Museo: Duomo di Firenze - Basilica Santa Maria del Fiore

Willkommen im Dom von Florenz

Die Basilika Santa Maria del Fiore, die Kathedrale von Florenz, ist eines der herausragendsten mittelalterlichen Architekturmeisterwerke Europas. Sie besticht durch ihre kühnen Strukturen und die Pracht ihrer Verzierungen. Ein so außergewöhnlicher Schatz, dass er 1982 von der UNESCO als Weltkulturerbe anerkannt wurde. Die Metropolitankathedrale Santa Maria del Fiore, allgemein bekannt als Dom von Florenz, ist die Hauptkirche von Florenz und ein Symbol der Stadt. Sie erhebt sich auf den Fundamenten der alten Kirche Santa Reparata an einem Ort der Stadt, der seit der Römerzeit Kultstätten beherbergte. Der Bau, der von der florentinischen Signoria in Auftrag gegeben wurde, begann 1296 und wurde strukturell 1436 abgeschlossen. Der Dom ist eines der größten Meisterwerke der gotischen Kunst und der frühen italienischen Renaissance. Mit einer Länge von 160 Metern, einer Breite von 43 Metern und einer Querschiffbreite von 90 Metern zählt er zu den größten Kirchen der Christenheit. Die innere Höhe der Kuppel erreicht 100 Meter. Die Basilika stellt ein Symbol für den Reichtum und die Macht der toskanischen Hauptstadt im 13. und 14. Jahrhundert dar und ihr Name leitet sich von der Lilie ab, dem Symbol von Florenz und dem alten Namen der Stadt, die "Fiorenza" genannt wurde. Lassen Sie uns gemeinsam dieses außergewöhnliche Monument entdecken, das von Jahrhunderten der Geschichte, Kunst und Glauben erzählt.

Brunelleschis Kuppel und das Jüngste Gericht

Wir stehen vor einem der größten architektonischen Meisterwerke der Renaissance: der Kuppel des Doms von Florenz, entworfen von Filippo Brunelleschi und erbaut zwischen 1420 und 1436. Mit einem Durchmesser von 45 Metern ist sie nach wie vor die größte je errichtete Backsteinkuppel und markiert einen epochalen Wendepunkt in der Architekturgeschichte. Brunelleschi stellte sich einer damals als unmöglich geltenden Herausforderung: den riesigen Raum des zentralen Oktogons ohne hölzerne Gerüste, die in der Gewölbekonstruktion unerlässlich sind, zu überdecken. So erfand er eine revolutionäre Lösung: eine doppelte, selbsttragende Kuppel, bei der die innere Struktur tragend ist und die äußere eine schützende und dekorative Funktion hat. Das Bauverfahren sah Ziegel in „Fischgrätmuster“, Stein- und Eisenketten zur Eindämmung der seitlichen Kräfte sowie eine erstaunlich moderne Arbeitsorganisation vor. Beim Aufstieg zur Kuppel passiert man die beiden inneren Umgangswege, von denen aus man die acht Oculi des Trommels, die mit prächtigen Glasmalereien von Meistern wie Donatello, Ghiberti, Andrea del Castagno und Paolo Uccello dekoriert sind, aus der Nähe betrachten kann. Der spektakulärste Moment ist jedoch die Begegnung mit dem riesigen Fresko des Jüngsten Gerichts, das das Innere der Kuppel auf einer Fläche von über 3.600 m² bedeckt und die größte je realisierte Freskodekoration darstellt. Vielleicht hatte Brunelleschi bereits ein Mosaik für seine Kuppel im Sinn, aber erst 1572 beauftragte Cosimo I. de’ Medici den inzwischen betagten Giorgio Vasari mit der Bemalung ihres Inneren. Vasari fertigte die Vorzeichnungen im Kloster Santa Maria Novella an und begann mit dem Malen der oberen Register in etwa 90 Metern Höhe. Er starb jedoch zwei Jahre später, bald darauf gefolgt von Cosimo. Der Thronfolger, Francesco I. de’ Medici, übertrug die Vollendung des Werks an Federico Zuccari. Zuccari änderte die ursprüngliche Anordnung: Während Vasari sich an Michelangelo orientierte, wählte er einen Stil, der näher an Raffael war, weniger detailliert, aber dramatischer und aus der Ferne lesbarer, wobei er auf malerische Feinheiten zugunsten eines kräftigen visuellen Eindrucks verzichtete. Der Zyklus zeigt über 700 Figuren, darunter Christus in der Glorie, Engel, Heilige, Verdammte, Monster und auch historische Persönlichkeiten der Zeit, wie Vasari, Giambologna, Mitglieder der Medici-Hofgesellschaft und Zuccari selbst. Berühmt ist die Szene der Hölle, inspiriert von den Fresken von Luca Signorelli im Dom von Orvieto, mit unheimlichen Teufeln und dramatischen Kompositionen. Das Werk wurde 1579 vollendet und rief gemischte Reaktionen hervor: Viele waren beeindruckt, andere betrachteten es als Eingriff in die architektonische Harmonie Brunelleschis. Die Debatte war lebhaft und führte sogar zu satirischen Versen, die in der Stadt zirkulierten.

