsten Vermittler für die Verbreitung der Renaissancekunst von Giovanni Bellini und Antonello da Messina auf dem venezianischen Festland, zu der er eine besondere Begabung für komplexe perspektivische Lösungen hinzufügte – möglicherweise beeinflusst durch Kontakte mit der lombardischen Kunst und Donato Bramante, die im Veneto bereits bekannt waren. Wenn Sie die Werke dieses Meisters genau betrachten, erkennen Sie all dies im marmornen Parapet, in der räumlichen Tiefe der Darstellung, die sich in der ausgestreckten Hand der Jungfrau zeigt, sowie in der Klarheit der Volumen und des Lichts. Wenn Sie sich nun von diesen Meisterwerken des späten 15. Jahrhunderts entfernen, erwarten Sie hinter Ihrem Rücken zwei weitere Tafeln, die hingegen auf die Anfänge des 16. Jahrhunderts datiert werden. Auf der einen Seite sehen Sie ein Werk von Giannicola di Paolo, das eng mit der Kunst des Perugino verbunden ist; auf der anderen ein Beispiel eines anonymen Künstlers aus Cremona, der dem Stil von Tommaso Aleni, genannt il Fadino, nahe steht. Die Gemälde, die Sie in diesem ersten Saal umgeben, bilden das Herzstück der Gemäldegalerie des Museums, nämlich den Kern der Gemälde, die dem bellunesischen Arzt Antonio Giampiccoli gehörten und von diesem 1872 der Stadt gestiftet wurden. Zusammen mit der Sammlung von Tomaso Antonio Catullo und den Bronzen aus der Sammlung Florio Miari bildet die Gemäldegalerie Giampiccoli den ältesten Bestand, auf dem das Museum gegründet wurde: Diesen Vermächtnissen verdankt es den Beginn seiner Geschichte.

03. Saal 2: Simone da Cusighe. Die Internationale Gotik in den Dolomiten

Der dritte Besichtigungspunkt behandelt die Internationale Gotik in den Dolomiten.

Und nun tauchen wir ein in die eigentliche Kunstgeschichte Bellunos. Der zweite Saal ist seinem frühesten Vorläufer gewidmet, demjenigen, der gewissermaßen den Anfang dieser Geschichte markiert: Simone da Cusighe. Über diesen Repräsentanten der Internationalen Gotik ist nur wenig bekannt: Das einzige Werk, das mit Sicherheit datiert werden kann, ist ein Polyptychon, das für den Hochaltar der Kirche von Col di Salce geschaffen wurde und heute im Museum der Ca’ d’Oro in Venedig aufbewahrt wird. Zu Ihrer Rechten und Linken befinden sich ein scheinbares Polyptychon mit der Darstellung des heiligen Antonius Abt zwischen den Heiligen Giovatà, Gotthard, Bartholomäus und Antonius von Padua sowie zwei Tafeln, die zu einem zerlegten Polyptychon gehören und die heilige Katharina von Alexandrien und Johannes den Täufer zeigen. Wenn Sie Ihren Blick über die einzelnen Details dieser Tafelbilder aus dem 14. Jahrhundert schweifen lassen, können Sie die Formen einer Bildsprache erkennen, die, auch wenn sie heute naiv erscheinen mag, vor fast siebenhundert Jahren in Belluno eine bedeutende künstlerische Erneuerung darstellte. Zur künstlerischen Prägung unseres Simone gehören sowohl die von Tommaso da Modena in Venetien um die Mitte des 14. Jahrhunderts verbreitete emilianische Bildsprache als auch Anklänge an die venezianische und sogar padovanische Kultur des 14. Jahrhunderts – eine Kultur, die Sie in der etwas empirischen Perspektive des Thrones des heiligen Antonius wiederfinden können. Wenn Sie dann auf den heiligen Bartholomäus des Polyptychons und auf die heilige Katharina blicken, werden Sie geschwungene, schlanke Formen mit charakteristisch sichelförmigen Faltenwürfen entdecken, die auf jene Kultur der Internationalen Gotik verweisen, der sich auch Simone, wenn auch mit einer gewissen Naivität, annäherte. Solche Elemente finden sich auch in der skulpturalen Produktion Bellunos des 15. Jahrhunderts: Die drei kleinen Skulpturen in diesem Raum wurden nämlich geschaffen, um die drei Hauptbrunnen der Stadt zu schmücken, weshalb die Zeit auf ihren Oberflächen deutlich sichtbare Spuren hinterlassen hat. Der heilige Gioatà wurde geschaffen, um den Brunnen auf der Piazza Duomo zu krönen, der heilige Lucanus jenen auf der Piazza Mercato und die heilige Helena den Brunnen bei der Kirche Santa Croce.

04. Saal 3: Die Caminata. Palazzo der Alten Gemeinde von Belluno

Der vierte Besichtigungspunkt ist dem Palazzo der Alten Gemeinde von Belluno gewidmet.

Am 5. April 1476 legte Lorenzo Valier, Rektor der Stadt Belluno, die seit 1404 zu den Gebieten der Republik Venedig gehörte, dem Stadtrat das Modell für den Bau eines neuen Palastes an der Westseite des heutigen Domplatzes vor. Der Palazzo der Alten Gemeinde von Belluno bildete das Herzstück der zivilen Institutionen der Stadt und war bis zum Fall der Serenissima (1797) der Sitz der Ratsversammlungen. Die fragmentarische, mit Kordel- und Pflanzenmotiven verzierte Rahmung, die Sie in der Vitrine in der Mitte dieses Saales sehen können, ist eines der zahlreichen architektonischen und dekorativen Elemente, die die Fassade prägten. Im Hauptsaal des imposanten Gebäudes wurde frühzeitig ein in Venetien nahezu einzigartiges Dekorationsprogramm geplant, was die Thematik der Darstellungen betrifft: ein Freskenzyklus, der implizit auf das römische Erbe anspielen sollte, mit dem sich Belluno identifizierte. So freskierte um 1489 der Maler Iacopo Parisati da Montagnana, noch der Kunst Andrea Mantegnas verbunden, im Ratssaal – auch bekannt als „Caminata“ wegen des Kamins – einige Episoden und Beispiele antiker Tugenden, hauptsächlich aus den Erzählungen von Titus Livius, wie den Kampf der Horatier und Curiatier, den triumphalen Einzug des siegreichen Horatius, das Treffen von Horatius mit seiner Schwester und deren Tötung, den Irrtum des Mucius Scaevola, Mucius Scaevola verbrennt sich die Hand. Die Fragmente dieser Szenen können Sie an den detailgetreuen Rekonstruktionen des heute verlorenen Gesamtwerks verfolgen. Zu diesem besonderen Auftrag könnte auch der Bischof von Padua, Pietro Barozzi, beigetragen haben, der 1487 gewählt wurde, aber aus Belluno stammte – eine Persönlichkeit, die sicherlich ihrer früheren Gemeinde die Beauftragung des besten Künstlers seiner neuen Diözese nahegelegt haben könnte. Dieser Zyklus war ein frühes Beispiel für eine bürgerliche Feier, die sich nicht auf städtische Vergangenheitsereignisse, sondern auf Beispiele antiker Tugenden bezog. Weitere Fragmente, die Sie hier in ihrer ganzen Farbharmonie bewundern können, gehören zu einem zweiten Freskenzyklus mit Episoden aus der römischen Geschichte (Titus Manlius Torquatus verurteilt seinen Sohn Silanus, die Probe der Vestalin Tuccia und die Verschwörung des Catilina). Dieser Zyklus schmückte den Saal der Notare und wurde 1529 von Pomponio Amalteo (1505–1588) ausgeführt. Beim Betrachten und Vergleichen der Werke der beiden Maler können Sie die großen Wandlungen der venezianischen Kunst an der Schwelle zweier Jahrhunderte nachvollziehen: auf der einen Seite die von der Mantegna-Tradition geprägte antiquarische Kunst Iacopos, auf der anderen die von Pomponio, bereits beeinflusst von der 'tonalen' Malerei Giorgiones, Tizians und Pordenones. Sie fragen sich vielleicht, wie es möglich war, den Verlauf dieser großartigen Fresken nachzuvollziehen, wenn nur wenige isolierte Fragmente erhalten sind: Dies verdanken wir dem Weitblick und der Intelligenz zweier Belluneser Gentlemen des 19. Jahrhunderts. Noch vor der Zerstörung des Palastes und seiner Meisterwerke wurden die Werke nämlich treu von dem Kupferstecher Melchiorre Toller (1800–1846) und dem Maler Ippolito Caffi (1809–1866) reproduziert, was die Restaurierung und Rekonstruktion der bis heute erhaltenen Fragmente ermöglichte.

05. Saal 4. Matteo Cesa. Malerei und Skulptur in Belluno zwischen spätem 15. und frühem 16. Jahrhundert

Dieser fünfte Interessenspunkt widmet sich dem Künstler Matteo Cesa.

Der vierte Saal ist dem Vertreter der Malerei und Skulptur in Belluno zwischen dem späten 15. und frühen 16. Jahrhundert gewidmet – einem Künstler, der die Vielseitigkeit der lokalen Künstler in der Renaissancezeit perfekt verkörpert: Matteo Cesa. Er verstand es, sich sowohl in der Malerei als auch in der Holzskulptur mit Originalität auszudrücken. In beiden Bereichen zeigt er eindrucksvoll, wie aufmerksam er sich an der venezianischen Produktion der Vivarini orientierte und sich an padovanischen Vorbildern, die mit dem Wirken Andrea Mantegnas verbunden sind, inspirierte. Diese Merkmale lassen sich ohne Schwierigkeiten im hier ausgestellten Triptychon erkennen, das mit „OPVS MATEI“ signiert ist. Besonders reich und dekorativ ist der hölzerne Rahmen des Triptychons, datiert zwischen 1480 und 1490, noch bevor der Meister die Neuerungen der Vivarini vollständig übernommen hatte, aber bereits zu einer Zeit, in der das mantegneske Vokabular von Jacopo und dem frühen Giovanni Bellini aufgenommen worden war. Die Skulptur der Madonna mit Kind auf der linken Seite ist hingegen ein wertvolles Zeugnis für Cesas Tätigkeit als Bildhauer und weist viele Parallelen zur Madonna in der Cesa-Pagani-Kapelle der nahegelegenen Kirche Santo Stefano auf.

