Museo: Museo della Calzatura di Villa Foscarini Rossi

Einleitung - Eingang (Raum 1)

Das Schuhmuseum befindet sich in der herrschaftlichen Villa des Komplexes Villa Foscarini Rossi aus dem 17. Jahrhundert am Ufer des Flusses Brenta. Der venezianische Adlige Jacopo Foscarini ließ sie als Feriendomizil errichten und beauftragte den Architekten Vincenzo Scamozzi mit dem Bau. Im Laufe der Jahre wechselte das Anwesen mehrmals den Besitzer, und jede Familie passte das Haus ihren eigenen Bedürfnissen und dem Geschmack ihrer Zeit an. Das heutige Gebäude ist das Ergebnis der letzten Umbauten aus dem 19. Jahrhundert, von denen folgende sofort ins Auge fallen: die Entfernung des Zwischengeschosses, um dem Erdgeschoss die gleiche Höhe wie dem Hauptgeschoss zu verleihen, die Entfernung der Außentreppe und der Anbau der beiden symmetrischen Terrassen. Ende der 1980er Jahre wurde es vom Schuhunternehmer Luigino Rossi gekauft. 1993 wurden die Villa und die Foresteria nach einer umfangreichen Restaurierung für die Öffentlichkeit zugänglich gemacht und in das Firmenmuseum der Schuhfabrik Rossimoda bzw. in ein Kongresszentrum umgewandelt, in dem prestigeträchtige Veranstaltungen stattfinden. Das historische Archiv des Unternehmens umfasst etwa 700 Quadratmeter auf den beiden Etagen des Hauptgebäudes und beherbergt über 1350 Modelle luxuriöser Damenschuhe, die das Unternehmen seit Anfang der 1960er Jahre in Zusammenarbeit mit rund zwanzig der renommiertesten Modehäuser der internationalen Szene hergestellt hat, darunter Christian Dior, Yves Saint Laurent, Fendi, Porsche Design und Calvin Klein.

Treppenhaus (Raum 2)

Seit 2003 gehört der Komplex Villa Foscarini Rossi zur LVMH-Gruppe. Das Anwesen befindet sich im Herzen des Schuhviertels der Riviera del Brenta, das sich entlang des alten Flussbettes der Brenta zwischen den Provinzen Padua und Venedig erstreckt und weltweit für seine Produktion von luxuriösen und Design-Damenschuhen bekannt ist. Die handwerkliche Tradition dieser Gegend hat berühmte Ursprünge, die bis zur "Scola dei Calegheri" zurückreichen, einer Bruderschaft von Schuhmachern und Schustern, die seit 1268 bezeugt ist und in der Republik Venedig die Aufgabe hatte, wohlhabende und anspruchsvolle Kunden wie die venezianischen Adligen zufriedenzustellen und unsere Handwerker dazu anzuregen, immer raffiniertere und wertvollere Objekte herzustellen, für die sie noch heute berühmt sind.

Antike und ethnische Schuhe (Raum 3)

In der Halle im Erdgeschoss können Sie auch eine Sammlung antiker und ethnischer Schuhe bewundern, die der Gründer im Laufe der Jahre während seiner unzähligen Geschäftsreisen zusammengestellt hat. Dieser Raum ermöglicht es uns, unsere Gäste auf die Idee vorzubereiten, dass Schuhe nicht nur ein Accessoire sind, sondern auch eine Sprache, mit der jeder von uns ohne Worte etwas über sich selbst, sein Arbeitsumfeld, die Gesellschaft, in der wir leben, und die soziale Klasse, der wir angehören oder angehören möchten, erzählen kann. Diese Funktion wird von Schuhen seit jeher (zu allen Zeiten) und überall (an jedem Ort) erfüllt, wie die Objekte, die uns in diesem Raum umgeben, umfassend bezeugen. Ein Beispiel sind die Mokassins der amerikanischen Ureinwohner, die uns anhand der Muster und Farben der Perlen, mit denen sie verziert sind, sowohl den Stamm der Zugehörigkeit als auch die soziale Klasse oder die Rolle, die innerhalb des Stammes eingenommen wird, verraten.

Raum 4 (Marc by MJ, Vera Wang, Calvin Klein)