Mandorlenportal

An der Nordfassade der Kathedrale, die auf die heutige Via Ricasoli blickt, befindet sich eines der faszinierendsten und bedeutendsten Tore des Doms von Florenz: das Portale della Mandorla. Erbaut zwischen 1391 und 1423, stellt es eines der emblematischsten Werke des Übergangs von der Gotik zur frühen Renaissance dar. Der Name leitet sich von der großartigen Darstellung der Himmelfahrt der Jungfrau im Tympanon ab, die von einem mandelförmigen Heiligenschein umgeben ist – einem traditionellen Symbol für Reinheit, Ewigkeit und Göttlichkeit. Dieses Portal ist nicht nur ein Nebeneingang zur Kirche, sondern ein echtes Bildhauer-Meisterwerk, das das Ergebnis der Arbeit mehrerer hochrangiger Künstler ist: Giovanni d’Ambrogio, Donatello, aber vor allem Nanni di Banco, der fast sieben Jahre daran arbeitete, bis zu seinem Tod im Jahr 1421. Die Skulpturen wurden von seinen Mitarbeitern vor Ort zusammengefügt, um ein Werk zu vollenden, das den künstlerischen und intellektuellen Aufbruch jener Jahre bezeugt. Die historische Bedeutung des Portale della Mandorla liegt auch in seiner künstlerischen Sprache: Hier werden erstmals dekorative Elemente ausprobiert, die von der klassischen Antike inspiriert sind, wie realistische Draperien, studierte Anatomien und eine natürlichere und dynamischere Erzählweise. Es ist ein perfektes Beispiel dafür, wie die Bildhauerei die erste Sprache der Renaissance war und die malerischen und architektonischen Revolutionen vorwegnahm. Ein kurioses Detail findet sich direkt im Flachrelief der Himmelfahrt: In der unteren rechten Ecke kann man einen kleinen Bären auf einem Baum klettern sehen, ein rätselhaftes und vielleicht ironisches Element, das der Hand von Nanni di Banco zugeschrieben wird. Dieses Detail hat die Fantasie der Wissenschaftler angeregt und verleiht dem ansonsten feierlichen Werk einen menschlichen und fast spielerischen Touch. Vasari schrieb die Tür fälschlicherweise Jacopo della Quercia zu, ein Zeichen dafür, wie schwer es damals schon war, die künstlerischen Urheberschaften in einem so reichen Umfeld von Kooperationen und Innovationen zu unterscheiden. Dieses Missverständnis, obwohl durch spätere Studien korrigiert, erinnert uns daran, wie intensiv und manchmal wettbewerbsfähig die florentinische Kunstszene zu Beginn des 15. Jahrhunderts war.