06. Saal 5: Das 16. Jahrhundert. Vom Erbe der Vecellio bis zu Domenico Tintoretto

Dieser sechste Besichtigungspunkt ist dem 16. Jahrhundert gewidmet.

Der fünfte Saal des Rundgangs ist dem 16. Jahrhundert gewidmet, einem Jahrhundert, das in Belluno im Zeichen des Erbes der Vecellio stand. Sie befinden sich in einem der größten Säle des Hauptgeschosses des Palastes, der durch einen Kamin mit Stuckverzierungen, Spiegeln und einem dekorierten Kaminschirm mit dem Wappen der Familie De Bertoldi, die im 19. Jahrhundert Eigentümerin des Palastes war, geprägt ist. Wenn Sie während Ihres Rundgangs durch die ersten Räume des Museums auf den venezianischen Terrazzoboden geachtet haben, den Sie hier in seiner ganzen Ausdehnung bewundern können, ist Ihnen sicherlich die unterschiedliche dekorative Gestaltung in jedem Raum aufgefallen. Diese wertvollen Böden zählen zu den wichtigsten Entdeckungen, die während der jüngsten Restaurierung des Gebäudes gemacht wurden. Kehren wir nun mit dem Blick zu den Wänden des Saals zurück. Lassen Sie uns die Situation zusammenfassen: Wir befinden uns mitten im 16. Jahrhundert, und was sich anhand der in dieser Zeit im Gebiet von Belluno vertretenen künstlerischen Ausdrucksformen feststellen lässt, ist vor allem der Einfluss der Werkstatt des großen Protagonisten des Cinquecento, Tiziano Vecellio, geboren in Pieve di Cadore zwischen 1488 und 1490. Aus dem Umkreis der Vecellio stammt so das Porträt von Pierio Valeriano, einem der bedeutendsten Humanisten des Jahrhunderts und Autor eines Werks mit dem Titel Hieroglyphica, in dem die ägyptischen Hieroglyphen im Sinne der Weisheitslehre interpretiert wurden. Nicolò De Stefani, vermutlich der Schöpfer der Tafel mit der Madonna mit Kind und Heiligen, ein Maler, der für die Kirchen der Region sehr aktiv war, verbindet hingegen Tizians Lehre mit der stärker manieristischen von Paris Bordon. Ein in Venedig sehr erfolgreicher Künstler wie Bernardino Licinio fügt den Anregungen Tizians die Kenntnis der Kunst Palma il Vecchios hinzu, wie an der hier ausgestellten Frau beim Kämmen zu erkennen ist. Die Stadt Belluno erhielt gegen Ende des Jahrhunderts ein bedeutendes Geschenk in Form großformatiger Gemälde: Für die Kirche Santa Croce, die 1806 aufgehoben und später abgerissen wurde, entstand ein Zyklus von zehn Episoden der Passion Christi, ausgeführt von bedeutenden venezianischen Malern jener Zeit, darunter Aliense, Carlo Caliari, Palma il Giovane, Andrea Vicentino, Paolo Fiammingo und Domenico Tintoretto (1560–1635). Vor Ihnen prangt das von Letzterem gemalte Werk, auf dem Christus vor Pilatus dargestellt ist. Man kann deutlich die künstlerische Verschuldung gegenüber seinem Vater und Lehrer Jacopo Tintoretto erkennen: eine gewisse Theatralik in den Posen und Gesten, die Darstellung der Figuren, von denen einige in dynamischen Drehungen eingefangen sind, sowie bestimmte lichtbetonte Akzente. Diese Gemäldeserie stellte vermutlich das ambitionierteste Beispiel gegenreformatorischer Malerei auf dem venezianischen Festland im späten 16. Jahrhundert dar. Sie wurde auf Wunsch des Bischofs Giovanni Battista Valier (1575–96) geschaffen, mit dem Ziel, ein wirksames ikonografisches und doktrinelles Hilfsmittel für diese neue Institution zu sein, die sich der Vermittlung der Grundsätze der katholischen Reform widmete.

07. Saal 6: Malerei der Gegenreformation im Belluno-Gebiet

Dieser siebte Besichtigungspunkt ist der Malerei in der Zeit der Gegenreformation gewidmet.

Im sechsten Saal unseres Rundgangs finden wir einige Beispiele der bellunesischen Malerei aus der Zeit der Gegenreformation. In dieser besonderen Epoche erlebte die Kunst, parallel zur religiösen Frömmigkeit, einen tiefgreifenden Wandel in den Bildthemen und ikonografischen Vorgaben: Der Schwerpunkt lag auf dem Thema der Passion und der Meditation über das Leiden Christi; bevorzugt wurden strenge und zurückhaltende Ausdrucksformen. Genau diese Atmosphäre umgibt Sie hier. Eine bedeutende Persönlichkeit am Ende des 16. Jahrhunderts war insbesondere Jacopo Bassano, der um 1570 das "Martyrium des heiligen Laurentius" für die Kathedrale von Belluno schuf und hier durch ein Werk aus seiner Werkstatt vertreten ist, das ein erfolgreiches Vorbild des Meisters aufgreift. Ein weiterer Protagonist des Übergangs zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert ist sicherlich Jacopo Negretti, genannt Palma il Giovane, ein berühmter direkter Schüler Tizians, der ebenfalls ein Altarbild für die Kathedrale von Belluno schuf. Die "Beweinung Christi", die Sie hier bewundern können, ist ein hervorragendes Beispiel seiner religiösen Kunst, die sich jedoch durch eine reiche malerische Materie auszeichnet, die bereits das Barockzeitalter ankündigt und die Schwere der oben genannten Themen etwas auflockert. Zwischen Belluno und Feltre war in dieser Zeit besonders ein Meister mit großer Ausdrucksstrenge sehr aktiv, ein authentischer Vertreter einer gegenreformatorischen "zeitlosen Malerei". Es handelt sich um Francesco Frigimelica, den Schöpfer des Altarbildes "Die Pietà und Rektor Vittore Correr", das Sie zu Ihrer Rechten sehen können: ein perfektes Beispiel für einen strengen Stil, geprägt von inniger, mitleidvoller Frömmigkeit.

08. Saal 7: Kunst- und Studiensammlungen. Die Renaissance-Plaketten und Bronzetti von Florio Miari

Dieser achte Besichtigungspunkt ist den Kunst- und Studiensammlungen gewidmet.

Was genau sind die Kunst- und Studiensammlungen der Renaissance? Im Italien des 15. Jahrhunderts führte ein erneuertes Interesse an der Antike zum Aufkommen einer neuen Gelehrsamkeit, geprägt von den Werten des Humanismus und einer neuartigen Wertschätzung für den künstlerischen Wert antiker Artefakte. So entstand in den Häusern der Gelehrten und Adligen, in den Palästen des Adels und des wohlhabenden Bürgertums das Studiolo: ein kleiner, privater Raum, der der Sammlung von Büchern und Kunstgegenständen vorbehalten war. In diesen kleinen, kostbar ausgestatteten Räumen zogen sich Fürsten und Literaten zurück, um zu studieren und über die Kunst der Antike wie auch ihrer eigenen Zeit zu reflektieren. Worin bestanden also die Kunstgegenstände, die hier gesammelt wurden? Es handelte sich um kleine Bronzetti, Plaketten, Medaillen und alle ähnlichen kleinen Objekte, die man während des Studiums oder der Mußestunden in die Hand nehmen und betrachten konnte. Die Sammlung von Bronzetti und Renaissance-Plaketten, die im Palazzo Fulcis aufbewahrt wird, stammt vollständig aus der Sammlung des Grafen Florio Miari, die 1872 dank einer Schenkung seines Sohnes Carlo an das Museo Civico di Belluno gelangte. Die Sammlung Miari ist besonders bedeutend, da sie – obwohl sie ein wichtiges Zeugnis der Belluneser Sammelleidenschaft darstellt – Stücke enthält, die repräsentativ für eine weitaus größere italienische Produktion an der Schwelle vom 15. zum 16. Jahrhundert sind. Damals erfreuten sich Bronzetti und Plaketten als Studien- und Ausstellungsobjekte besonderer Beliebtheit bei Sammlern. Unter dem Begriff Plakette versteht man kleine Reliefs, meist aus Bronze, die nur auf einer Seite verziert sind und dazu dienten, ein Modell zur Replikation zu vermitteln (ein glyptisches Werk, ein Gemme, ein Kamee) oder manchmal von berühmten Vorbildern inspiriert waren. Dies ist zum Beispiel bei den Zeichnungen Michelangelos der Fall, die von Giovanni Bernardi (1494–1553) verwendet wurden, wovon ein Exemplar mit dem Sturz des Phaeton hier ausgestellt ist. Die Sammlung Miari umfasst einige Plaketten, die von den besten Künstlern der Bronzegravur und -gusskunst ausgeführt wurden. Eine davon, die die Madonna mit Kind darstellt, wird der Werkstatt Donatellos zugeschrieben, die von 1443 bis 1453 in Padua tätig war und dort bleibende Spuren hinterließ. In anderen Beispielen sehen Sie Werke des Goldschmieds Valerio Belli (1468–1546) aus Vicenza, von Galeazzo Mondella (1467–1528), genannt Il Moderno, und von Andrea Briosco (1470–1532), genannt Il Riccio. Letzterer, auch unter dem Pseudonym Ulocrino bekannt (ein Wortspiel, das „lockiges Haar“ bedeutet!), arbeitete vor allem in Padua, wo er eine große Anzahl kleiner Bronzeskulpturen mit klassizistischen Motiven schuf, ganz im Stil der damaligen Mode. Gerade unter den Bronzetti, den bevorzugten Sammlerstücken der Renaissance, stechen in der Mitte dieses Raumes die meisterhaft gegossenen Figuren der Gruppe mit Adam und Eva hervor, die Nicolò Roccatagliata (um 1570–nach 1636) zugeschrieben werden, sowie das einzigartige Stück eines Teufels, das dem Umfeld von Agostino Zoppo (1520–1565) zugeordnet wird. Im engen humanistisch-literarischen und renaissancistischen Kreis entwickelte sich auch das Sammeln von Medaillen, die aufgrund ihrer geringen Größe und Transportierbarkeit sowie der Möglichkeit, Wort und Bild zu vereinen, besonders geeignet waren, Ruhm und Erinnerung innerhalb eines gebildeten Kreises zu bewahren. In diesem Sammlungsbereich spielte Pisanello eine grundlegende Rolle: Er war der eigentliche Schöpfer des Genres und machte das Renaissance-Profilporträt zum Kanon, von dem ein repräsentatives Beispiel das des Humanisten und Pädagogen Vittorino da Feltre ist. An diesen Vorbildern orientieren sich auch die späteren Medaillen einiger der berühmtesten Gelehrten ihrer Zeit, beide aus Belluno stammend, aber an den wichtigsten Renaissancehöfen Italiens tätig: Urbano Dalle Fosse (genannt Bolzanio), Erzieher von Giovanni de’ Medici in Florenz, dem späteren Leo X., und sein Neffe Pierio Valeriano, der Autor des Werks „Hieroglyphica“ (1556), dem wir wenige Schritte zuvor begegnet sind und der hier neben seinem Werk porträtiert ist.

