ITINERARIO COMPLETO

Este itinerario narra todo el recorrido del museo, abarcando desde la entrada de la villa hasta sus diversas salas, desde los zapatos más icónicos creados por los diseñadores nacionales e internacionales más importantes hasta la casa de huéspedes con numerosos frescos donde se realizan eventos de diversa índole.

Introducción - Entrada (Sala 1)

El Museo del Calzado se encuentra en la villa principal del complejo del siglo XVII de Villa Foscarini Rossi, a orillas del río Brenta. Fue encargado por el noble veneciano Jacopo Foscarini como residencia de vacaciones y diseñado por el arquitecto Vincenzo Scamozzi. A lo largo de los años, la propiedad ha pasado por diferentes manos, y cada familia ha adaptado la residencia a sus propias necesidades y a los gustos de su época. El edificio actual es el resultado de las últimas renovaciones del siglo XIX, entre las que destacan inmediatamente: la eliminación del entrepiso para permitir que la planta baja tenga la misma altura que la planta noble, la eliminación de la escalera exterior y la adición de las dos terrazas simétricas. A finales de la década de 1980, fue adquirida por el empresario del calzado Luigino Rossi. En 1993, después de una importante restauración, la Villa y la Foresteria se abrieron al público, transformadas respectivamente en el museo de la empresa de la fábrica de calzado Rossimoda y en un centro de congresos, que alberga eventos de prestigio. El yacimiento histórico de la empresa ocupa aproximadamente 700 metros cuadrados de las dos plantas del edificio principal e incluye más de 1350 modelos de calzado de lujo para mujer, producidos por la empresa desde principios de la década de 1960, en colaboración con una veintena de las más prestigiosas casas de moda del panorama internacional, entre ellas Christian Dior, Yves Saint Laurent, Fendi, Porsche Design y Calvin Klein.

Escalera (Sala 2)

Desde 2003, el complejo de Villa Foscarini Rossi es propiedad del grupo LVMH. La propiedad se encuentra en el corazón del distrito del calzado de la Riviera del Brenta, que se extiende a lo largo del antiguo cauce del río Brenta, entre las provincias de Padua y Venecia, famoso en todo el mundo por su producción de calzado de lujo y de diseño para mujeres. La tradición manufacturera de esta zona cuenta con orígenes ilustres, que se remontan a la "Scola dei Calegheri", una cofradía de zapateros y remendones, documentada desde 1268, que en la Serenísima República tenía la tarea de satisfacer a clientes ricos y exigentes como los nobles venecianos, estimulando a nuestros trabajadores a producir objetos cada vez más sofisticados y preciosos, por los que todavía son famosos hoy en día.

Calzado antiguo y étnico (Sala 3)

En la sala de la planta baja, también se puede admirar una colección de calzado antiguo y étnico, reunida por el fundador a lo largo de los años durante sus innumerables viajes de negocios. Este espacio nos permite preparar a nuestros invitados para la idea de que el calzado no es solo un accesorio, sino también un lenguaje, con el que cada uno de nosotros, sin necesidad de palabras, puede contar algo sobre sí mismo, su entorno laboral, la sociedad en la que vivimos y la clase social a la que pertenecemos o aspiramos a pertenecer. Esta función ha sido desempeñada por los zapatos desde siempre (en todo momento) y en todas partes (en todo lugar), como lo demuestran ampliamente los objetos que nos rodean en este espacio. Un ejemplo son los mocasines usados por los nativos americanos, que, a partir de los diseños y colores de las cuentas con las que están decorados, nos informan tanto de la tribu de pertenencia como de la clase social o el rol ocupado dentro de ella.