Die nächsten Räume beherbergen die Produktion der Schuhfabrik. Das für die Ausstellung verwendete Kriterium beleuchtet den Beitrag jedes einzelnen Designers zur Entwicklung der Mode in einem bestimmten Zeitraum, der der Dauer der Zusammenarbeit entspricht, und zeigt gleichzeitig die Fähigkeit der Handwerker des Bezirks, auf die Bedürfnisse der anspruchsvollsten Designer einzugehen. Ein weiterer hervorgehobener Aspekt ist die geografische Herkunft der Marke: Amerikanische, englische und deutsche Modehäuser werden im Erdgeschoss ausgestellt, während französische, italienische und spanische im ersten Stock zu finden sind. Dies liegt daran, dass Schuhe ein Accessoire sind, das ästhetische und funktionale Bedürfnisse in Einklang bringen muss, und selbst der rebellischste Künstler wird von seinem Herkunftsgebiet beeinflusst; der praktische Sinn der Nordländer, der das Erdgeschoss prägt, ist im ersten Stock bei den Mediterranern weniger ausgeprägt, die stattdessen eher dazu neigen, den ästhetischen Aspekten mehr Aufmerksamkeit zu schenken. Diese letzte Überlegung unterstreicht auch die Wahl des Behälters: die historische Residenz. Die Früchte dieses Landes sind die Zivilisation der venezianischen Villen und des Schuhviertels, und sicherlich haben der Sinn für Proportionen, Harmonie und eine bestimmte Art von Geschmack, die unsere historischen Gebäude auszeichnen, unsere Art zu produzieren beeinflusst und sie von allen Schuhvierteln auf der ganzen Welt durch Eleganz und Ausgewogenheit abgehoben. In diesem Raum können Sie die beliebten "Mäuse" von Marc by MJ bewundern, die seit 2003 für mehrere Saisons mit immer neuen Materialien hergestellt werden; die zeremoniellen Modelle, mit denen Vera Wang die High Society in den Vereinigten Staaten (und darüber hinaus) an ihrem Hochzeitstag einkleidet; und die Calvin Klein-Schuhe, die in den 1990er Jahren hergestellt wurden, einer Zeit großer Bekanntheit für den Designer, der sich als einer der Pioniere des Minimalismus auszeichnete, wie die "essentiellen und strengen" Stücke in den Vitrinen bezeugen.

Raum 5 (Gotischer Raum)

Dieses kleine Juwel der "romantischen" Dekoration wurde wahrscheinlich von den Dekorateuren der Jappelli-Schule gegen Ende der 1830er Jahre ausgeführt. Die Wiederaufnahme des neugotischen Stils, der das Innere einer Kathedrale simuliert, gemischt mit klassischen Reminiszenzen, mit den Nischen, in denen einige der sieben Weisen, die von Platon und Plutarch erwähnt werden, untergebracht sind, lassen vermuten, dass die Funktion dieses Raumes einem Studierzimmer oder einer Bibliothek gewidmet war.

Raum 6 (Anne Klein, Andrea Pfister, Richard Tyler, Donna Karan)

Der Raum von Anne Klein, einer amerikanischen Designerin, die ihre Glanzzeit in den 70er und 80er Jahren hatte, beherbergt alle Kreativen, die im Laufe der Zeit für sie gearbeitet haben und ihren Staffelstab übernommen haben: die Fixierung, das richtige Gleichgewicht zwischen Komfort und Design zu finden. Vielleicht war Donna Karan die "Schülerin", die diese Aufgabe am besten erfüllt hat: Als gute New Yorkerin, dynamisch und unabhängig, konnte sie Kleidungsstücke und Accessoires entwerfen, die gut zur heutigen Frau passen, die ihre Autonomie verteidigt, aber nicht auf die Betonung ihrer Weiblichkeit verzichten will. Hier finden wir bei den Schuhen viele "Keilabsätze", die es ermöglichen, die Auflagefläche zu vergrößern, wodurch es einfacher wird, das Gleichgewicht zu halten, und manchmal sogar die üblichen Oberteile (den oberen Teil des Schuhs) durch elastisches Gewebe ersetzen, um auch eine bequemere Passform zu versprechen. Das beste Beispiel ist sicherlich die schwarze Wildledersandale, die Sharon Stone in der Fortsetzung des Films "Basic Instinct" trug.

Raum 7 (Ägyptischer Raum)

Der ägyptische Raum, ein Zwilling des gotischen Raums, greift ein weiteres Thema auf, das am Ende der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts beliebt war: die Ägyptomanie. Wahrscheinlich beeinflusst von Napoleons Feldzug in Ägypten und für uns Venezianer vom Stolz darauf, in der nahe gelegenen Stadt Padua den Entdecker Gianbattista Belzoni geboren zu haben, der mit seinem abenteuerlichen Leben und seinen erstaunlichen Entdeckungen den Drehbuchautor George Lucas zur Figur des Indiana Jones für seine erfolgreiche Filmreihe inspirierte. Dieser Raum beherbergt die "Capsule Collection" des englischen Designers Nicholas Kirkwood aus dem Jahr 2015. Mit der Absicht, die 80er Jahre zu feiern, wie er sie als Kind in Erinnerung hatte, entwirft er Modelle, die sich auf die Filme und Spiele beziehen, die seine Kindheit bevölkerten. Hier sind also die "Neon City"-Atmosphären von Blade Runner, der Roboter aus Star Wars oder der unvergessliche Millennium Falcon. Und wer hat noch nie Pac-Man gespielt? Die Hot Wheels-Autos von Mattel sind gut vertreten durch eine flammend rote Metallic-Karosserie, aber eine andere Obsession bleibt der legendäre DeLorean aus "Zurück in die Zukunft", um mit dem wahren Protagonisten des Jahrhunderts zu enden, dem, der alles verändert hat: dem Motherboard des ersten Macintosh.