09. Saal 8: Der Monte di Pietà von Belluno. Die Schatztruhe

Der neunte Besichtigungspunkt ist einer fast piratenhaften Schatztruhe gewidmet.

Wir befinden uns hier nicht auf dem Set eines Films mit vagem Piratenflair, sondern stehen vor der Schatztruhe aus dem 16. Jahrhundert des Monte di Pietà von Belluno. Diese Institution wurde 1501 gegründet und erfüllte die in Italien weit verbreitete Aufgabe, das Geschäft der Geldleihe den Wucherern zu entziehen. Bernardino da Feltre spielte eine entscheidende Rolle bei der Förderung dieser Form der Volksfinanzierung. Nach bellunesischer Überlieferung wurde der Monte di Pietà dieser Stadt von Bruder Elia da Brescia aus dem Orden der Serviten Mariens entworfen. Das Gebäude, das 1531 eingeweiht wurde, befand sich auf dem Marktplatz. Das Museo Civico di Belluno bewahrt zahlreiche ursprünglich aus diesem Gebäude stammende Werke auf: das Tympanon mit der Grablegung Christi von Agostino Ridolfi, das Ex-Voto von Giovanni Delaito, Die Pietà und der Rektor Vittore Correr von Francesco Frigimelica. Unter all diesen nimmt jedoch zweifellos die massive Schatztruhe, die Sie hier vor sich sehen, einen Ehrenplatz ein – unantastbar in ihrer jahrhundertealten Solidität und noch immer mit den Bronzegewichten der Republik Venedig ausgestattet.

10. Saal 9: Zeichnungen und Druckgrafik

Dieser zehnte Ausstellungsbereich ist dem Bereich der Druckgrafik und Zeichnungen gewidmet.

Die Sammlung des Museo Civico di Belluno umfasst auch eine bedeutende grafische Sammlung, mit Zeichnungen, die größtenteils aus der Schenkung des Belluneser Grafen Francesco Agosti aus dem Jahr 1906 stammen. Unter diesen Blättern befinden sich neben dem außergewöhnlichen Album mit Zeichnungen von Andrea Brustolon viele Werke von Belluneser Künstlern, die vom 17. bis ins 20. Jahrhundert reichen. Ein besonders reichhaltiger Kern sind die Zeichnungen des 18. Jahrhunderts, von denen Sie in diesem Saal einige Beispiele sehen können. Neben Künstlern wie Gaspare Diziani und Francesco Fontebasso, beide Schüler von Sebastiano Ricci, treten auch weniger bekannte, aber sehr interessante Persönlichkeiten hervor, wie Antonio de’ Bittio, ein eigenwilliger Maler, Freskant und Porträtist, der auch in England für den Grafen Frederick Augustus Hervey im Ickworth House tätig war, sowie Paolo de’ Filippi, der die von Marco Ricci erneuerte Landschaftsmalerei weiterführte. Aus dem 19. Jahrhundert stammen hingegen die Zeichnungen anderer bedeutender Meister, neben den bekannten neoklassizistischen Dekorateuren Giovanni Demin und Pietro Paoletti etwa der Porträtist Antonio Tessari und der große Protagonist der italienischen Landschaftsmalerei dieses Jahrhunderts, Ippolito Caffi. Von großer Bedeutung ist zudem die in Palazzo Fulcis aufbewahrte Druckgrafiksammlung, von der in diesem Saal wechselnde Beispiele ausgestellt werden. Diese Sammlung umfasst insbesondere den wertvollen Bestand, der von Luigi und Alberto Alpago-Novello zusammengetragen und 1994 von Luisa, Adriano und Arpalice Alpago-Novello dem Museo Civico di Belluno geschenkt wurde. Diese bedeutende und gezielt aufgebaute Kollektion umfasst mehr als 1.400 Blätter, die überwiegend von Belluneser Künstlern geschaffen wurden. Stellen Sie sich also eine Fülle von Werken von Giovanni Battista Brustolon, Antonio Baratti, Pietro Monaco, Giuliano Giampiccoli, Marco Ricci und Joseph Wagner vor: kurzum, einige der wichtigsten Kupferstecher, die im 18. Jahrhundert in Venedig tätig waren, oft gebürtig aus Belluno, einer Stadt mit einer bedeutenden Tradition von Meistern der Druckgrafik.

11. Saal 10: Schmuckstücke der Sammlung Prosdocimi Bozzoli

Im elften Ausstellungsbereich können Sie die Schmuckkollektion Prosdocimi Bozzoli bewundern.

Sie befinden sich nun in einem sehr hellen Raum mit ungewöhnlicher Form. Einst war dieser Bereich offen und blickte auf den Innenhof des Palastes. Heute ermöglicht eine einfache Glasscheibe, diesen Raum optimal zu nutzen und die Formen der Schmuckstücke der Sammlung Prosdocimi Bozzoli, von denen Sie hier eine Auswahl sehen, besonders hervorzuheben. Diese Kollektion wurde 1983 dem Museo Civico di Belluno gestiftet. Ab den 1950er Jahren begann Rosetta Prosdocimi Bozzoli mit dem Aufbau einer bedeutenden Sammlung von volkstümlichem Schmuck aus Belluno – in einer Zeit, als dieser zunehmend aus dem Alltag verschwand. Ihr Ziel war es, die traditionelle Volkskultur und eine weibliche Identität, die vom Verschwinden bedroht war, vor dem Vergessen zu bewahren. Wenn Sie einen Moment innehalten und diese kleinen Objekte aufmerksam betrachten, die oft aus kostbarer Silberfiligran gefertigt sind, werden Sie von der technischen Meisterschaft, die sie hervorgebracht hat, beeindruckt sein. Beachten Sie die „Tremoli“, jene Haarnadeln, die mit Silberblumen enden und auf Spiralfedern sitzen, sodass sie bei jeder Kopfbewegung schwingen; die „Spilloni di San Marco“, einfach oder doppelt; die „Guselle“, einfache Haarnadeln, die fächerförmig in den Haarknoten gesteckt wurden; die Korallenketten, Ohrreiniger, Ringe, Anhänger und Pendel mit besonders deutlicher Symbolik, etwa in Herzform als Ausdruck ehelicher und liebender Treue oder als Sterne. Neben diesen leichten und fantasievollen Kleinodien sehen Sie etwas völlig anderes: Diese geschnitzten Holzplatten, auf denen Sie das Negativ einiger Motive erkennen können, sind Beispiele für Holzschnitt-Druckstöcke. Das Museo Civico di Belluno bewahrt etwa 560 solcher Holzstöcke auf, die im März 1896 aus der Belluneser Druckerei Tissi hierher gelangten. Diese Werkstatt ist seit der Mitte des 18. Jahrhunderts aktiv und hat vermutlich im Laufe der Zeit auch ältere Werkstattbestände, vielleicht aus dem 16. Jahrhundert, aus anderen Druckereien in Belluno oder benachbarten Gebieten übernommen und bewahrt. Gegründet wurde sie von Simone Tissi, der bei dem bekannten Kupferstecher Giuliano Giampiccoli ausgebildet wurde und eine wichtige Rolle bei der Etablierung dauerhafter Beziehungen zwischen Belluno und der Druckerei Remondini in Bassano del Grappa spielte, wo Simone ebenfalls ein Praktikum absolvierte. Seine erste Druckausgabe datiert auf das Jahr 1751. Später trat auch der Belluneser Antonio Persicini in die Werkstatt ein.