Sala 4 (Marc by MJ, Vera Wang, Calvin Klein)

Las siguientes salas, por otro lado, albergan la producción de la fábrica de calzado. El criterio utilizado para la exposición destaca la contribución de cada diseñador individual a la evolución de la moda en un período específico, que corresponde a la duración de la colaboración, y al mismo tiempo demuestra la capacidad de los artesanos del distrito para satisfacer las necesidades de los diseñadores más exigentes. Otro aspecto destacado es el origen geográfico de la marca: las casas de moda estadounidenses, inglesas y alemanas se exhiben en la planta baja, mientras que las francesas, italianas y españolas se encuentran en el primer piso. Esto se debe a que el calzado es un accesorio que debe equilibrar las necesidades estéticas y funcionales, e incluso el artista más rebelde está influenciado por su territorio de origen; el sentido práctico de los nórdicos que caracteriza la planta baja es menos evidente en el primer piso con los mediterráneos, que en cambio están más inclinados a dedicar mayor atención a los aspectos estéticos. Esta última reflexión también realza la elección del contenedor: la residencia histórica. Los frutos de esta tierra son la civilización de las villas venecianas y el distrito del calzado, y ciertamente el sentido de la proporción, la armonía y un cierto tipo de gusto que caracterizan a nuestros edificios históricos han influido en nuestra forma de producir, haciendo que se destaque de todos los distritos del calzado dispersos por todo el mundo por su elegancia y equilibrio. Dentro de esta sala, se pueden admirar los populares "ratones" de Marc by MJ, producidos desde 2003 durante varias temporadas con materiales siempre nuevos; los modelos ceremoniales con los que Vera Wang viste a la alta sociedad en los Estados Unidos (y más allá) el día de su boda; y el calzado de Calvin Klein, producido durante la década de 1990, un período de gran notoriedad para el diseñador, que se destacó como uno de los pioneros del minimalismo, como lo demuestran las piezas "esenciales y rigurosas" en las vitrinas.

Sala 5 (Sala Gótica)

Esta pequeña joya de decoración "romántica" fue probablemente ejecutada por los decoradores de la escuela de Jappelli, hacia finales de la década de 1830. La reanudación del estilo neogótico, que simula el interior de una catedral, mezclado con reminiscencias clásicas, con los nichos que albergan a algunos de los siete sabios mencionados por Platón y Plutarco, sugieren que la función de este espacio estaba dedicada a un estudio o biblioteca.

Sala 6 (Anne Klein, Andrea Pfister, Richard Tyler, Donna Karan)

La sala de Anne Klein, diseñadora estadounidense que tuvo su momento de gloria en los años 70 y 80, acoge a todos los creativos que, a lo largo del tiempo, han trabajado para ella, recogiendo su testigo: la fijación por encontrar el equilibrio adecuado entre confort y diseño. Quizás la "alumna" que mejor ha cumplido esta tarea ha sido Donna Karan: como buena neoyorquina, dinámica e independiente, ha sabido crear prendas y accesorios que se adaptan bien a la mujer de hoy, que defiende su autonomía, pero no quiere renunciar a realzar su feminidad. Aquí, en el calzado, encontramos muchos "tacones de cuña", que permiten aumentar la superficie de apoyo, facilitando el equilibrio, y a veces incluso sustituyendo la parte superior habitual (la parte superior del zapato), con tejido elástico, para prometer también un ajuste más cómodo. El mejor ejemplo es sin duda la sandalia de ante negro que llevó Sharon Stone en la secuela de la película "Instinto Básico".

Sala 7 (Sala Egipcia)

La sala egipcia, gemela de la gótica, retoma otro de los temas queridos a finales de la segunda mitad del siglo XIX: la egiptomanía. Probablemente influenciada por la campaña de Napoleón en Egipto, y para nosotros los venecianos, por el orgullo de haber dado a luz, en la cercana Padua, al explorador Gianbattista Belzoni, quien con su vida aventurera y sus asombrosos descubrimientos, inspiró la figura de Indiana Jones al guionista George Lucas, para su exitosa serie de películas. Este espacio alberga la "Colección Cápsula" de 2015 del diseñador inglés Nicholas Kirkwood. Con la intención de celebrar los años 80, tal como los recordaba de niño, crea modelos que hacen referencia a las películas y juegos que poblaron su infancia. Aquí están entonces las atmósferas de "ciudad de neón" de Blade Runner, en lugar del robot de Star Wars o el inolvidable Halcón Milenario. ¿Y quién no ha jugado nunca a Pac-man? Los coches Hot Wheels de Mattel están bien representados por una carrocería metálica de color rojo llameante, pero otra obsesión sigue siendo el legendario DeLorean de "Regreso al futuro", para terminar con el verdadero protagonista del siglo, el que lo cambió todo: la placa base del primer Macintosh.