Die Türen des Baptisteriums von San Giovanni

Das Baptisterium San Giovanni ist mit drei berühmten bronzenen Türen geschmückt, die ein wahres Freilichtmuseum der florentinischen Renaissance-Skulptur darstellen. Die bekannteste ist die Osttür, auch „Paradiestür“ genannt, die von Lorenzo Ghiberti zwischen 1425 und 1452 im Auftrag der Arte di Calimala geschaffen wurde. Die zehn großen rechteckigen Tafeln zeigen Szenen aus dem Alten Testament, darunter Episoden wie die Erschaffung von Adam und Eva, das Opfer Isaaks, Mose am Sinai und Salomo und die Königin von Saba. Ghiberti verwandte innovative Techniken für das Relief und nutzte meisterhaft die Zentralperspektive und eine kontinuierliche Erzählweise, die den Szenen Tiefe und Fluss verleihen. Die Figuren treten mit plastischer Eleganz hervor und die gesamte Oberfläche wird durch architektonische und landschaftliche Elemente von großer Raffinesse bereichert. Laut Vasari soll Michelangelo, als er sie vollendet sah, ausgerufen haben, sie sei „würdig, die Tür des Paradieses zu sein“ – daher der bis heute gebräuchliche Spitzname. Daneben zeigt die Nordtür, ebenfalls ein Werk Ghibertis, Szenen aus dem Neuen Testament in einem traditionelleren Zyklus, der jedoch schon den Übergang von der Gotik zur Renaissance markiert. Die älteste Tür ist die Südtür, die zwischen 1330 und 1336 von Andrea Pisano gestaltet wurde, mit achtundzwanzig Tafeln, die das Leben Johannes des Täufers, des Schutzpatrons von Florenz, darstellen und noch vom französischen Gotikgeschmack beeinflusst sind.

Museo der Oper des Doms

Gegründet im Jahr 1891, ist das Museo dell’Opera del Duomo ein unverzichtbarer Ort für alle, die die Geschichte und die künstlerische Größe des monumentalen Komplexes von Santa Maria del Fiore verstehen möchten. Hier werden die Originalwerke aufbewahrt, die einst den Dom, den Glockenturm und das Baptisterium schmückten, aber im Laufe der Zeit aus konservatorischen Gründen entfernt wurden. Das Museum ist in modernen und eindrucksvollen Räumen organisiert, darunter eine spektakuläre, lebensgroße Rekonstruktion der Fassade des dreißigsten Jahrhunderts des Doms, die in ihrer ursprünglichen Form nie realisiert wurde. Vor diesem imposanten Nachbau befinden sich die von Arnolfo di Cambio, dem ersten Architekten der Kathedrale, und seinen Nachfolgern geschaffenen Statuen. Unter den hier aufbewahrten Meisterwerken ragen der Prophet Habakuk von Donatello (als "Zuccone" wegen seines kahlen Kopfes bekannt), die trauernde Büßerin Maria Magdalena, ebenfalls von Donatello, sowie die raffinierten Sängerkanzeln von Luca della Robbia und Donatello hervor, die wahre Manifestationen der Freude und Anmut der frühen Renaissance sind. Einer der Höhepunkte des Besuchs ist die Pietà Bandini von Michelangelo, ein intensives und dramatisches Werk, das ursprünglich für sein eigenes Grabmal gedacht war. Michelangelo, inzwischen im hohen Alter, meißelte diese ergreifende Komposition, in der er sich selbst in der Rolle des Nikodemus darstellt. Das Werk wurde aufgegeben und später restauriert, bleibt jedoch eines der intimsten und qualvollsten Zeugnisse seiner Poetik.