12. Saal 11: Die Alkove. Die Fulcis als Ritter von Malta

Der zwölfte Ausstellungsbereich ist dem Schlafzimmer des Hausherrn gewidmet.

Wenn Sie weitergehen und den kleinen Raum neben dem Saal für Druckgrafik und Zeichnungen betreten, befinden Sie sich in der Alkove des Palastes: dem Schlafzimmer des Hausherrn. Ab 1702, als der junge Pietro Fulcis den begehrten Titel eines Ritters von Malta erhielt, wurde das charakteristische Kreuz des Malteserordens zu einem unverzichtbaren Element in der Dekoration der verschiedenen Räume seines Stadtpalastes: Es prangt auch hier, im intimsten und privatesten Bereich des Gebäudes. Auch hier verweist die Wanddekoration auf den Anlass dieser wichtigen Auszeichnung, mit der Präsenz des Malteserkreuzes sowohl im Stuckdekor als auch in der Deckenmalerei, das sich über den Adler des Familienwappens Fulcis legt. Es ist wahrscheinlich, dass die Alkove nicht lange nach der Ausgestaltung des kleinen Gemachs eingerichtet wurde, in dem die Gemälde von Sebastiano Ricci untergebracht wurden; wie in jenem Fall zeigt der Stuckateur, dem die auffällige plastische Wanddekoration zu verdanken ist, eine enge Nähe zum Stil von Bortolo Cabianca: Zwei allegorische Figuren, die möglicherweise die Tageszeiten – also Tag und Nacht oder Morgendämmerung und Abenddämmerung – darstellen, halten Voluten, die, zu einem gegensätzlich verschlungenen Doppel-S geformt, eine Art Theaterproszenium bilden, das in den inneren Bereich der Alkove führt. Man muss sich das ursprüngliche Erscheinungsbild mit goldenen und elfenbeinfarbenen Tönen vorstellen, das sich direkt mit ähnlichen venezianischen Ausführungen des frühen 18. Jahrhunderts vergleichen lässt: ein weiterer Beleg für die Aktualität des Geschmacks der Familie Fulcis. Die insgesamt überschaubare Größe des Raumes hat einige dazu veranlasst, anzunehmen, dass er ursprünglich nicht für die Ehe gedacht war und vor der Heirat von Pietro Fulcis konzipiert wurde: So erscheinen der Helm und alle anderen militärischen Anspielungen in der Dekoration, Elemente, die wenig mit ehelicher Zärtlichkeit zu tun haben, deutlich weniger unangebracht.

13. Saal 12: Die Sammlung Zambelli. Porzellane des 18. Jahrhunderts

Der dreizehnte Ausstellungsbereich widmet sich der Sammlung Zambelli mit zahlreichen Porzellanen aus dem 18. Jahrhundert.

Die in diesem Saal ausgestellten Stücke wurden dem Museo di Belluno im Januar 1994 von Professor Enrico Zambelli geschenkt, auf seinen Wunsch und jenen seiner zwei Jahre zuvor verstorbenen Ehefrau Luciana Perale. Der Zambelli-Bestand umfasst zahlreiche Objekte, darunter Möbel, Wandteppiche, Teppiche und Porzellane sowie Stiche, Zeichnungen, Fotografien, Gemälde, Gläser und vieles mehr. Besonders hervorzuheben ist das Mobiliar: Unter den bedeutendsten Möbelstücken des 18. Jahrhunderts können Sie ein Bureau aus Johannisbrotbaumholz venezianischer Herstellung und einen seltenen Schreibtisch aus Nussbaumwurzelholz, gefertigt in der Emilia in der ersten Hälfte des Jahrhunderts, bewundern. Um 1750 datiert die bemalte Holztür mit pastoralen Szenen und geschweiften Rahmen, aus dem venezianischen Raum. Die Gemälde an den Wänden stammen schließlich aus der venezianischen Schule und werden zwischen dem 17. und 18. Jahrhundert datiert. Das Glanzstück des Saals ist jedoch die umfangreiche Porzellansammlung, die sicherlich sofort Ihre Aufmerksamkeit auf sich gezogen hat. Sie werden es kaum glauben, aber in diesen wenigen Quadratmetern Vitrine ist die Produktion aller bedeutenden italienischen und europäischen Manufakturen ab dem 18. Jahrhundert vertreten, zusammen mit einigen Exemplaren aus China und Japan! Ein kleiner Exkurs zur Geschichte der Porzellanherstellung wird Ihnen helfen, diese zarten Meisterwerke noch mehr zu schätzen. Unter den italienischen Manufakturen ragten besonders jene in Venedig hervor. Die älteste war die von Giovanni Vezzi, aktiv zwischen 1720 und 1727, von der das Museum eine seltene Schale mit floraler Dekoration und Reliefmotiven besitzt (Vitrine 1, Nr. 1). Es folgte die 1761 vom sächsischen Flüchtling Nathaniel Friedrich Hewelcke gegründete Manufaktur, aus der eine kleine Teekanne mit sphäroidem Korpus und floralen Motiven stammt (Vitrine 1, Nr. 54), inspiriert von chinesischen Modellen. Der Höhepunkt der venezianischen Produktion fiel jedoch mit dem Kommen des Modeneser Unternehmers Geminiano Cozzi zusammen. Seine Manufaktur, aktiv zwischen 1765 und 1812, zeichnete sich durch ihre Produktivität und die Vielfalt der verwendeten Motive aus (Chinoiserien, Landschaften, figürliche, florale und geometrische Kompositionen). Zahlreich sind auch die Einzelfiguren und Figurengruppen. Unter den vom Museum besessenen Statuetten ist die polychrome Figur eines orientalischen Mädchens hervorzuheben, auch "pagò" genannt (vom venezianischen "pagodo", chinesische Gottheit – Vitrine 1, Nr. 4). Hauptkonkurrent von Cozzis Unternehmen war die 1762 von Giovanni Battista Antonibon in Nove (Vicenza) gegründete Manufaktur. Sie zeichnete sich durch hohe künstlerische und materielle Qualität aus; das figurative Repertoire stimmt teilweise mit dem des Rivalen überein, wie etwa die Ketten- und Brückenmotive zeigen, die beiden Fabriken gemeinsam sind (Vitrine 1, z.B.: Nr. 11, 25). Unter den europäischen Manufakturen sind die französischen Produktionen zu nennen (wertvoll ist die in Sèvres gefertigte Milchkanne mit goldenen Friesen und Vogel, signiert und datiert 1773 – Vitrine 3, Nr. 25), sowie die österreichischen und deutschen. Gerade in Deutschland entstand die erste europäische Porzellanmanufaktur im großen Stil: Sie befand sich in Meissen (Dresden), begann 1710 mit der Produktion und bevorzugte von Anfang an orientalische Motive, naturalistische Szenen und Landschaften, wie die hier ausgestellten Exemplare eindrucksvoll zeigen (Vitrine 3, Nr. 1-17, 19).

14. Der Festsaal des Palazzo Fulcis

Der vierzehnte Besichtigungspunkt ist dem Festsaal des Palazzo Fulcis gewidmet.

Sie befinden sich im Herzen des Palastes, im prächtigen, doppelgeschossigen Festsaal, der durch den Ausbau nach Entwurf des Architekten Valentino Alpago-Novello anlässlich der 1776 gefeierten Hochzeit zwischen Guglielmo Fulcis und Francesca Migazzi de Waal entstand. Achten Sie darauf, nicht mit einer der drei majestätischen barocken Konsoltische zu kollidieren, die diesen Raum schmücken! Sie gehören zur originalen Ausstattung des Palastes und wurden von Belluneser Handwerksmeistern gefertigt – ein wertvolles Erbe der großen lokalen Schnitztradition. Sie dürfen sich hingegen gerne im Spiegel betrachten. Und bevor Sie sich von dem Spiegel entfernen, verweilen Sie einen Moment bei dem Wappen der Familie Fulcis und dem Malteserkreuz: Diese Elemente ermöglichten es, die Möbel nach 1702 zu datieren, dem Jahr, in dem Guglielmos Vater, Pietro Fulcis, den Titel eines Ritters des Malteserordens erhielt – ein Ereignis, das mit wichtigen dekorativen Eingriffen im Palast gefeiert wurde, wie den Stuckarbeiten der Alkoven und des Herkules-Kabinetts sowie dem Auftrag an Sebastiano Ricci für die Gemälde, die kurz darauf den Palast schmücken sollten. Sicherlich haben Sie sich schon von der feinen, monochromen und in Stuck ausgeführten Dekoration der Decke und des oberen Wandbereichs bezaubern lassen: ein Beispiel für Eleganz ohne Übermaß. Die allegorischen Gemälde, die Sie über sich sehen – an der Decke und im oberen Bereich von drei der vier Wände – stammen von einem der populärsten Freskanten der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts: Costantino Cedini. Beginnen wir oben. Genau dort, über Ihrem Kopf, wo die Schwere des Ziegelsteins der Leichtigkeit der Wolken gewichen ist. Die Tugend krönt den Wert, sehen Sie? Und wenn Sie noch ein paar Minuten in dieser unbequemen Position verharren, können Sie in der herrlichen Allegorie alle Figuren erkennen, die sie bevölkern: den Wert, stolz sitzend neben einem stattlichen Löwen, die Tugend, die ihn großzügig überragt und eine Krone in den Händen hält, die drei theologischen Tugenden, hoch oben, fast im klaren Himmel verschwindend, und schließlich unten links, so nah, dass sie fast greifbar sind, Merkur, Mars und Herkules. Wenn Sie genug von den Wolken haben und den Blick senken möchten, können Sie sich daran erfreuen, zu erkennen, welche der allegorischen Figuren an den Wänden den Verdienst, welche das Glück und welche den Krieg darstellen. Leider sind die Gemälde, vermutlich ebenfalls von Cedini, die den unteren Wandbereich schmückten und von denen noch die Rahmung erhalten ist, verloren gegangen: Die Zeit bringt uns ebenso viele kostbare Geschenke, wie sie mit sich nimmt.