Raum 8 (Labor)

Im Laborraum wird erzählt, wie Schuhe GESTERN hergestellt wurden; mit der Welt des Schusters und allem, was notwendig und ausreichend war, um ein Paar Schuhe herzustellen, und wie sie HEUTE hergestellt werden, dank des Tisches des Modellbauers mit all seinen Accessoires und den Bildern der Makroschritte, die die komplexe Produktion von heute charakterisieren. Das zweite Bild ist vielleicht das eindrucksvollste: die verschwommenen Figuren des Designers und des Modellbauers (das Modehaus und die Manufaktur), die trotz oft gegensätzlicher Interessen durch kontinuierlichen und ständigen Dialog das gemeinsame Ziel verfolgen müssen, das Kunstwerk des Künstlers (die Skizze) in ein PRODUKT zu verwandeln: das heißt, etwas, das getragen, industriell reproduziert und nicht zuletzt für den Markt attraktiv ist.

Raum 10 (Kleine Kirche)

Dieser Raum, der der "Madonna delle Grazie" gewidmet ist, ersetzt die alte Kirche, die sich bis zur zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts im Park befand. Als der Palast zu Beginn des 19. Jahrhunderts unter dem neuen Westflügel renoviert wurde, beschloss man, das heutige Oratorium mit einer Tür nach außen zu platzieren, mit der Absicht, die lokale Gemeinschaft am religiösen Leben der Familie teilhaben zu lassen, wie es die neuen Prinzipien der Gleichheit und Brüderlichkeit, die durch die napoleonischen Feldzüge verbreitet wurden, befürworteten. Zur ursprünglichen Ausstattung gehören: ein hölzernes Kruzifix an der Wand, venezianisches Kunsthandwerk, über der Innentür, die Gemälde der 14 Stationen des Kreuzwegs, die geprägte Messingöllampe aus dem Jahr 1857 und das Altarbild der venezianischen Schule des 19. Jahrhunderts, das eine Madonna mit Kind darstellt. Aus jüngerer Zeit stammen hingegen: die Prozessionsstatue aus weißem Holz von San Luigi Gonzaga, der Schrein mit den Reliquien von San Crispino, dem Märtyrerheiligen, der mit seinem Bruder San Crispiniano Schuhmacher war, bereits Schutzpatron der Cordonniers in Frankreich, dann zum Schutzpatron der Schuhmacher der Riviera del Brenta gewählt. Besondere Aufmerksamkeit verdient das abgetrennte Fresko eines venezianischen Malers aus dem Jahr 1565, das eine Madonna mit Kind darstellt, umgeben rechts von San Rocco (Beschützer der Leprakranken und allgemeiner gegen Seuchen) und links von San Francesco (erkennbar an der Mönchskutte, der Wunde an der Seite, dem Kruzifix in der einen Hand und in der anderen dem geschlossenen Buch der Franziskanerregel). Das Jesuskind ist stehend dargestellt, nackt mit einer Korallenkette um den Hals. Dies ist ein Brauch, der in Gemälden des 16. Jahrhunderts zu finden ist und aus der Volkstradition stammt, wonach solche Halsketten oder Armbänder neben ihrem Zierwert als echte Amulette galten, denen die magische Kraft zugeschrieben wurde, den bösen Blick abzuwehren und vor Krankheiten zu schützen.

Raum 11 (Porsche Design)

Luigino Rossi lernte Ferdinand Alexander Porsche während der YSL-Modenschauen kennen, und dank ihrer gemeinsamen Leidenschaft für Sportwagen beschlossen die beiden, zu versuchen, etwas gemeinsam zu machen. In diesem Raum können wir alle Elemente sehen, die den kreativen Prozess charakterisieren: zu unserer Linken der KÜNSTLER: das Bild von Ferdinand Alexander Porsche; vor dem KUNSTWERK: 5 der Skizzen, die das Porsche-Studio an unsere Manufaktur geschickt hat; auf der gegenüberliegenden Seite, aber vor allem unter den Fenstern, die INSPIRATIONSQUELLE: die vom Automobilhersteller produzierten Autos; Aber hier kommt die Riviera del Brenta ins Spiel, mit ihren Fähigkeiten: auf der rechten Seite sehen wir das PROJEKT des Modellbauers, den Versuch unserer Techniker, der ursprünglichen Idee Dreidimensionalität zu verleihen. Und schließlich das PRODUKT: In den beiden Säulen sehen wir jeweils das Modell „Formula 1“ und „Gran Turismo“, die seit 1978 immer gleich produziert werden und nur die Materialien wechseln. Dies sind die ersten „Car-Shoes“ in der Geschichte der Mode: ein bequemes und praktisches Accessoire für das Fahren des Sportwagens schlechthin. Sein Profil folgt der Silhouette des Porsche 911, und die auf dem Schuh montierte Sohle folgt dem Profilmuster des Pirelli P6-Reifens, wiederum dem, der auf dem Porsche 911 montiert ist. Wir möchten darauf hinweisen, dass einige Modelle eindeutig in Damengrößen erhältlich sind, so dass dieses Modell zum Fahren eines Sportwagens, bis dahin eine Domäne der Männerwelt, dem weiblichen Geschlecht eine neue Welt und neue Gewohnheiten eröffnet. Dies erinnert uns daran, dass Mode nicht nur die Aufgabe hat, die Gesellschaft in einem bestimmten historischen Moment zu fotografieren, sondern auch die Verantwortung übernehmen kann, neue Verhaltensweisen vorzuschlagen, die ethischer und integrativer sind.