Sala 8 (Laboratorio)

En la sala-laboratorio, se cuenta cómo se hacían los zapatos AYER; con el mundo del zapatero y todo lo que era necesario y suficiente para hacer un par de zapatos y cómo se hacen HOY, gracias a la mesa del modelista con todos sus accesorios y las imágenes de los macro-pasos que caracterizan la compleja producción actual. La segunda imagen es quizás la más evocadora: las figuras borrosas del diseñador y el modelista (la casa de moda y la manufactura) que, a pesar de tener a menudo intereses contrapuestos, a través del diálogo continuo y constante deben perseguir el objetivo común de transformar la obra de arte del artista (el boceto) en un PRODUCTO: es decir, algo que se pueda llevar, reproducir industrialmente y, por último, pero no menos importante, atractivo para el mercado.

Sala 10 (Pequeña Iglesia)

Este espacio, dedicado a la "Madonna delle Grazie", sustituye a la antigua iglesia que se encontraba dentro del parque hasta la segunda mitad del siglo XVIII. Cuando el palacio fue renovado a principios del siglo XIX bajo la nueva ala occidental, se decidió colocar el oratorio actual con una puerta al exterior, con la intención de involucrar a la comunidad local en la vida religiosa de la familia, como propugnaban los nuevos principios de igualdad y fraternidad, difundidos por las campañas napoleónicas. El mobiliario original incluye: un crucifijo de madera en la pared, de artesanía veneciana, sobre la puerta interior, los cuadros de las 14 estaciones del Vía Crucis, la lámpara de aceite de latón repujado, fechada en 1857, y el retablo de la escuela veneciana del siglo XIX, que representa una Virgen con el Niño. De adquisiciones recientes, en cambio, provienen: la estatua procesional en madera blanca de San Luis Gonzaga, la urna con las reliquias de San Crispín, el santo mártir que con su hermano San Crispiniano fue zapatero, ya patrón de los cordonniers en Francia, luego elegido patrón de los zapateros de la Riviera del Brenta. Merece especial atención el fresco separado de un pintor veneciano fechado en 1565, que retrata a una Virgen con el Niño, rodeada a la derecha por San Roque (protector de los leprosos y más generalmente contra las pestes) y a la izquierda por San Francisco (reconocible por el hábito de fraile, la herida en el costado, el crucifijo en una mano y en la otra el libro cerrado de la Regla Franciscana). El niño Jesús está representado de pie, desnudo con un collar de coral alrededor del cuello. Se trata de una costumbre, que se encuentra en las pinturas del siglo XVI, tomada de la tradición popular, según la cual tales collares o pulseras, además de su valor ornamental, se consideraban verdaderos amuletos, a los que se atribuía el poder mágico de ahuyentar el mal de ojo y proteger contra las enfermedades.

Sala 11 (Porsche Design)