15. Saal 13: Barocke Zimmergemälde

Der fünfzehnte Ausstellungspunkt widmet sich einigen Gemälden aus der Barockzeit.

Dieser Saal bietet Ihnen einen kleinen Einblick in den Geschmack einer Gemäldesammlung des 17. Jahrhunderts: Das Zeitalter des Barock markiert nämlich die Entstehung der Gemäldegalerie im modernen Sinne, eines Raumes, in dem alte Gemälde und Familienbesitz mit neuen Auftragswerken unterschiedlichen Themas und Genres zu koexistieren beginnen. Es sind Porträts, biblische Themen, Genrebilder und Stillleben, von denen Sie in diesem Raum einige interessante Beispiele bewundern können. Innerhalb der Pinacoteca Giampiccoli, dem Bestand, der den Ursprungskern der bürgerlichen Sammlungen von Belluno bildet, befanden sich einige besonders interessante Beispiele venezianischer Malerei zwischen dem 17. und 18. Jahrhundert. Dazu gehört das schöne "Porträt eines Jünglings" von Vittore Ghislandi, genannt Fra’ Galgario, möglicherweise Teil eines größeren Gemäldes, das die großen Fähigkeiten des Bergamasker Meisters, seinen eindringlichen Naturalismus und seine glücklichen farblichen Eingebungen offenbart. Der aus Lucca stammende Pietro Ricchi, hier vertreten mit "Moses wird aus den Wassern gerettet", war hingegen einer der interessantesten "fremden" Künstler, die im 17. Jahrhundert in den Gebieten der Serenissima tätig waren. Er trug dazu bei, die venezianische Malerei im barocken Sinne zu verwandeln, oft mit kühnen Lichtlösungen, die nicht ohne Anklänge an die Lehre Caravaggios sind und die durch die Farbpalette dieses Gemäldes angedeutet werden. Sehr verbreitet in den venezianischen Barockgalerien waren auch die ländlichen Szenen von Philipp Roos, genannt Rosa da Tivoli, dem bedeutendsten Tiermaler des deutschen 17. Jahrhunderts, der in Italien, insbesondere in Rom und Venetien, großen Erfolg hatte.

16. Saal 14: Belluno, Porträt einer Stadt zwischen 17. und 18. Jahrhundert

Der sechzehnte Ausstellungsbereich widmet sich dem Erscheinungsbild Bellunos zwischen dem 17. und 18. Jahrhundert.

In diesem Saal können Sie spielerisch die Stadt Belluno neu denken und umgestalten, bis Sie sie mit den Augen eines Menschen des 17. oder 18. Jahrhunderts sehen. Die Predigt des heiligen Bernhardin von Siena von Francesco Frigimelica dem Jüngeren, teilweise inspiriert von dem Gemälde Andrea Schiavones, das im Dom aufbewahrt wird, ist dem Heiligen gewidmet, der 1423 die Kämpfe zwischen den bellunesischen Fraktionen beilegte. Im Bildausschnitt des Werks können Sie einen Teil der ursprünglichen Gestaltung der Piazza Duomo erkennen. Bemerkenswert in ihrer Weitläufigkeit ist auch die Perspektivische Ansicht von Domenico Falce, datiert auf 1690 und zu Ehren des venezianischen Rektors Antonio Boldù geschaffen, dessen Wappen dort zu sehen ist. In diesem Werk verbindet der Maler eine analytische städtebauliche Darstellung, die Ihnen eine Vorstellung von der ursprünglichen Ausdehnung der Altstadt vermittelt, mit einer fantasievollen und anekdotischen Note, wie die Flöße zeigen, die zum Borgo Piave zur Holzflößerei gelangen. Als eine Art Votivbild ist hingegen das Gemälde von Antonio Lazzarini konzipiert, das von einer Auseinandersetzung zwischen Flößern und Wachen im Jahr 1718 berichtet, die dank des wundersamen Eingreifens der Jungfrau Maria gelöst wurde. Kommen wir nun zu einem der bedeutendsten Landschaftsmaler der ersten Jahrzehnte des 18. Jahrhunderts in Europa: dem Belluneser Marco Ricci. Dieser Künstler, Neffe von Sebastiano, widmete sich – man staune – auch dem besonderen Genre der Karikatur (Genrebilder, in denen die Figuren komisch durch überzeichnete Porträts dargestellt werden), einem Bereich, in dem er besonders während seines Aufenthalts in England aktiv war. Vielleicht entstand das Werk noch vor dieser Erfahrung, doch nimmt es bereits den ironischen und unvoreingenommenen Blick auf die Menschheit vorweg: die Ansicht der Piazza Campitello, die Sie in diesem Saal bewundern können, ein einzigartiger Einblick in das Alltagsleben und die Stadt Belluno zu Beginn des Jahrhunderts.

17. Saal 15: Andrea Brustolon und das Barockzeitalter in Belluno

Der siebzehnte Ausstellungsbereich widmet sich dem Barockkünstler Andrea Brustolon.

In diesem großen Saal, der dem barocken Belluno gewidmet ist, stehen die Werke eines der größten Bildhauer und Holzschnitzer aller Zeiten im Mittelpunkt: Andrea Brustolon. Im Museo Civico di Belluno wird das vollständige Album mit den Zeichnungen des Künstlers aufbewahrt, das etwa fünfundsiebzig Blätter umfasst, von denen viele als Vorstudien für seine bekanntesten Werke dienten. Dieses Album ist ein einzigartiges Dokument über die Arbeitsweise und die schöpferische Erfindungskraft des Bildhauers, dessen Ausdrucksweise nicht nur die Kritiker seiner Zeit, sondern auch die der nachfolgenden Jahrhunderte begeisterte. Man denke nur daran, dass Honoré de Balzac ihn im 19. Jahrhundert in seinem berühmten Roman „Cousin Pons“ (1847) als den „Michelangelo des Holzes“ bezeichnete. Den Studienphasen seiner Meisterwerke sind die drei vorbereitenden Terrakotta-Modelle gewidmet, die Sie hier bewundern können. Sie zeugen von einer großen Sensibilität und einem tiefen Naturalismus in der plastischen Gestaltung, noch ganz vom Funken der ersten Idee beseelt. Die Allegorie der Gnade wurde für eine Serie von Holzskulpturen geschaffen, die von Tiopo Piloni in Auftrag gegeben wurden, der auch im Medaillon, das Sie rechts sehen können, im Profil dargestellt ist – signiert und datiert 1727. Das Modell mit der Kreuzigung von 1728 ist hingegen eine Vorstudie für das Altarbild, das heute in der Kirche San Pietro in Belluno aufbewahrt wird, ursprünglich jedoch für die Jesuitenkirche bestimmt war. Aus der Kirche San Giuseppe stammt das Kruzifix aus Holz, das Sie am Ende des Saales finden – ein wertvolles Zeugnis der technischen Virtuosität, zu der Brustolon die Kunst des Holzschnitts führte. Diese Schule fand im Gebiet von Belluno zahlreiche Nachfolger, wie den Kapuzinerbruder Francesco Dalla Dia. Im Bereich der Malerei ist Agostino Ridolfi zweifellos der bedeutendste Vertreter an der Schwelle zwischen dem 17. und 18. Jahrhundert. Er war der sogenannten „tenebrosen“ Strömung in Venedig verbunden, die sich durch starke Hell-Dunkel-Kontraste und eine besonders dramatische Erzählweise auszeichnete – eine Richtung, der auch Antonio Lazzarini nahestand. Hauptsächlich im 18. Jahrhundert war hingegen Antonio Gabrieli aktiv, der, wenn auch manchmal etwas naiv, sowohl die Lehre von Ricci und Diziani als auch die Kunst von Antonio Guardi weiterverbreitete. Das große Gemälde mit der Unbefleckten Empfängnis und den Schutzheiligen der Stadt Belluno stammt aus dem Ratssaal der Adligen der Stadt.

18. Saal 16: Marco Ricci und die Landschaftsmalerei des 18. Jahrhunderts

Der achtzehnte Ausstellungsbereich ist dem Maler Marco Ricci gewidmet.