ERSTER STOCK - Raum 12 (Christian Dior und Christian Lacroix)

Im ersten Stock befinden sich die Kooperationen mit mediterranen Designern, und man spürt sofort eine andere Atmosphäre, die sich stärker auf künstlerische Werte konzentriert, was besonders in den Kreationen von Christian Dior deutlich wird. Es handelt sich um die wertvollsten Stücke des Museums, hauptsächlich Prototypen, von denen es keine weiteren Exemplare auf der Welt gibt, die vom Modehaus von den 1950er bis zu den 1970er Jahren hergestellt wurden. Christian Dior war einer der ersten Modeschöpfer, der Schuhe speziell für seine Kleidung entwarf und für seine Besessenheit vom "Total Look" bekannt war. Er wollte, dass seine Kundinnen sein Atelier von Kopf bis Fuß in "Christian Dior" gekleidet verließen. Um dies zu erreichen, musste er jedoch die richtigen Mitarbeiter finden. So stimmte er ab 1953 zu, sich von dem Schuhdesigner Roger Vivier unterstützen zu lassen. Es war eine glückliche Intuition: Die Zusammenarbeit dauerte bis 1963 (und überdauerte sogar Diors Tod im Jahr 1957) und war ein großer Erfolg. Nach den ersten zwei Jahren, in denen nur maßgefertigte Produkte hergestellt wurden, begann man dank des Herstellers Charles Jourdan aus dem renommierten französischen Schuhdistrikt Romans, in Lizenz zu produzieren. Bei einer dieser Gelegenheiten, Anfang der 1960er Jahre, traf Luigino Rossi, der ein Mitglied der Familie Jourdan kannte, auf sie, um die Nachfrage eines unerwartet aufnahmefähigen Marktes zu befriedigen. Durch diese Erfahrung entdeckte der junge Unternehmer, der sich bis dahin nur an einen lokalen Markt gewandt hatte, dass er in der Lage war, eine exklusive und anspruchsvolle Nische zu bedienen, 30% mehr pro verkauftem Paar zu verdienen und dass sich die Produkte dank der Bekanntheit der Marke und der gut organisierten Vertriebskanäle "von selbst verkauften". Angesichts dieser Überlegungen beschloss er 1963, sich an den jungen Designer Yves Saint Laurent zu wenden, der gerade sein eigenes Modehaus eröffnet hatte, nachdem er mehrere Jahre mit Dior zusammengearbeitet hatte. Es begann eine 38-jährige Zusammenarbeit: Yves wurde zum Designer mit einem großen "D", und Rossimoda wurde einerseits von seinem Erfolg angetrieben und trug andererseits dazu bei. Von diesem Zeitpunkt an wandten sich viele Modehäuser an die Manufaktur und baten sie, Schuhe herzustellen, insbesondere dank ihrer anerkannten Expertise in der Herstellung von Stiefelstulpen, die der junge Designer dazu beitrug, sehr modisch zu machen...

Raum 13 (Yves Saint Laurent 1970er Jahre)