Die Bandini-Pietà von Michelangelo

Die Pietà Bandini, auch bekannt als die Pietà von Florenz, ist ein spätes Werk Michelangelos, das zwischen 1547 und etwa 1555 entstanden ist. Sie befindet sich heute im Museo dell’Opera del Duomo in Florenz. Die Skulptur, die über zwei Meter hoch ist, stellt den Leichnam Christi dar, der von der Madonna, Maria Magdalena und einem älteren Mann gestützt wird, der traditionell mit Nikodemus identifiziert wird – in dessen Gesicht viele ein Selbstporträt Michelangelos erkennen. Das Werk wurde nicht für einen öffentlichen Auftrag, sondern für das persönliche Grab des Künstlers konzipiert, das sich damals in Rom befand. Michelangelo, der bereits im hohen Alter war, wählte einen unvollkommenen Marmor, der bereits von Adern und Mängeln gezeichnet war, was die Arbeit erschwerte. Während der Ausführung, frustriert von technischen Problemen und vielleicht auch von einem Gefühl des persönlichen Scheiterns, versuchte Michelangelo, die Skulptur zu zerstören, indem er sie mit einem Hammer schlug. Der Block wurde später von Tiberio Calcagni, einem florentinischen Bildhauer und Schüler Michelangelos, restauriert und ergänzt. Das Werk ist von Spiritualität und emotionaler Intensität durchdrungen: Die Gesichter und Körper, mit großer Ausdruckskraft gemeißelt, vermitteln ein Gefühl von Drama und Meditation über Schmerz und Erlösung. Im Gegensatz zur jugendlichen und idealisierten vatikanischen Pietà ist der Ton hier düsterer und die Komposition komplexer. Die Pietà Bandini wird heute als eines der ergreifendsten und tiefgründigsten Werke von Michelangelos Alterswerk angesehen, ein direkter Konfrontation mit dem Tod und der Erlösung, in Stein gemeißelt von einem Mann, der sich darauf vorbereitete, die Welt zu verlassen.

Die reuige Magdalena von Donatello

Die Büßende Magdalena ist eine Holzskulptur, die von Donatello um 1453–1455, in den letzten Jahren seines Lebens, geschaffen wurde. Heute befindet sie sich im Museum der Opera del Duomo in Florenz, obwohl sie ursprünglich im Baptisterium San Giovanni stand. Das Werk ist aus Pappelholz geschnitzt und teilweise vergoldet und stellt Maria Magdalena im fortgeschrittenen Alter in einer Haltung tiefster Sammlung und Buße dar. Diese Skulptur bricht radikal mit den Idealen der klassischen Schönheit und des renessaincistischen Gleichgewichts. Donatello zeigt die Magdalena abgemagert und ausgezehrt, mit langen, unordentlichen Haaren, die ihren Körper statt Kleidung bedecken, gemäß einer ikonographischen Tradition, die mit ihrem Leben als Einsiedlerin in der Wüste verbunden ist. Die gefalteten Hände im Gebet, das ausgemergelte und leidende Gesicht, der intensive und nach oben gerichtete Blick vermitteln ein starkes Gefühl von Menschlichkeit und Spiritualität. Das Werk wurde besonders für seinen dramatischen Realismus und seine außergewöhnliche Ausdruckskraft geschätzt. Giorgio Vasari sprach selbst mit Bewunderung darüber und erkannte die emotionale Wirkung und stilistische Neuheit an. Die Büßende Magdalena wird heute als eines der absoluten Meisterwerke der Skulptur des 15. Jahrhunderts angesehen, ein kraftvolles Beispiel dafür, wie Kunst die innere und spirituelle Dimension des menschlichen Wesens darstellen kann, jenseits des physischen Aussehens und des ästhetischen Ideals.