Willkommen im Reich von Marco Ricci und dem landschaftlichen Genre der Malerei des 18. Jahrhunderts. So wie Sebastiano Ricci der großen dekorativen und Historienmalerei eine entscheidende Wende verlieh, indem er sie im Sinne des 18. Jahrhunderts und des Rokoko erneuerte, so verwandelte auch sein Neffe Marco, ebenfalls aus Belluno stammend, die Landschaftsmalerei. Er führte sie von den licht- und schattenbetonten Effekten der barocken Epoche zu einer freien, klaren und, man könnte sagen, fast 'meteorologischen' Auffassung der Natur. Ein Vergleich zwischen den hier gezeigten Werken Riccis und den Landschaften von Antonio Marini, einem Maler, mit dem Marco früher verwechselt wurde, ist in dieser Hinsicht aufschlussreich: Während Marinis Landschaften dramatisch und aufgewühlt erscheinen, sind jene von Ricci heiter und klar strukturiert. Vielleicht wissen nicht alle, dass Marco, um dem gelblichen Schleier entgegenzuwirken, den das Öl mit der Zeit auf der Leinwand hinterlässt – ein Effekt, der nicht für alle Landschaftstypen geeignet ist –, eine völlig neue Technik erfand. Nach längerer Zeit des Experimentierens fand er schließlich eine Lösung, die es ihm ermöglichte, helle Landschaften mit Weiß und leuchtenden Farben zu malen: Er begann, mit Tempera auf Ziegenleder zu malen und baute seine Bilder aus Farbflecken und Lichtakzenten auf. Die hier ausgestellten Werke, die mit dieser Technik entstanden sind, repräsentieren ein Genre, das als „Capriccio“ bezeichnet wird: eine Welt, in der Natur und Wirklichkeit mit der Fantasie ruinöser Elemente verschmelzen. Beim Betrachten dieser kleinen, leuchtenden Gemälde wird deutlich, wie klar und rational Marco Ricci seine optische Konzeption entwickelte – dieselbe Auffassung, die später für die Veduten Canalettos entscheidend sein sollte. In Belluno, wohin Marco oft zurückkehrte und sich gerne aufhielt, um eine direkte und privilegierte Verbindung zu den Bergen und der Natur seiner Gemälde zu pflegen, entwickelte sich eine Schule der Landschaftsmalerei, die auch im folgenden Jahrhundert fortbestehen sollte. Antonio Diziani, Sohn von Gaspare, war in der Landschaftsmalerei aktiv. Er griff Anregungen aus Marcos Werk auf, interpretierte sie jedoch auf anekdotischere Weise und mit Genremotiven neu. Giuseppe Zais, der von denselben Erfahrungen Riccis ausging, konnte sich in Venedig mit den Arbeiten des bedeutendsten 'arkadischen' Landschaftsmalers des 18. Jahrhunderts, Francesco Zuccarelli, auseinandersetzen. Dennoch bewahrte er in seinen Werken einen Ton von Naturalismus und Wahrhaftigkeit des ländlichen Lebens, den er mit reichen und zitternden Pinselstrichen darstellte.

19. Saal 17: Sebastiano Ricci

Der neunzehnte Ausstellungspunkt ist dem Künstler Sebastiano Ricci gewidmet.

Sebastiano Ricci, geboren 1659 in Belluno, war einer jener Künstler, die eine gesamte malerische Tradition aufnehmen und verwandeln konnten. In gewisser Weise spielte er eine ähnliche Rolle wie Peter Paul Rubens ein Jahrhundert zuvor. Ricci war maßgeblich an der Umgestaltung der europäischen Malerei beteiligt, als diese vom Barock zum Rokoko überging – ein Wandel, der sich beispielhaft in seinen Werken in Padua in der Basilika Santa Giustina (1700) sowie in Florenz im Palazzo Pitti und im Palazzo Marucelli (1707) widerspiegelt. In diesem Saal haben Sie zudem die Möglichkeit, die Sensibilität jener Hand zu erkennen, von der Sebastiano die ersten Geheimnisse der Kunst erlernte: Das große Gemälde mit Tritonen und Nereiden stammt von seinem Lehrer Federico Cervelli, einem aus Mailand stammenden Maler, der nach Venedig übersiedelte und in diesem Werk seine Vorliebe für eine leuchtende, neuveronesische Kunst zeigt. Riccís Biografie ist geprägt von ausgedehnten Reisen durch Nord- und Mittelitalien, einem Aufenthalt in England gemeinsam mit seinem Neffen Marco – dort dekorierte er unter anderem die Burlington House und das Chelsea Royal Hospital – sowie von Stationen in Paris und Wien. Dies lässt erahnen, aus welch reichem Erfahrungsschatz der junge Sebastiano schöpfen konnte, um daraus eine außergewöhnlich umfassende visuelle Kultur nach seiner eigenen künstlerischen Poetik neu zu gestalten. Noch ganz der Malerei des 17. Jahrhunderts und ihren dramatischen Hell-Dunkel-Kontrasten verbunden ist das geheimnisvolle Gemälde, eine ungewöhnlich grundierungslose Tempera mit dem Motiv Die Geduld des Hiob, das vermutlich zu einem heute nicht mehr auffindbaren Dekorationszyklus gehörte, wie die Rahmung in falschem Stuck vermuten lässt. Bereits vom neuen, freieren, atmosphärischen und lichtdurchfluteten Stil beeinflusst – dank der Wiederentdeckung Paolo Veroneses – ist hingegen die Ruhe auf der Flucht nach Ägypten, vermutlich während Riccis Englandaufenthalt entstanden. Der Kopf der Samariterin stammt dagegen aus dem verlorenen Zyklus der Villa Belvedere in Belluno (1718), der vom Bischof Bembo in Auftrag gegeben und leider zerstört wurde. Die Dekoration, wie eine Zeichnung von Osvaldo Monti belegt, war durch biblische Episoden, aber auch durch Szenen aus dem zeitgenössischen Leben geprägt, etwa durch ein Selbstporträt Sebastianos mit seinem Neffen Marco. Der Satyr und die Familie des Bauern schließlich ist ein Zeugnis seines reifen Schaffens und der „di tocco“-Manier, mit der Sebastiano einige seiner Werke interpretierte. Damit folgte er einer ganz im 18. Jahrhundert verankerten Vorliebe für Schnelligkeit, Erfindungsgabe und fast musikalisch improvisierte Skizzen: „Dieses kleine ist das Original“, schrieb er, als er einem Auftraggeber das vorbereitende Modell eines großen Altarbildes sandte und damit die Überlegenheit des schöpferischen Akts betonte.

20. Saal 18: Das 18. Jahrhundert

Der zwanzigste Ausstellungspunkt vertieft die malerische Epoche des 18. Jahrhunderts in Belluno.

Sebastiano Ricci spielte zusammen mit Antonio Pellegrini und Jacopo Amigoni eine entscheidende Rolle bei der Umgestaltung der venezianischen Malerei im Geist des 18. Jahrhunderts. In diesem Saal können Sie die Werke eines Künstlers bewundern, der sein Schüler war: Gaspare Diziani, ebenfalls gebürtig aus Belluno. Einer der bedeutendsten Maler der Mitte des Jahrhunderts, reiste er nach Rom und Deutschland und übernahm Aufträge aus ganz Europa (man denke nur daran, dass die Decke des Winterpalastes, heute Sitz der Eremitage in Sankt Petersburg, von ihm dekoriert wurde), sowohl auf Leinwand als auch in Freskotechnik. In Belluno hinterließ er unter anderem das Altarbild mit der Ekstase des heiligen Franziskus in der Kirche San Rocco sowie die bemerkenswerte hier ausgestellte Verkündigung, die in häuslichen Tönen erzählt und durch feine Lichtakzente belebt wird. Das Porträt von Almorò Pisani hingegen stammt von dem bedeutendsten venezianischen Porträtisten der zweiten Jahrhunderthälfte, Alessandro Longhi. Das Gemälde zeigt das sehr junge Mitglied einer der wichtigsten Familien der Serenissima, der auch dafür bekannt war, in seinem Palast in der Contrada San Vidal eine Zeichenakademie gegründet zu haben und bereits im Alter von etwa zwanzig Jahren verstarb. Das Werk ist der Überrest eines größeren Gruppenporträts, von dem heute nur noch das Kleid der Mutter Marina Sagredo zu sehen ist: Der junge Pisani ist wie ein Erwachsener gekleidet, mit Dreispitz und einer grau-blauen Velada, die virtuos mit goldenen Akzenten hervorgehoben wird. Zu den Protagonisten des Jahrhunderts zählt schließlich auch Giambattista Pittoni. Sein monochromes Werk mit der Allegorie von Venedig ist eine wahre Meisterleistung: Der Künstler wollte hier mit der Malerei ein skulpturales Relief vortäuschen; es bleibt Ihnen überlassen zu beurteilen, wie hervorragend ihm dies gelungen ist!

21. Saal 19: Valentino und Caterina Panciera Besarel

Der einundzwanzigste Ausstellungspunkt widmet sich zwei berühmten Holzschnitzern aus Belluno des 19. Jahrhunderts.

Die Tradition der Holzschnitzerei in Belluno fand im 19. Jahrhundert einen weiteren bedeutenden Vertreter: Valentino Panciera Besarel. Aus einer Holzschnitzerfamilie aus dem Val di Zoldo stammend, konnte er dank der Unterstützung des Architekten Giuseppe Segusini von 1853 bis 1855 die Accademia di Belle Arti in Venedig besuchen, wo Luigi Ferrari sein Lehrer war. Als Erbe der Kunst von Andrea Brustolon – dem er 1869 als Hommage eine eindrucksvolle Idealbüste widmete – wurde Valentino zu einem äußerst erfolgreichen Bildhauer und Kunsttischler: Von seiner Werkstatt in San Barnaba in Venedig aus verschickte er Rahmen und Konsoltische in ganz Europa. Seine Werke vereinen die Wiederaufnahme des venezianischen Barock mit Anklängen an Renaissance-Modelle und -Prototypen sowie einem etwas eklektisch interpretierten Neoklassizismus. Ein gemeinsames Merkmal seiner Arbeiten, sowohl im religiösen als auch im weltlichen Bereich, war die Virtuosität der Schnitzerei, Ergebnis höchster technischer Fertigkeit, die ihm Aufträge sogar vom Königshaus Savoyen einbrachte, für das er Werke für den Quirinalspalast in Rom schuf. Wie Brustolon griff auch Valentino auf die Praxis von Terrakotta-Modellen zurück: In diesem Saal können Sie die vorbereitenden Entwürfe für die Evangelisten der Kathedrale von Belluno und für die Engel des Tabernakels der Kirche San Rocco sehen, die in einer einzigen Vitrine vereint sind – konzipiert und realisiert vom Künstler selbst, um sie 1895 dem Museo Civico di Belluno zu schenken. Außerdem sind die Modelle des Heiligen Daniel und des Heiligen Johannes des Täufers zu sehen, die als Vorstudien für die Skulpturen des Heiligtums Santa Maria delle Grazie in Este dienten, sowie das Relief der großen hölzernen Altartafel mit der Kreuzigung, ein Auftrag für die Pfarrkirche von Vigo di Cadore. Dieses Werk präsentierte Besarel auf der Weltausstellung in Paris 1867, wo es großen Erfolg hatte. Manchmal kann sich das Können in der plastischen Modellierung auch in eigenständigen Arbeiten ausdrücken: So im Fall des Porträts der kleinen De Col Tana, das 1857 in fettem, ungebrannten Ton geschaffen wurde – die Tonerde wurde dabei natürlich getrocknet und anschließend mit einer flüssigen Mischung aus Wasser und Ton (sogenannte „Barbottina“) überzogen, was der Skulptur einen besonders natürlichen Oberflächeneindruck verleiht. Wenn Sie sich umdrehen, nachdem Sie sich von dem kleinen Mädchen aus Belluno verabschiedet haben, können Sie das Porträt des Bildhauers neben seiner Ehefrau bewundern. Valentinos Tochter, Caterina Panciera (genannt „Ninetta“), wurde im Laufe der Jahre immer aktiver im Familienatelier, insbesondere nachdem ihr Vater 1885 bei einem Arbeitsunfall vier Finger der rechten Hand verloren hatte. Als Tochter eines Künstlers schuf sie sehr gelungene Werke, wie diese Porträts der Eltern, die durch eine zurückhaltende, fast schlichte, realistische Darstellung bestechen – gerade deshalb wirken sie so wahrhaftig, intim und liebevoll.