Die nächsten Räume sind Yves Saint Laurent gewidmet. Da er 38 Jahre lang mit der Manufaktur zusammengearbeitet hat, war es möglich, einen chronologischen Rundgang zu gestalten und ihm drei Säle zu widmen: einen für die 60er und 70er Jahre, einen für die 80er Jahre und einen für die 90er Jahre. Wir sind stolz darauf, mit ihm gearbeitet zu haben, denn er ist ein Designer, der mit seiner Kleidung die Gesellschaft revolutionieren konnte: Er nahm Elemente der männlichen Garderobe, wie den Smoking, die Safarijacke, den Trenchcoat, den Caban und den Stiefel (bis dahin ein Vorrecht der Männer und der "leichten" Frauen) und gab sie den Frauen, in einem historischen Moment des Kampfes für die Emanzipation der Frau; er gab ihnen den Mut, etwas zu wagen... In diesem ersten Raum befinden sich Stücke, die entscheidende Momente in der Geschichte der Mode begleiteten, vom Stiefel, der zur Safarijacke getragen wurde, bis hin zu denen der Modenschauen von 1976, die von den Ballets Russes inspiriert waren, oder der grüne Sandale von der "skandalösen Modenschau" von 1971. An den Wänden können Sie die Grußkarten bewundern, die der Designer jedes Jahr in limitierter Auflage für Freunde, wichtige Kunden, aber auch für alle seine Mitarbeiter kreierte; seiner Meinung nach war die schönste Botschaft, die man jedem wünschen konnte, zu lieben und geliebt zu werden. So schlug er seine "Liebe" jedes Jahr erneut vor, immer gleich, aber immer anders...

Raum 14 (Yves Saint Laurent 1980er Jahre)

Die 1980er Jahre sind ein Jahrzehnt, an das wir uns wegen des großen Optimismus, des Vertrauens in eine bessere Welt und der Vorliebe für opulenten Geschmack erinnern. So sind die Modelle auffällig, stark dekoriert, Stücke mit starken Persönlichkeiten. Sinnbildlich dafür ist das goldene Décolleté aus Viperleder, dessen kostbare Oberfläche mit goldener Sprühfarbe überzogen wurde, nur um es noch auffälliger zu machen. Amüsant sind auch die "gepunkteten Wedges", die auf einem künstlichen Rasen ruhen und uns daran erinnern, wie der fürsorgliche Yves nie vergessen hat, ähnliche Absätze jede Saison zu haben, damit seine "Freundinnen-Kundinnen" nicht darauf verzichten müssen, "auf der Höhe zu sein", wenn sie Picknicks oder Gartenpartys veranstalten.

Raum 15 (Yves Saint Laurent 1990er Jahre)

Die 1990er Jahre sind eine schwierige Zeit für den Designer: Verbunden mit seinen jungen Jahren, wird er nostalgisch und tut sich schwer, die Gegenwart zu interpretieren. In der Ausstellung dieses Raumes fallen viele "Remakes" vergangener Erfolge auf, als ob Yves erneut diese verlorene Popularität suchen würde...wir sehen die legendären Musketierstiefel aus Krokodilleder (für dieses wertvolle Paar wurden zwei benötigt), die Roger Vivier 1963 für YSL kreierte, die Sandalen aus der skandalösen Kollektion von 1971, aber vor allem den Pilgrim, den beliebtesten von allen: den Schuh, den Roger Vivier wieder einmal für seinen Freund Yves entwarf und den dieser der jungen Catherine Deneuve im Film "Belle de Jour" von Regisseur Louis Buñuel tragen ließ. Im Film spielt die Schauspielerin ein bürgerliches Mädchen, das ein Doppelleben führt: Tagsüber, wenn ihr Mann das Haus verlässt, um zur Arbeit zu gehen, geht sie in ein Bordell und trifft junge Fremde. Die Schuhe im Film spielen eine Hauptrolle in der "Schlüsselszene", in der Severine, die Protagonistin, beschließt, ihr Leben zu ändern. Von diesem Moment an werden die Geschäfte, die sie verkaufen, lange Schlangen von jungen Leuten aus "guten Familien" haben, die gegen eine konventionelle und restriktive Erziehung rebellieren wollen.

Raum 16 (Givenchy)

Die Räume in diesem Flügel des Museums erzählen von den jüngsten Kooperationen zwischen dem Unternehmen und den Modehäusern. Die vielleicht interessanteste Überlegung, auf die man sich in diesen Räumen konzentrieren sollte, ist der Versuch, die Bemühungen der jungen Kreativen zu erfassen, die für diese Marken arbeiten, die zwar sehr prestigeträchtig, aber ebenso schwerfällig sind, für die sie die mühsame Aufgabe haben, Produkte zu schaffen, die in erster Linie originell sind, zweitens den Zeitgeist einfangen (die als "modisch" gelten können), vor allem aber "erkennbar" sind, d. h. die "Codes" der Marke repräsentieren, jene DNA, die die Kollektionen konsistent hält und die Kundenbindung stärkt. Natürlich interpretiert jeder von ihnen diese Codes anders. So kann man zum Beispiel im Raum, der Givenchy gewidmet ist, links die Schuhe bewundern, die in den 70er und 80er Jahren produziert wurden, als der Kreativdirektor des Hauses noch Monsieur Hubert war und die Muse Audrey Hepburn, während rechts die Stücke stehen, die ab dem Jahr 2000 produziert wurden, wo die neuen Kreativdirektoren den Stil des Erfinders des kleinen Schwarzen unterschiedlich interpretiert haben: Alexander McQueen in Säule 129, Julien Macdonald in 130 und Riccardo Tisci in den Säulen 124, 125, 126 und 127.