Luigino Rossi conoce a Ferdinand Alexander Porsche durante los desfiles de YSL y, gracias a su pasión compartida por los coches deportivos, los dos deciden intentar hacer algo juntos. En este espacio podemos ver todos los elementos que caracterizan el proceso creativo: a nuestra izquierda el ARTISTA: la imagen de Ferdinand Alexander Porsche; frente a la OBRA DE ARTE: 5 de los bocetos que el estudio Porsche envió a nuestra fábrica; en el lado opuesto, pero especialmente debajo de las ventanas, la FUENTE DE INSPIRACIÓN: los coches producidos por el fabricante de automóviles; Pero aquí entra en escena la Riviera del Brenta, con sus habilidades: a la derecha vemos el PROYECTO del modelista, el intento de nuestros técnicos de empezar a dar tridimensionalidad a la idea inicial. Y finalmente el PRODUCTO: en las dos columnas vemos respectivamente los modelos "Fórmula 1" y "Gran Turismo", producidos siempre igual desde 1978, cambiando solo los materiales. Se trata de los primeros "Car-shoes" de la historia de la Moda: un accesorio cómodo y práctico para conducir el coche deportivo por excelencia. Su perfil sigue la silueta del Porsche 911 y la suela montada en el zapato también sigue el dibujo de la banda de rodadura del neumático Pirelli P6, de nuevo el que se monta en el Porsche 911. Nos gusta señalar que algunos modelos están claramente en tallas de mujer, por lo que este modelo, para conducir un coche deportivo, prerrogativa del mundo masculino hasta entonces, abre un nuevo mundo y nuevos hábitos al género femenino. Esto nos recuerda que la Moda, además de tener la tarea de fotografiar a la sociedad en un momento histórico determinado, también puede asumir la responsabilidad de sugerir nuevos comportamientos, más éticos e inclusivos.

PRIMER PISO - Sala 12 (Christian Dior y Christian Lacroix)

Subiendo al primer piso se encuentran las colaboraciones con los diseñadores mediterráneos y de inmediato se percibe una atmósfera diferente, más centrada en los valores artísticos, particularmente evidente en las creaciones firmadas por Christian Dior. Se trata de las piezas más preciadas del museo, en su mayoría prototipos de los que no existen otras copias en el mundo, producidas por la casa de moda desde la década de 1950 hasta la de 1970. Christian Dior fue uno de los primeros modistos en diseñar calzado específicamente para sus prendas, famoso por su obsesión por el "total look". Quería que sus clientas salieran de su taller vestidas de "Christian Dior" de pies a cabeza. Sin embargo, para lograrlo, necesitaba encontrar a los colaboradores adecuados. Así, a partir de 1953, acordó ser asistido por el diseñador de calzado Roger Vivier. Fue una intuición afortunada: la colaboración duró hasta 1963 (sobreviviendo incluso a la muerte de Dior en 1957) y fue un gran éxito; después de los dos primeros años de productos hechos a medida únicamente, comenzaron a producir bajo licencia, gracias al fabricante Charles Jourdan, del prestigioso distrito francés del calzado de Romans. Fue en una de estas ocasiones, a principios de la década de 1960, que Luigino Rossi, quien conocía a un miembro de la familia Jourdan, se encontró trabajando junto a ellos para satisfacer las demandas de un mercado inesperadamente receptivo. A partir de esta experiencia, el joven empresario, que hasta entonces solo se había dirigido a un mercado local, descubrió que era capaz de satisfacer un nicho exclusivo y exigente, ganando un 30% más en cada par vendido, y que los productos "se vendían solos" gracias a la notoriedad de la marca y a unos canales de distribución ya existentes y bien organizados. A la luz de estas reflexiones, en 1963, decidió proponerse al joven diseñador Yves Saint Laurent, que acababa de abrir su propia casa de moda tras colaborar con Dior durante varios años. Comenzó una colaboración que duraría 38 años: Yves se convertiría en el Diseñador con "D" mayúscula, y Rossimoda, por un lado, se vería impulsada por su éxito y, por otro, contribuiría a él. A partir de ese momento, muchas casas de moda recurrirían al fabricante, pidiéndoles que fabricaran zapatos, especialmente gracias a su reconocida experiencia en la producción de contrafuertes para botas, que el joven diseñador contribuyó a poner muy de moda...