22. Saal 20: Ippolito Caffi. Die Vedute und die Landschaft im 19. Jahrhundert

Der zweiundzwanzigste Besichtigungspunkt ist dem Landschaftsmeister Ippolito Caffi gewidmet.

Der zwanzigste Saal unseres Rundgangs ist einem der Hauptvertreter der Vedute und der Landschaftsmalerei des 19. Jahrhunderts gewidmet: Ippolito Caffi. In Belluno, wo der Maler 1809 geboren wurde, folgte man noch immer der inzwischen etwas ermüdeten Tradition von Marco Ricci und dessen Nachfolgern wie etwa Paolo de Filippi, genannt Betto, die noch im vollen 19. Jahrhundert aktiv waren. Ippolito Caffi, der sich sowohl Stadtansichten als auch Naturdarstellungen widmete, verstand es, ein Genre zu erneuern, das nach Marco, Canaletto und Guardi scheinbar nichts Neues mehr zu bieten hatte. Sie können mit eigenen Augen sehen, mit welcher Geschicklichkeit er es dennoch zu innovieren vermochte. Zunächst auf die akademische Malerei ausgerichtet – vor allem unter der Anleitung seines Cousins Pietro Paoletti, der in Padua tätig war, und dann von 1826 bis 1831 an der Accademia di Belle Arti in Venedig – fand Caffi seine Berufung durch eine Reise nach Rom im Jahr 1832. Der Maler spezialisierte sich daraufhin auf das Genre der Vedute und nutzte bis dahin undenkbare Lösungen: Wie Sie an den hier ausgestellten Beispielen erkennen können, verbindet Caffi optische Präzision mit einer Sensibilität für das emotionale Element des Bildes, das oft durch originelle lichtmalerische Ansätze und „Spezialeffekte“ hervorgehoben wird: blendendes Gegenlicht, atmosphärische und astronomische Ereignisse, nächtliche Szenen, erhellt von farbigen Lichtreflexen. Selbst die am häufigsten wiedergegebenen Motive werden durch einen neuen Geist belebt: Dies ist etwa bei den beiden venezianischen Veduten der Fall – von Vedutenmalern aller Epochen geliebte Motive –, die jedoch in Caffis Ausführung durch besonders originelle Lösungen auffallen. Caffi arbeitete sowohl im kleinen Format (Bilder oft in mehreren Fassungen unterschiedlicher Größe) als auch in der großflächigen Wanddekoration, manchmal mit exotischen Sujets, ganz im Sinne des Orientalismus jener Jahre. Reisen bereiteten diesem Künstler Freude. Ab den dreißiger Jahren bereiste er ganz Italien (mehrfach Rom, aber auch Neapel, Genua, Triest), Europa (Nizza, die Schweiz, London, Madrid, Paris) und unternahm 1843 sogar eine Reise in den Orient: Athen, Konstantinopel und Ägypten – eine Erfahrung, die ihm lange Zeit Themen und Lösungen für seine Veduten lieferte. Caffi scheint wirklich unermüdlich gewesen zu sein: Politisch engagiert im Risorgimento, wurde er mehrfach inhaftiert und ins Exil geschickt. Der Meister starb 1866 beim Untergang des italienischen Flaggschiffs während der Seeschlacht von Lissa. Während seiner häufigen Rückkehr nach Belluno, mit denen Caffi seine Reisen unterbrach, fertigte er verschiedene Zeichnungen, Skizzen und Gemälde seiner Heimat an. Fast wie intime Bekenntnisse, frei mit Farbflecken gestaltet, sodass sie Vergleiche mit der besten europäischen Malerei des 19. Jahrhunderts und insbesondere mit Corot nahelegen, waren die hier ausgestellten Leinwände vom Maler vielleicht für eine familiäre Bestimmung gedacht. Eine weitere Stimme, die es verdient, wiederentdeckt und vor allem ebenso beachtet zu werden, ist die von Alessandro Seffer. Sie können sich ein genaues Bild von den Fähigkeiten dieses Künstlers machen, wenn Sie die hier ausgestellte "Jagd am Ufer des Piave" aus der Nähe und bis ins kleinste Detail betrachten. Seffer, der von Caffis Stil ausgeht, verbindet gewagtere, en plein air gemalte, großformatige Ansichten – wie in diesem Fall – oder Szenen, die sich eher an anekdotische Themen anlehnen, wie das "Blaskonzert auf dem Campitello-Platz" von 1901, das Sie zu Ihrer Linken sehen können.

23. Saal 21: Skulptur des 19. Jahrhunderts in Belluno

Der dreiundzwanzigste Ausstellungspunkt ist der Belluneser Skulptur des 19. Jahrhunderts gewidmet.

Wenden wir uns nun der Skulptur des 19. Jahrhunderts in Belluno zu. Im gesamten 19. Jahrhundert war die Stadtverwaltung ein bedeutender Förderer öffentlicher Aufträge für die Kunst, die meist dazu dienten, die Protagonisten der bellunesischen Kultur und Politik sowie – nach der Einigung Italiens – die nationale Geschichte zu feiern. Neben Valentino Panciera Besarel, dem führenden Vertreter der Belluneser Gruppe, waren auch andere bedeutende Bildhauer aktiv. Einen wichtigen Beitrag leistete Luigi Borro, gebürtig aus Ceneda, der durch den Belluneser Giovanni Demin in die venezianische Kunstszene eingeführt wurde. Mit außergewöhnlichem Talent und außergewöhnlichen technischen Fähigkeiten schuf Borro die Dante-Büste, die in der Stadt über der Porta Reniera angebracht ist, sowie ein eindrucksvolles Porträt von Ippolito Caffi, das nach dem Tod des Freundes auf Anregung einer Bürgergruppe entstand. 1864 erhielt er von der Stadt zudem den Auftrag für das Porträt von Tommaso Antonio Catullo, des berühmten bellunesischen Geologen und Zoologen, der den Betrachter mit einem sympathischen, zwischen spöttisch und gutmütig angesiedelten Grinsen anschaut – ein Werk von expressivem, antirhetorischem Naturalismus, das zu den besten Schöpfungen der venezianischen Skulptur des 19. Jahrhunderts zählt und alle akademischen Konventionen sprengt. Im Bereich der lokalen Porträtkunst ragt Giovanni Giacomini hervor. Ebenfalls im Auftrag der Stadt Belluno schuf er die Porträts von Vittorio Emanuele II. und Giuseppe Garibaldi, die in einem familiären und realistischen Ton gehalten sind, wodurch die offizielle Feierlichkeit gemildert und die beiden zu mythischen Vätern des Vaterlandes werden, denen man eine familiäre Huldigung erweist (wie auch im gleichzeitigen Gemälde von Sommavilla zu sehen ist). Für offiziellere Denkmäler wurde jedoch häufig Girolamo Bortotti bevorzugt, der unter anderem das Denkmal für Vittorio Emanuele II. für das Rathaus der Stadt schuf, dessen Terrakotta-Entwurf Sie hier sehen können. Weitere Bildhauer waren an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert in der Region tätig. Besonders erwähnenswert sind: Annibale De Lotto, gebürtig aus San Vito di Cadore, der an vielen öffentlichen Denkmälern in ganz Venetien beteiligt war und das Porträt des irredentistischen Helden Cesare Battisti schuf, der 1916 in Trient gehängt wurde; Urbano Nono, Bruder des bekannteren Malers Luigi, der die Büste des Anwalts Jacopo Tasso schuf, der 1849 wegen seiner Teilnahme an den Aufständen gegen die Österreicher im Vorjahr erschossen wurde – ein Vorentwurf für das vom Gemeinderat von Longarone 1911 in Auftrag gegebene Denkmal.

24. Saal 22: Demin, Paoletti, Placido Fabris. Die Malerei des 19. Jahrhunderts in Belluno

Der vierundzwanzigste Ausstellungspunkt ist den zentralen Persönlichkeiten der bellunesischen Kunst- und Kulturszene des 19. Jahrhunderts gewidmet.