Raum 17 (Fendi und Genny)

Rossimoda arbeitete ein Jahrzehnt lang mit den fünf Fendi-Schwestern zusammen, etwa in den 1990er Jahren, als ihr Kreativdirektor der talentierte Karl Lagerfeld war, dem es gelang, selbst die banalsten Loafer luxuriös und originell zu gestalten, obwohl unsere Aufmerksamkeit sicherlich von den Sandalen mit dem hängenden Absatz in der Mitte dieses Raumes gefesselt wird: Vom Designer für den Sommer 2000 entworfen und in einer Skizze skizziert, die in der Mitte der Wand zwischen den beiden Fenstern zu sehen ist, wurde sie von unserer Modellierabteilung mit großem Einfallsreichtum geschaffen, um die richtigen Proportionen des Hebels zu finden, der den Absatz ersetzen sollte, und vor allem, um das Material zu finden, aus dem er hergestellt werden sollte, da er ausreichend stabil sein musste, um das Gewicht des Körpers und seine Belastungen in der Bewegung zu tragen, aber gleichzeitig flexibel genug sein musste, um den weiblichen Gang mit Weichheit zu begleiten: Nur gehärteter Stahl erwies sich als geeignet, um diese Anforderungen zu erfüllen. Das wertvollste Modell wurde dann von Hand auf dem Obermaterial und der Innensohle mit einer Orchidee bemalt, der Lieblingsblume des Designers.

Raum 18 (Celine)

Celine ist die Marke, mit der die Manufaktur derzeit zusammen mit Givenchy zusammenarbeitet, und diejenige, mit der sie den größten Teil ihres Umsatzes erzielt, so sehr, dass die Luxusfinanzgruppe LVMH, die Rossimoda 2003 erworben hat, vor einigen Jahren beschlossen hat, sie mit dem Modehaus zu fusionieren und sie offiziell "Celine Industrial Platform" zu nennen. In diesem Raum befinden sich Schuhe, die für verschiedene Kreativdirektoren entworfen wurden, von Ivana Omazic über Phoebe Philo bis hin zu den Kreationen von Hedi Slimane. Es handelt sich um Modelle mit eleganten und dennoch klaren Linien, mit mutigen Innovationen, die sie sehr zeitgemäß, wenn nicht sogar futuristisch wirken lassen, ohne dabei den Blick auf die Tradition zu vergessen, der uns daran erinnert, wie diese Marke 1945 dank Celine Vipiana, unterstützt von ihrem Mann, als Geschäft für elegante Kinderschuhe in Paris entstand. Besonders auffällig sind die Kitaro-Sandale aus dem Jahr 2009 und der surrealistische "Décolleté-Fuß" aus dem Jahr 2013.

Raum 19 (Emilio Pucci und Loewe)

Enrique Loewe war ein Lederhandwerker deutscher Herkunft, der 1846 mit einer Gruppe spanischer Kunsthandwerker in Madrid sein Geschäft eröffnete und aufgrund der Qualität seiner Produkte große Bekanntheit erlangte, sodass er bald zum Lieferanten des spanischen Königshauses wurde. Bei der Sandale in der mittleren Säule auf der rechten Seite ist zu sehen, wie zur Verzierung des Obermaterials die goldenen Spitzen wiederverwendet wurden, die die empfindlichsten Stellen der starren Truhen schützten, die charakteristisch für dieses Modehaus sind und es weltberühmt gemacht haben. Die Kreationen von Emilio Pucci hingegen zeichnen sich durch ihre kaleidoskopischen Muster und ihren opulenten Geschmack aus. Die "Palio-Sandale" aus der Kollektion von 2003 ist vielleicht eines der besten Beispiele für die Verbindung von Moderne und Tradition. Die Inspiration dafür fand sie in den Mustern der Fahnen der Stadtteile des Palio di Siena und in den Farben der Insel Capri, dem geliebten "Refugium" des Gründers des Modehauses. Aber man kann diesen Raum nicht verlassen, ohne bei der mit Flussperlen, Swarovski-Kristallen und Federn verzierten Sandale zu verweilen: Erkennen Sie das auf der Reinigungseinlegesohle gedruckte Muster? Es ist eine Hommage an die Fresken der Sixtinischen Kapelle, die Michelangelo 1512 in Rom gemalt hat.

Die Museumstour

Die Museumstour ist zu Ende. Wir hoffen, dass unsere Gäste verstanden haben, wie viel diese wertvollen Accessoires, die von berühmten Kreativen entworfen wurden, benötigen, um das Licht der Welt zu erblicken, nämlich eine Vielzahl komplexer Schritte und eine Menge von Menschen mit anspruchsvollem Wissen und Können, die die Modewelt auch heute noch in der Tradition des Gebiets der Riviera del Brenta findet.