Sala 13 (Yves Saint Laurent años 70)

Las siguientes salas están dedicadas a Yves Saint Laurent. Habiendo colaborado con la fábrica durante 38 años, fue posible crear un recorrido cronológico, dedicándole tres salas: una para los años 60 y 70, una para los 80 y una para los 90. Estamos orgullosos de haber trabajado con él, ya que es un diseñador que fue capaz de revolucionar la sociedad con su ropa: tomó elementos del vestuario masculino, como el esmoquin, la sahariana, la gabardina, el chaquetón y la bota (prerrogativa hasta entonces de los hombres y las mujeres de "mala vida"), y se los dio a las mujeres, en un momento histórico de lucha por la emancipación femenina; les dio el coraje de atreverse... En esta primera sala hay piezas que acompañaron momentos cruciales de la historia de la moda, desde la bota que se usaba con la sahariana hasta las de los desfiles de moda de 1976 inspirados en los Ballets Rusos o la sandalia verde del "desfile del escándalo" de 1971. En las paredes se pueden admirar las tarjetas de felicitación que el diseñador creaba cada año en edición limitada para amigos, clientes importantes, pero también para todos sus empleados; según él, el mensaje más hermoso para desearle a cualquiera era amar y ser amado. Así, volvía a proponer sus "love" anualmente, siempre iguales pero siempre diferentes...

Sala 14 (Yves Saint Laurent años 80)

Los años 80 son una década que recordamos por el gran optimismo, la fe en un mundo mejor y la atracción por un gusto opulento. Así, los modelos son llamativos, muy decorados, piezas con mucha personalidad. Emblemático entre todos, el zapato de salón en víbora dorada, cuya preciosa superficie fue cubierta con pintura en aerosol dorada, solo por el placer de hacerlo más llamativo. Divertidos son también las "cuñas de lunares" que descansan sobre un césped artificial, recordándonos cómo el atento Yves nunca olvidó tener tacones similares cada temporada, para que sus "amigas-clientas" no tuvieran que renunciar a "estar a la altura" cuando tenían picnics o fiestas en el jardín.

Sala 15 (Yves Saint Laurent años 90)

Los años 90 son un período difícil para el diseñador: ligado a sus años de juventud, se vuelve nostálgico y le cuesta interpretar la contemporaneidad. En la exposición de esta sala, se notan muchos "remakes" de éxitos del pasado, como si Yves buscara de nuevo esa popularidad perdida... volvemos a ver las icónicas botas mosqueteras de cuero de cocodrilo (se necesitaron dos para este precioso par) creadas por Roger Vivier para YSL en 1963, las sandalias de la escandalosa colección de 1971, pero sobre todo la Pilgrim, la más popular de todas: el zapato que, una vez más, Roger Vivier crea para su amigo Yves y que este último hace que la joven Catherine Deneuve luzca en la película "Belle de Jour" del director Louis Buñuel. En la película, la actriz interpreta a una joven burguesa que lleva una doble vida: de día, cuando su marido sale de casa para ir a trabajar, ella va a una casa de citas y se encuentra con jóvenes desconocidos. Los zapatos juegan un papel protagonista en la escena "clave", donde Séverine, la protagonista, decide cambiar de vida. A partir de ese momento, las tiendas que los vendan tendrán largas colas de jóvenes de "buenas familias" que quieren rebelarse contra una educación convencional y restrictiva.

Sala 16 (Givenchy)

Las salas de esta ala del museo narran las colaboraciones más recientes entre la empresa y las casas de moda. Probablemente la reflexión más interesante en la que centrarse en estos espacios sea la de intentar captar el esfuerzo de los jóvenes creativos que se encuentran trabajando para estas marcas, sin duda muy prestigiosas, pero igualmente engorrosas, para las que tienen la ardua tarea de crear productos que sean ante todo originales, en segundo lugar que capten el espíritu de la época (que puedan considerarse "a la moda"), pero sobre todo que sean "reconocibles", es decir, que representen los "códigos" de la marca, ese ADN que mantiene la coherencia en las colecciones y fideliza a la clientela. Obviamente, cada uno de ellos interpreta estos códigos de forma diferente. Por ejemplo, en la sala dedicada a Givenchy, se pueden admirar a la izquierda los zapatos producidos en los años 70 y 80, cuando el director creativo de la casa era todavía Monsieur Hubert y la musa Audrey Hepburn, mientras que a la derecha están las piezas producidas a partir del año 2000, donde los nuevos directores creativos han interpretado de forma diferente el estilo del inventor del pequeño vestido negro: Alexander McQueen en la columna 129, Julien Macdonald en la 130 y Riccardo Tisci en las columnas 124, 125, 126 y 127.