Die Choremporen von Donatello und Luca della Robbia

Die Cantorien von Donatello und Luca della Robbia sind zwei marmorne Emporen, die zwischen 1431 und 1439 für das Innere der Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz geschaffen wurden. Ursprünglich an den Seiten des Hauptaltars platziert, dienten sie während der liturgischen Feiern als Podeste für den Chor. Heute sind sie im Museum der Opera del Duomo erhalten. Obwohl sie sich in ihrer Größe und architektonischen Struktur ähneln – beide ruhen auf Konsolen und waren als schwebende Balkons gedacht – drücken die beiden Cantorien sehr unterschiedliche künstlerische Visionen aus. Die Cantoria von Donatello, zwischen 1433 und 1439 entstanden, gilt als revolutionäres Werk für ihre Zeit. Donatello schnitzte eine Reihe tanzender und musizierender Putti in einer beinahe explosiven Dynamik. Die Figuren scheinen sich mit Energie und Spontaneität zu bewegen, begleitet von Tüchern, die im Wind wehen. Das Relief ist sehr abwechslungsreich: Es reicht von kaum angedeuteten Bereichen zu stark gemeißelten Partien und schafft so einen beinahe malerischen Effekt. Der Künstler durchbricht die Symmetrie und bringt eine Vitalität ein, die die manieristische Sprache vorwegnimmt. Die Cantoria von Luca della Robbia, die zwischen 1431 und 1438 gefertigt wurde, zeichnet sich durch eine ausgewogenere und harmonische Komposition aus. Die Reliefs zeigen Chorknaben, die ordentlich in Szenen angeordnet sind und von dem Psalm 150 inspiriert wurden, der Gott mit Instrumenten und Gesängen feiert. Die Figuren sind idealisiert und gelassen, das Relief ist regelmäßiger, im Einklang mit der klassischen und rationalen Ästhetik der frühen Renaissance. Der direkte Vergleich dieser beiden Werke, die heute im Museum nebeneinander stehen, bietet ein außergewöhnliches Zeugnis der beiden Seelen der florentinischen Renaissancekunst: auf der einen Seite Donatellos dynamische Ausdruckskraft, auf der anderen das Gleichgewicht und Maß von Luca della Robbia.

Dante Alighieri mit Florenz und die Reiche der Göttlichen Komödie von Domenico Michelino

Dieses berühmte Gemälde, eine Tempera auf Leinwand, die auf eine Tafel aufgetragen wurde, ist eine der ikonischsten Darstellungen von Dante Alighieri. Es wurde 1465 vom florentinischen Regierung in Auftrag gegeben, um den 200. Geburtstag des Dichters zu feiern, und es befindet sich an der Rückwand der Kathedrale Santa Maria del Fiore, über der mittleren Tür. Das Projekt wurde nach einem Entwurf von Leon Battista Alberti realisiert und von einer lateinischen Inschrift von Cristoforo Landino begleitet, einem berühmten Humanisten und Kommentator der Göttlichen Komödie. Dante ist im Zentrum der Szene abgebildet, mit rotem Gewand und Hut, Lorbeerkranz auf dem Kopf und Gesichtszügen, die der ikonographischen Tradition entsprechen: Adlernase, scharfe Linien und ernsthafter Ausdruck. In seiner linken Hand hält er ein geöffnetes Exemplar der Göttlichen Komödie, aus dem goldene Strahlen hervorbrechen – ein Symbol für das göttliche Licht, das das Werk enthält. Mit seiner rechten Hand weist er auf die Route der drei Jenseitsreiche hin: Links ist die Hölle dargestellt, die wie ein Trichter mit konzentrischen Kreisen erscheint, an deren Boden Luzifer sitzt; in der Mitte der Läuterungsberg (Purgatorio), ein Berg mit sieben Stufen, auf dessen Spitze das irdische Paradies thront; oben die Rose der Seligen, eine symbolische Darstellung des himmlischen Paradieses. Rechts öffnet sich der Blick auf Florenz, das vom Licht des Gedichtes erhellt wird: Die Stadt wird mit außergewöhnlicher Genauigkeit in ihren symbolträchtigen Monumenten dargestellt, wie der Kuppel von Brunelleschi, dem Glockenturm von Giotto, dem Palazzo della Signoria, dem Bargello und den Türmen der Badia Fiorentina und von San Pier Scheraggio. Von den vielen alten Porträts Dantes ist dieses sicherlich das monumentale und komplexeste aus ikonographischer Sicht. Das lateinische Distichon erklärt ihn zum "Schutzpatron der Heimat", erhebt ihn nicht nur zum größten Dichter, sondern auch zu einem inspirierten Theologen, fast einem Propheten. Das Licht, das aus dem Buch strahlt, erinnert tatsächlich an die Ikonographie der heiligen Lehrer und Evangelisten und verweist darauf, dass Dante aus der Vorsehung heraus und mit einer heilbringenden Mission schrieb, wie er selbst im Gedicht erklärte. Das Gemälde hat auch eine starke politische und historische Bedeutung: Obwohl Dante 1321 im Exil in Ravenna starb, versuchte Florenz mehrmals, seine sterblichen Überreste zurückzuholen, sogar durch erfolglose Versuche des Diebstahls. Dieses Werk stellt somit eine Art symbolische Versöhnung dar: Eine Geste, mit der die Stadt ihren berühmtesten Sohn moralisch rehabilitieren und seine Unsterblichkeit durch die Kunst besiegeln will. Auf diese Weise feiert das Werk nicht nur die literarische Größe Dantes, sondern auch das humanistische Florenz des Quattrocento, das durch Kultur und Kunst die Wunden der Geschichte zu heilen sucht.