DAS GÄSTEHAUS - Einführung (unter dem Portikus)

In der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts erlangte die Familie Foscarini ein solches Ansehen, dass sie den Saal im ersten Stock der Hauptvilla als ungeeignet für den Empfang ihrer Gäste erachtete. Daher beschlossen sie, einen Geräteschuppen aus dem 16. Jahrhundert in ein "Gästehaus" umzuwandeln, einen Ort, um "Fremde", ihre Gäste, zu empfangen. Wahrscheinlich wurde der venezianische Architekt Francesco Contin mit den Arbeiten beauftragt, der bereits für die Foscarinis in Venedig, in der Kirche Sant'Angelo Raffaele, gearbeitet hatte. Der große zentrale Baukörper, der als Ball- und Empfangssaal diente, wurde von zwei symmetrischen Seitenflügeln mit vielen Räumen umgeben, die für die Aufnahme von Gästen geeignet waren, und von einem Durchgangsportikus mit weiten Bögen und einer "Sansovino-Decke" précédé. Es war Alvise Foscarini, Jacopos Neffe, der 1652 beschloss, den Ballsaal dekorieren zu lassen, um an die Hochzeit zwischen seinem Sohn Giovanni Battista und der venezianischen Adligen Chiara Soranzo zu erinnern. Zu diesem Zweck holte er die besten Maler der damaligen Zeit: Domenico de' Bruni für die Perspektive und Pietro Liberi für die Allegorien.

Perspektive

Domenico de' Bruni (1591-1666) war ein Maler aus Brescia, einer Stadt, die für ihre auf Perspektive spezialisierten Künstler berühmt ist. Die Atmosphäre der Komposition erinnert stark an das Werk von Veronese, dank der hellen Farben, der Feierlichkeit der Dekoration und der Erfindung der "en plein air"-Malerei, die sowohl an der Decke als auch an den Wänden vorhanden ist. Die Hommage an den Künstler des 16. Jahrhunderts ist wahrscheinlich auch auf die Verbindung zwischen der Familie Foscarini und der Familie Barbaro zurückzuführen (eine Tochter von Jacopo hatte den Sohn von Marc' Antonio Barbaro geheiratet, dem Mäzen von Palladio und Veronese in der Villa Barbaro in Maser). Aber der Maler passt sich dem Geschmack des Barock an, indem er den umgebenden Raum mit dem Eindruck von Dreidimensionalität erweitert, der durch die optische Illusion von Volumen und Leerräumen und die drei Säulenordnungen mit der Kassettendecke in Perspektive erzielt wird. Um den Eindruck von Tiefe noch zu verstärken, hat der Künstler die Balustrade, die normalerweise die reale Welt von der virtuellen Welt trennte, entfernt und durch eine Treppe ersetzt, die den Besucher einlädt, seine Welt der Phantasie zu betreten. Er durchbricht auch die Decke mit einem zweiten virtuellen Stockwerk, einer falschen Balustrade und falschen Türen, die zu falschen Räumen führen.

Allegorien

Die Allegorien innerhalb der Quadraturfelder werden jedoch Pietro Liberi (1605-1687) zugeschrieben, einem venezianischen Maler, Schüler von Padovanino, der viel studiert und gereist war. Sein Erfolg zu seiner Zeit war vor allem seiner Vorliebe für profane Kunst und nicht für sakrale Kunst zu verdanken, in der profanen Kunst für Akte, insbesondere weibliche, und dafür, dass er diesen Bildern viel Anmut und Sinnlichkeit verliehen hat, bis zu dem Punkt, dass er von seinen Zeitgenossen als libertiner Maler galt; man erkennt ihn an seinen veronesischen Atmosphären, seiner Palette heller Farben, seinen Frauen mit üppigen Körpern, kleinen Gesichtern, dünnen Lippen und mandelförmigen Augen. Aber er ist ein Mann seiner Zeit, denn er ist in der Lage, all diesen Einflüssen eine neue Dynamik zu verleihen, die den Geist des Barock gut repräsentiert. Ein Beispiel dafür sind seine Figuren im Vordergrund, die diagonal gemalt sind, um die Idee der Bewegung zu verstärken. Der Mäzen Foscarini bat ihn, an den Wänden die Mission der Adelsfamilie darzustellen, die sowohl in Friedens- als auch in Kriegszeiten ein Beispiel für Tugend sein muss.