Sala 17 (Fendi y Genny)

Rossimoda colaboró con las cinco hermanas Fendi durante una década, alrededor de los años 90, cuando su director creativo era el talentoso Karl Lagerfeld, quien logró hacer que incluso los mocasines más banales fueran lujosos y originales, aunque nuestra atención sin duda es captada por las sandalias con el tacón suspendido, en el centro de esta sala: concebidas por el diseñador para el verano de 2000 y esbozadas en un dibujo, visible en el centro de la pared entre las dos ventanas, fueron creadas por nuestra oficina de Modelado con gran esfuerzo de imaginación, para encontrar las proporciones correctas de la palanca, que debía sustituir el tacón y sobre todo identificar el material con el que fabricarlo, ya que debía ser lo suficientemente resistente como para soportar el peso del cuerpo y sus tensiones en movimiento, pero al mismo tiempo ser lo suficientemente flexible como para acompañar el paso femenino con suavidad: solo el acero templado demostró cumplir con estos requisitos. El modelo más valioso fue luego pintado a mano en la parte superior y la plantilla con una orquídea, la flor favorita del diseñador.

Sala 18 (Celine)

Celine es la marca con la que la fábrica colabora actualmente, junto con Givenchy, y con la que produce la mayor parte de su facturación, tanto que hace unos años, el grupo financiero de lujo LVMH, que adquirió Rossimoda en 2003, decidió fusionarla con la casa de moda, nombrándola oficialmente "plataforma industrial Celine". Este espacio alberga calzado creado para varios directores creativos, desde Ivana Omazic hasta Phoebe Philo y las creaciones de Hedi Slimane. Se trata de modelos con líneas elegantes pero limpias, con innovaciones audaces que los hacen muy contemporáneos, incluso futuristas a veces, sin olvidar un guiño a la tradición, que nos recuerda cómo esta marca nació en París como una tienda de zapatos elegantes para niños en 1945 gracias a Celine Vipiana, ayudada por su marido. La sandalia Kitaro de 2009 y el "zapato-pie" surrealista producido en 2013 son particularmente llamativos.

Sala 19 (Emilio Pucci y Loewe)

Enrique Loewe fue un peletero de origen alemán que en 1846, junto con un grupo de artesanos españoles, emprendió su actividad en Madrid, adquiriendo gran notoriedad por la calidad de sus productos, tanto que muy pronto se convirtió en el proveedor de la casa real española. En la sandalia de la columna central del lado derecho, se observa cómo, para decorar la pala, se han recuperado las puntas doradas que protegían los puntos más delicados de los baúles rígidos, característicos de esta casa de moda, que la han hecho famosa en el mundo. Las creaciones de Emilio Pucci, por otro lado, destacan gracias a sus fantasías caleidoscópicas y su gusto opulento. La "sandalia Palio" de la colección de 2003 es quizás uno de los mejores ejemplos de la combinación de lo contemporáneo y la tradición, encontrando inspiración en los diseños de las banderas de los distritos del Palio de Siena y en los colores de la isla de Capri, el amado "refugio" del fundador de la casa de moda. Pero no se puede dejar esta sala sin detenerse en la sandalia decorada con perlas de río, cristales de Swarovski y plumas: ¿reconoce el estampado impreso en la plantilla de limpieza? Se trata de un homenaje a los frescos de la Capilla Sixtina pintados por Miguel Ángel en Roma en 1512.

El recorrido por el museo

El recorrido por el museo ha llegado a su fin. Esperamos que nuestros visitantes hayan comprendido cuánto, estos preciosos accesorios, nacidos de ilustres creativos, para poder ver la luz, en realidad necesitan una miríada de pasos complejos y una multitud de personas con conocimientos y habilidades sofisticados, que el mundo de la moda todavía encuentra hoy en la tradición del territorio de la Riviera del Brenta.