Wer waren die Hauptakteure der Malerei des 19. Jahrhunderts in Belluno? Das 19. Jahrhundert war für die Künste dieser Region eine besonders glückliche Epoche. Neben dem bereits erwähnten Ippolito Caffi wurde hier auch ein Meister wie Giovanni Demin geboren, der zusammen mit Francesco Hayez der Malerei und Dekoration eine entscheidende neoklassizistische Wendung verlieh. Antonio Canova, sein Förderer neben Leopoldo Cicognara, betrachtete ihn sogar als das wahre malerische Genie seiner Zeit und unterstützte ihn während seines Stipendiums in Rom im Jahr 1809. In Belluno hinterließ Demin die bedeutende Dekoration des Sitzungssaals im Rathaus, von der das Gemälde mit Ezzelino, der von den Stadtmauern zurückgedrängt wird, das vorbereitende Modell ist. Viele bellunesische Künstler jener Zeit spezialisierten sich erfolgreich auf das Porträt: Unter ihnen sind Galeazzo Monti, ein Amateurmaler, und Pietro Paoletti, Schüler von Demin, zu nennen. Paoletti war hauptsächlich für historische Werke und große Dekorationen bekannt, erwies sich aber auch in diesem Bereich als sensibler Interpret, wie das schöne Porträt von Angelo Doglioni (1844) zeigt. Auch Placido Fabris aus Pieve d’Alpago, ausgebildet an der venezianischen Akademie und von 1824 bis 1832 auch in Triest tätig, war ein Spezialist dieses Genres. In seinem Porträt von Gaspare Craglietto offenbart sich eine außergewöhnliche mimetische Fähigkeit und eine mikrografische Sorgfalt, fast flämisch in der Ausarbeitung des Gesichts des Dargestellten, eines wohlhabenden dalmatinischen Reeders, der in Venedig lebte und selbst Sammler nordischer Werke war. Ein ähnlicher, fast manischer Virtuosismus ist auch im Porträt von Germanico Bernardi zu erkennen, vor dem wir Sie bitten, dem Impuls zu widerstehen, das Fell seines Gewandes zu streicheln. Wir versichern Ihnen, es ist gemalt. In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts zeichnete sich im Bereich des Porträts Francesco Bettio aus, der auch in Genrebildern im Stil von Favretto tätig war. Osvaldo Monti, Sohn von Galeazzo, war hingegen eine zentrale Figur im kulturellen Leben von Belluno, Förderer der Gründung des Museo Civico im Jahr 1876 und hier von Pompeo Marino Molmenti porträtiert, Professor für Malerei an der venezianischen Akademie und sehr an der Studie der Wirklichkeit interessiert. Osvaldo nahm auch an den Aufständen von 1848 teil, die er in kleinen Gemälden mit lebendiger erzählerischer Ader darstellte, von denen Sie einige im vorherigen Saal gesehen haben.

25. Saal 23: Votivtafeln aus der Kirche Sant’Andrea

Der fünfundzwanzigste Ausstellungsbereich widmet sich den Votivtafeln der Kirche S. Andrea.

Dieser kleine Raum des Museums beherbergt ein ganz besonderes Zeugnis der Volkskultur von Belluno: die Votivtafeln aus der Kirche Sant’Andrea. Diese kleine Kirche, einst auf der Piazza Duomo zwischen Kathedrale und Baptisterium gelegen, wurde durch das Erdbeben von 1873 schwer beschädigt und im folgenden Jahr abgerissen. Auf der hier ausgestellten, aus dem 14. Jahrhundert stammenden Gedenkinschrift, die einst über dem Eingang angebracht war, können Sie das venezianisch-bellunesische Vulgärlatein des späten Mittelalters lesen, dem ein lateinischer liturgischer Formelsatz vorausgeht. Dieses bedeutende Zeugnis erinnert an die Gründung der Kirche auf Initiative von Andrea Morello und seines Sohnes Piero sowie, nach deren Tod, von dessen Ehefrau, „dona Bonaventura“, im Jahr 1350. Stellen Sie sich eine winzige Kirche vor, sechs Meter lang und vier Meter breit, geschmückt mit silbernen Votivgaben und diesen kleinen Votivgemälden: So viele wie möglich konnten dank des Engagements der Stadtverwaltung gerettet werden und gelangten schließlich ins Museo Civico di Belluno. Was versteht man eigentlich unter einem „Ex-Voto“? Es handelt sich um Gegenstände, die Gott, der Madonna oder bestimmten Heiligen als Dank für eine empfangene Gnade dargebracht werden. Die Votivtafeln, die Sie hier betrachten, stammen aus dem Zeitraum vom 15. bis zum 19. Jahrhundert: Sie haben also vor sich, an einer einzigen Wand, ein Zeugnis des Volksglaubens aus vierhundert Jahren Geschichte. Diese kleinen und zerbrechlichen Werke sind ein außergewöhnliches Zeugnis der Volksfrömmigkeit und Volkskunst der Stadt Belluno im Laufe der Jahrhunderte sowie der Gewohnheiten und des Alltagslebens der Stadt. Sie zeigen Szenen, die von der Andacht der Gläubigen über Geburten, Heilungen von Kranken bis hin zu zahlreichen glücklichen Ausgängen von Unfällen reichen: Stürze von Treppen, Einstürze von Decken, Überfälle durch Banditen, Kutschenunfälle und sogar das Wüten der Naturgewalten. Eine Fülle von Anekdoten, die Sie mit den Augen wie einen Comicstrip oder, wenn Sie möchten, wie einen unterhaltsamen Cartoon durchblättern können. Auffällig ist, wie die Künstler dieser Szenen eng an den Stil der bedeutendsten Maler Bellunos angelehnt sind: So finden sich in den frühen Tafeln häufig Bezüge zur Kunst von Matteo Cesa oder Giovanni da Mel, die manchmal in bescheidenerer Weise auch angesehene Vorbilder aus dem Umkreis der Vivarini verbreiten; in späteren Jahrhunderten lassen sich Einflüsse von Francesco Frigimelica, Antonio Gabrieli, Gaspare Diziani erkennen. Kurzum, ein Überblick über den Einfluss der Protagonisten der Kunstgeschichte von Belluno.

26. Saal 24: Ricci und das Herkules-Kabinett im Palazzo Fulcis

Der sechsundzwanzigste Besichtigungspunkt ist dem Herkules-Kabinett im Palazzo Fulcis gewidmet.

Das Herkules-Kabinett im Palazzo Fulcis, ausgestattet mit kostbaren Hochrelief-Stuckarbeiten von Bortolo Cabianca, war einst mit Gemälden von Sebastiano Ricci geschmückt. Stellen Sie sich also den Sturz des Phaeton vor, der in seiner heutigen Anordnung prominent an der Wand vor Ihnen hängt, einst von Stuckrahmen an der Decke eingefasst, während an den Wänden die beiden Gemälde mit Herkules am Scheideweg und Herkules und Omphale platziert waren. Diese Meisterwerke befinden sich derzeit vorübergehend im obersten Stockwerk des Museums, in Erwartung der Restaurierung und Wiederherstellung des ursprünglichen Kabinetts, das im Gebäude des Palazzo Fulcis noch existiert und in dem sie hoffentlich bald wieder ihren Platz finden werden. Neben den drei großen Gemälden, die Sie umgeben, umfasste der dekorative Zyklus Riccis im Kabinett weitere, kleinere Werke: zwei ovale Gemälde, heute verschollen, mit Darstellungen von Apollo und Daphne sowie Pan und Syrinx mit Putten; vier violette Monochrome, als Ölgemälde direkt auf die Wand gemalt, mit Diana und Aktäon, Apollo und Marsyas, dem Kampf zwischen Lapithen und Kentauren sowie einem Bacchanal, die glücklicherweise noch vor Ort erhalten sind. Der Zyklus wurde vermutlich anlässlich der Ernennung von Pietro Fulcis (1702) zum Ritter des Malteserordens bei Sebastiano Ricci in Auftrag gegeben – das Emblem des Ordens ist noch heute in den erhaltenen Stuckdekoren des Kabinetts zu sehen. Sie befinden sich nun zwischen den malerischen Meisterwerken dessen, was als „das schönste Kabinett des europäischen 18. Jahrhunderts“ bezeichnet wurde. In diesem Raum waren Riccis Gemälde als eine Art Bildpädagogik konzipiert, die die Sinne ansprechen und die Fantasie der Betrachter anregen sollte: Lassen Sie sich von dieser Absicht mitreißen und folgen Sie der erzählten Geschichte. Der Sturz des Phaeton, wie oft bei diesem Thema, war ein Motiv demonstrativer Demut – eine implizite Mahnung an den jungen Pietro, sich seines neuen Status nicht zu überheben, um nicht göttlicher Strafe und damit dem Sturz zu verfallen. Die Szene, mit einer wirbelnden und schwindelerregenden Untersicht gestaltet, dramatisch durch Licht- und Farbakzente, sollte den Besucher überwältigen und ihn als Akteur in das Geschehen einbeziehen – ganz im Sinne barocker Inszenierung. Die beiden anderen Gemälde sind weitere Aufforderungen an Pietro: Einerseits, mit Herkules und Omphale, der Hinweis, sich nicht von Liebesleidenschaften verführen zu lassen; andererseits, mit Herkules am Scheideweg, die Ermutigung, stets den steilen Pfad der Tugend zu wählen. In ihrer Gesamtheit stellt der Zyklus der drei Gemälde im Palazzo Fulcis ein fundamentales Kapitel dar, um den entscheidenden Wandel zu verstehen, den Sebastiano Ricci der venezianischen Malerei an der Schwelle zwischen zwei Jahrhunderten verlieh – hin zu einer offeneren, freieren Ausdrucksweise, die bereits dem Rokoko verpflichtet ist, aber den lichtdramatischen Kontrasten des 17. Jahrhunderts nicht fremd bleibt.