Allegorie des Krieges

IN KRIEGSZEITEN hat der Gentleman die Aufgabe, Konflikte zu lösen, nicht mit Waffengewalt, wie im Hintergrund zu sehen, sondern mit Diplomatie (dies könnte eine Hommage an den Stammvater Jacopo sein, der nach der Schlacht von Lepanto zwischen Christen und Türken die Rolle des Friedensstifters im Mittelmeerraum innehatte), indem er sich mit LEHRE (erkennbar am Zepter mit der Sonne, dem Wissen, das die Dunkelheit der Unwissenheit erleuchtet), mit BEREDSAMKEIT (mit einer Uhr in der Hand, um daran zu erinnern, dass Worte überzeugender sind, wenn sie gemessen sind) umgibt, aber er ist gezwungen, die WAHRHEIT (erkennbar daran, dass sie immer nackt ist, nur mit einem weißen Schal um die Hüften, um an ihre Unschuld zu erinnern) zu opfern, die nur ihren Rücken zeigt, im Namen der wiederhergestellten Harmonie.

Allegorie des Friedens

Im Gegensatz dazu ist es in FRIEDENSZEITEN die Mission der Adelsfamilie, die Künste und Wissenschaften wieder aufblühen zu lassen. Hier sehen wir die PRAXIS dargestellt (gekleidet als Dienstmädchen und immer eine Stufe unter der Theorie, weil sie ihr immer untergeordnet ist, mit dem Gesicht einer alten Frau, weil die Praxis mit der Erfahrung besser wird), die THEORIE (im Gegensatz dazu gekleidet wie eine Adlige, immer eine Stufe über der Praxis, jung, weil die Theorie, wenn sie korrekt ist, niemals altert). Beide Figuren haben einen Zirkel auf dem Kopf: die erste mit den Spitzen nach unten, die zweite nach oben; nach den Alten waren sie das Gegenteil voneinander, sie hatten nur einen Punkt gemeinsam, den Drehpunkt, d. h. das Ziel: durch die Künste und Wissenschaften auf die Suche nach der WAHRHEIT zu gehen. Hier ist die Frau, die in Kriegszeiten teilweise verborgen bleiben musste, jetzt kann sie in all ihrer Pracht gesehen werden. Im Hintergrund sehen wir eine Akademie, die teilweise an Raffaels Schule von Athen erinnert, aber nur von Frauen dargestellt wird (Männer sind nur die Lehrer), vielleicht ein Hinweis auf eine weibliche Figur in der Familie, die sich dem Studium widmete. Auf der Terrasse des zweiten Stocks befinden sich jedoch die Freien Künste, die über die Akademie wachen: das TRIVIUM für literarische Lehren (GRAMMATIK mit dem Wasserkrug, DIALEKTIK mit dem Caduceus und RHETORIK mit dem Spiegel) und das QUADRIVIUM für wissenschaftliche Lehren (ASTRONOMIE mit dem Erdglobus, MUSIK mit der Flöte, GEOMETRIE mit dem Archipendulum und ARITHMETIK mit der pythagoreischen Tabelle). Über den Eingangstüren sind die Wappen der Foscarini und der anderen Adelsfamilien gemalt, mit denen die Familie verwandt war: Da Mula, Morosini und Soranzo.

Triumph der Tugenden der Familie

Die Decke ist mit DEM TRIUMPH DER TUGENDEN der Familie Foscarini freskiert: GASTFREUNDSCHAFT mit dem Füllhorn, das nach unten gekehrt ist, und einem Putto, der ihm hilft, seinen Reichtum zu verbreiten; RUHM mit Flügeln und einer Trompete, um den Ruhm der Tugenden der Familie so weit wie möglich zu verbreiten; DER GLANZ DES NAMENS mit der Keule der Tugenden des Herkules und einer brennenden Fackel, um sie zu erleuchten; RUHM und EHRE mit drei Kronen, zwei aus Lorbeer (Dichter und Helden) und eine aus Gold (Prinzen); die EWIGKEIT, sitzend auf dem Erdglobus, mit Sonne und Mond in den Händen, als Erinnerung an den ewigen Wechsel von Tag und Nacht, und ein runder Vorhang im Hintergrund, der an die Kreisförmigkeit des Lebens erinnert.

Schlussfolgerung

Die Villa beherbergte vor allem gegen Ende des 18. Jahrhunderts, zur Zeit des Dogen Marco, viele illustre Gäste, darunter den Schriftsteller Gaspare Gozzi. Im 19. Jahrhundert wurde die Villa umgebaut, um sie dem neoklassischen Geschmack anzupassen, und auch die Gärten sind vom "falschen Wildnis"-Stil inspiriert, der vom venezianischen Architekten Jappelli entworfen wurde. Am Ende des Zweiten Weltkriegs wurde dieses Gebäude bombardiert und verlor seinen Ostflügel, der später wieder aufgebaut wurde. Heute erstrahlen die Villa und die Foresteria in ihrer alten Schönheit dank wichtiger Restaurierungsarbeiten, die es ermöglichen, sie mit dem gleichen ursprünglichen Geist wiederzubeleben: So erklingt die Foresteria mit Musik während der Konzerte, die regelmäßig organisiert werden, und mit den Stimmen der Gäste bei Konferenzen und Empfängen.