LA FORESTERIA - Introducción (bajo el Pórtico)

En la primera mitad del siglo XVII, la familia Foscarini adquirió tal prestigio que consideró inadecuado el Salón del primer piso de la villa principal para recibir a sus invitados. Así, decidieron transformar un almacén de herramientas del siglo XVI en una "foresteria", un lugar para acoger a "los extranjeros", sus invitados. Probablemente se encargó de la obra al arquitecto veneciano Francesco Contin, que ya había trabajado para los Foscarini en Venecia, en la iglesia de Sant'Angelo Raffaele. El gran cuerpo central, utilizado como salón de baile y de recepciones, se rodeó de dos alas laterales simétricas, con muchas habitaciones funcionales para la acogida y precedido por un pórtico pasante, caracterizado por amplios arcos y un "techo a la Sansovino". Fue Alvise Foscarini, sobrino de Jacopo, quien en 1652 decidió decorar el salón de baile para conmemorar el matrimonio entre su hijo Giovanni Battista y la noble veneciana Chiara Soranzo. Para ello, recurrió a los mejores pintores de la época: Domenico de' Bruni para la perspectiva y Pietro Liberi para las alegorías.

Perspectiva

Domenico de' Bruni (1591-1666) fue un pintor originario de Brescia, ciudad famosa por sus artistas especializados en perspectiva. La atmósfera de la composición recuerda mucho a la obra de Veronés, gracias a sus colores claros, la solemnidad de la decoración y la invención del "en plein air", presente tanto en el techo como en las paredes. El homenaje al artista del siglo XVI probablemente también se deba al vínculo entre la familia Foscarini y la familia Barbaro (una hija de Jacopo se había casado con el hijo de Marc' Antonio Barbaro, mecenas de Palladio y Veronés en Villa Barbaro en Maser). Pero el pintor se adapta al gusto de la época barroca dilatando el espacio circundante con la impresión de tridimensionalidad, obtenida gracias a la ilusión óptica de los llenos y los vacíos y a los tres órdenes de columnas con el techo artesonado en perspectiva. Para dar aún más la impresión de profundidad, el artista eliminó la balaustrada que normalmente separaba el mundo real del mundo virtual y la sustituyó por una escalera, invitando al visitante a entrar en su mundo de imaginación. También perfora el techo con un segundo piso virtual, una falsa balaustrada y falsas puertas que conducen a falsas habitaciones.

Alegorías

Las alegorías dentro de las cuadraturas, sin embargo, se atribuyen a Pietro Liberi (1605-1687), un pintor veneciano, alumno de Padovanino, que había estudiado y viajado mucho. Su éxito en su época se debió sobre todo a su predilección por el arte profano más que por el arte sacro, en el arte profano por los desnudos, en particular los femeninos, y por haber dado mucha gracia y sensualidad a estas imágenes, hasta el punto de ser considerado por sus contemporáneos como un pintor libertino; se le reconoce por sus atmósferas veronesas, su paleta de colores claros, sus mujeres con cuerpos abundantes, rostros pequeños, bocas finas y ojos almendrados. Pero es un hombre de su tiempo, porque es capaz de dar a todas estas influencias un nuevo dinamismo, que representa bien el espíritu barroco. Un ejemplo de ello son sus personajes en primer plano, pintados en diagonal para aumentar la idea de movimiento. El mecenas Foscarini le pidió que representara en las paredes la misión de la familia noble, que siempre debe ser un ejemplo de virtud, tanto en tiempos de paz como en tiempos de guerra.

Alegoría de la Guerra

EN TIEMPOS DE GUERRA, el caballero tiene la tarea de resolver los conflictos, no con la lucha armada, como se ve en el fondo, sino con la diplomacia (podría ser un homenaje al progenitor Jacopo, que tuvo el papel de pacificador del Mediterráneo, después de la batalla de Lepanto, entre cristianos y turcos), rodeándose de DOCTRINA (reconocible por el cetro con el sol, el conocimiento que ilumina las tinieblas de la ignorancia), de ELOCUENCIA (con un reloj en la mano, para recordar que las palabras son más convincentes cuando se miden), pero se ve obligado a sacrificar la VERDAD (reconocible porque siempre está desnuda, con solo una bufanda blanca alrededor de sus caderas, para recordar su inocencia), que solo muestra su espalda, en nombre de la armonía recuperada.