Das Grabmal für Filippo Brunelleschi

In der Krypta des Doms, die in die Überreste der antiken frühchristlichen Basilika Santa Reparata integriert ist, befindet sich das Grabdenkmal von Filippo Brunelleschi, dem genialen Architekten, der die Kuppel entworfen und damit die westliche Architektur revolutioniert hat. Die Grabplatte ist schlicht und elementar, im Einklang mit dem zurückhaltenden und reservierten Charakter des Künstlers und trägt eine kurze lateinische Inschrift, die seinen Einfallsreichtum feiert. Sie befindet sich nicht weit von den Gräbern von Giotto und anderen Künstlern und zeugt von der posthumen Anerkennung durch die Stadt für jemanden, der das Gesicht von Florenz für immer verändert hat. Der Ort, an dem sich das Grab befindet – die Krypta – ist selbst von Bedeutung: Zwischen Bodenmosaiken, alten Gräbern und geschichteten Mauerwerken spürt man die Kontinuität zwischen dem römischen, mittelalterlichen und renaissancistischen Florenz. Es ist ein ruhiger Ort, ideal, um über die Größe Brunelleschis nachzudenken und über seine architektonische Vision, die klassisches Wissen und technische Kühnheit vereint.

Die Laterne der Kuppel

Die Laterne auf der Spitze der Kuppel von Santa Maria del Fiore ist der symbolische und strukturelle Höhepunkt von Filippo Brunelleschis Entwurf. Obwohl der Architekt 1446 starb, ermöglichten das hölzerne Modell und die von ihm hinterlassenen Zeichnungen Michelozzo und Antonio Manetti, sie 1461 fertigzustellen und sich dabei strikt an seinen ursprünglichen Entwurf zu halten. Über 21 Meter hoch, hat die Laterne eine achteckige Form, die im Einklang mit der darunter liegenden Kuppelstruktur steht, und sie ist mit einer Reihe von gotischen Fenstern versehen, die das Innere beleuchten. Sie ist mit skulpturalen Elementen, Fialen und gotischen Rippen verziert und wird von einer goldenen Kugel aus Kupfer, die 1471 von Andrea del Verrocchio geschaffen wurde, gekrönt, auf der ein Kreuz ruht. Neben ihrer symbolischen Funktion – sie steht für den spirituellen Aufstieg, das göttliche Licht, das die Gläubigen leitet – hat die Laterne eine entscheidende strukturelle Bedeutung: Ihr Gewicht hilft, die Kuppel stabil zu halten, indem es Druck nach unten ausübt. Von ganz Florenz aus sichtbar, ist die Laterne der höchste Punkt der Kathedrale und eines der architektonischen Wahrzeichen der Stadt. Ihre gewagte Gestaltung ist ein ewiges Zeugnis für Brunelleschis revolutionäre Vision.