Alegoría de la Paz

Por el contrario, en TIEMPOS DE PAZ, la misión de la familia noble es la de ayudar a las artes y las ciencias a reflorecer. Aquí vemos representada la PRÁCTICA (vestida como una criada y siempre un peldaño por debajo de la teoría, porque siempre está supeditada a ella, con el rostro de una anciana, porque la práctica mejora con la experiencia), la TEORÍA (vestida, por el contrario, como una dama noble, siempre un peldaño por encima de la práctica, joven, porque la teoría, cuando es correcta, nunca envejece). Ambas figuras tienen un compás en la cabeza: la primera con las puntas hacia abajo, la segunda hacia arriba; según los antiguos, eran la opuesta la una de la otra, solo tenían un punto en común, el fulcro, es decir, el objetivo: a través de las artes y las ciencias ir en busca de la VERDAD. Aquí está la mujer que en tiempos de guerra tenía que permanecer parcialmente oculta, ahora puede ser vista en todo su esplendor. Al fondo, se ve una academia que recuerda en parte a La escuela de Atenas de Rafael, pero que está representada solo por mujeres (los hombres son solo los maestros), quizás una referencia a alguna figura femenina de la familia dedicada a los estudios. En la terraza del segundo piso, sin embargo, están las ARTES LIBERALES que vigilan la academia: el TRIVIO para las enseñanzas literarias (GRAMÁTICA con la jarra de agua, DIALÉCTICA con el caduceo y RETÓRICA con el espejo) y el QUADRIVIO para las enseñanzas científicas (ASTRONOMÍA con el globo terráqueo, MÚSICA con la flauta, GEOMETRÍA con el archipéndulo y ARITMÉTICA con la tabla pitagórica). Encima de las puertas de entrada están pintados los escudos de armas de los Foscarini y de las otras familias nobles con las que la familia estaba emparentada: Da Mula, Morosini y Soranzo.

Triunfo de las Virtudes de la Familia

El techo está decorado con frescos que representan EL TRIUNFO DE LAS VIRTUDES de la familia Foscarini: LA HOSPITALIDAD con la cornucopia invertida hacia abajo y un putto que la ayuda a liberar y distribuir sus riquezas; LA FAMA con alas y una trompeta para difundir lo más lejos posible la notoriedad de las virtudes de la familia; EL ESPLENDOR DEL NOMBRE con el garrote de las virtudes de Hércules y una antorcha encendida para iluminarlas; LA GLORIA y EL HONOR con tres coronas, dos de laurel (poetas y héroes) y una de oro (príncipes); LA ETERNIDAD, sentada sobre el globo terrestre, con el sol y la luna en las manos, para recordar la continua alternancia del día y la noche, y una tela redonda al fondo, que recuerda la circularidad de la vida.

Conclusión

La Villa acogió a muchos huéspedes ilustres, especialmente hacia finales del siglo XVIII, en la época del dux Marco, entre ellos el escritor Gaspare Gozzi. En el siglo XIX, la Villa sufrió transformaciones para adaptarla al gusto neoclásico e incluso los jardines se inspiran en el estilo "falso salvaje" concebido por el arquitecto veneciano Jappelli. Al final de la Segunda Guerra Mundial, este edificio fue bombardeado y perdió su ala este, que luego fue reconstruida. Hoy en día, la Villa y la Foresteria han sido restauradas a su antigua belleza con importantes trabajos de restauración que permiten revivirlas con el mismo espíritu original: así, la Foresteria resuena con música durante los conciertos que se organizan periódicamente y con las voces de los huéspedes en ocasión de congresos y recepciones.