Les Musées du Vatica

Les Musées du Vatican représentent l'une des collections d'art les plus vastes et prestigieuses au monde. Fondés par le pape Jules II au XVIe siècle, ils occupent une grande partie de l'immense cour du Belvédère et exposent l'énorme collection d'œuvres d'art accumulée au fil des siècles par les papes. La Chapelle Sixtine et les appartements pontificaux ornés de fresques par Michel-Ange et Raphaël font partie des œuvres que les visiteurs peuvent admirer lors de leur parcours.

Introduction aux Musées du Vatican

Les Musées du Vatican représentent l'un des complexes muséaux les plus extraordinaires du monde, gardiens d'un patrimoine artistique et culturel qui embrasse des millénaires d'histoire humaine. Fondés au XVIe siècle par le Pape Jules II et ouverts au public en 1771 par la volonté du Pape Clément XIV, aujourd'hui, les musées accueillent environ six millions et demi de visiteurs chaque année. Notre parcours nous conduira à travers une sélection des collections les plus significatives, des antiquités égyptiennes aux chefs-d'œuvre de la Renaissance et à l'art contemporain. Nous marcherons le long de couloirs décorés de fresques à couper le souffle, traverserons des salles qui ont vu l'histoire se dérouler entre leurs murs, et nous nous retrouverons face à face avec certaines des œuvres d'art les plus célèbres au monde. D'un point de vue chronologique, nous commencerons avec les anciennes civilisations de l'Égypte et de l'Étrurie, traverserons ensuite les époques grecque et romaine avec leurs sculptures monumentales, pour finalement conclure avec la Renaissance italienne et la modernité. Notre itinéraire culminera dans la célèbre Chapelle Sixtine, chef-d'œuvre absolu de Michel-Ange et symbole universel de l'art occidental. Préparez-vous à un voyage à la découverte d'un musée qui renferme en lui-même l'histoire de l'humanité et sa quête éternelle de la beauté.

Le Musée Grégoire Égyptien

Au cœur des Musées du Vatican, neuf salles abritent une collection extraordinaire d'antiquités égyptiennes, provenant de Rome et de la Villa d'Hadrien à Tivoli. En entrant dans cet espace, laissez-vous immédiatement transporter sur les rives du Nil, dans un voyage qui traverse des millénaires d'histoire. Le musée égyptien grégorien a été fondé en 1839 par le pape Grégoire XVI, et ses salles rassemblent des objets votifs, des sarcophages décorés, des statues de divinités comme Isis et Osiris, des papyrus écrits en hiéroglyphes. Les reliefs provenant de tombes thébaines et les statues de pharaons, témoins d'une civilisation millénaire, suscitent un intérêt particulier. Le musée comprend également une section dédiée à l'influence de la culture égyptienne dans la Rome antique, avec des exemples d'art «égyptisant» et des artefacts provenant du sanctuaire d'Isis au Champ de Mars. En déambulant entre les sarcophages sculptés, les momies enveloppées dans leurs bandelettes et les papyrus aux inscriptions hiéroglyphiques, je ne peux m'empêcher de vous raconter une anecdote curieuse. L'empereur Hadrien était tellement fasciné par la culture égyptienne que dans sa villa à Tivoli, il avait fait construire un canal nommé "Canopus", en hommage à la ville égyptienne homonyme. Il l'avait entouré de statues et d'artefacts égyptiens, dont certains sont précisément ceux que vous pouvez admirer aujourd'hui dans ces salles. Les trois dernières salles abritent des œuvres de l'ancienne Mésopotamie et de l'Assyrie, élargissant ainsi notre vision sur les grandes civilisations du monde antique et leurs échanges culturels. Observez attentivement le "Livre des morts" et la Collection Grassi : ce sont des témoignages précieux qui nous racontent comment les anciens Égyptiens concevaient la vie après la mort, un aspect central de leur culture qui a également profondément influencé le monde romain.

Cour de la Pigne

En sortant du Musée Égyptien, on accède au vaste et enchanteur Cortile della Pigna, l'un des espaces ouverts les plus fascinants des Musées du Vatican. Cette élégante cour de la Renaissance tire son nom de la grande sculpture en bronze qui domine la niche au nord, au sommet de l'escalier conçu par Michel-Ange : une pomme de pin monumentale, symbole d'immortalité et de renaissance. L'œuvre, datant de l'époque romaine, a été découverte au Moyen Âge près des Thermes d'Agrippa et a également donné son nom au quartier Pigna de Rome, qui comprend aujourd'hui des lieux emblématiques comme le Panthéon et la Piazza Venezia. Mais quelle est l'histoire de cette œuvre ? Il s'agit d'une fontaine en bronze du IIe siècle après J.-C., mesurant près de quatre mètres de haut, qui faisait autrefois jaillir de l'eau de ses écailles. Ce symbole iconique a même été mentionné par Dante dans la Divine Comédie. Dans le Chant XXXI de l'Enfer, le poète compare le visage du géant Nembrot à cette pomme de pin. La cour, redéfinie par Bramante au XVIe siècle et restructurée ensuite par Pirro Ligorio, sert aujourd'hui de point de jonction entre les différentes sections des musées. En face de la pomme de pin se trouve une autre sculpture importante : la "Sphère avec sphère" d'Arnaldo Pomodoro, offerte par l'artiste au musée en 1990. Cette sculpture contemporaine crée un dialogue fascinant entre ancien et moderne : la sphère en bronze, dont la coque semble parfaite mais est déchirée par de profondes fissures, révèle en son intérieur un mécanisme qui tourne, mû par le vent, métaphore du perpétuel devenir du monde et de la connaissance humaine. Prenez un moment pour admirer également les proportions architecturales de la cour, conçue à l'époque de la Renaissance pour connecter harmonieusement les différentes parties du complexe vatican. Cet espace servait de passage et de lieu de pause pour les visiteurs illustres du Pape, un endroit où l'art classique et contemporain se rencontrent.

Galerie Chiaramonti

Entrons maintenant dans la suggestive Galerie Chiaramonti, un long couloir qui tire son nom du pape Pie VII (anciennement Barnaba Chiaramonti), qui l'a fondée au début du XIXe siècle. Cette galerie possède une histoire particulièrement intéressante, liée à l'un des périodes les plus tumultueuses de l'histoire européenne. En 1797, avec le Traité de Tolentino, l'État Pontifical fut contraint de céder à la France les plus grands chefs-d'œuvre du Musée Pio Clementino. Par la suite, en 1815, grâce au Congrès de Vienne et à l'action diplomatique du sculpteur Antonio Canova, presque toutes les œuvres de sculpture saisies furent récupérées. Le retour des œuvres vaticanes de France est commémoré sur la lunette du mur XXI de la galerie. Le nouveau musée fut réalisé par Canova lui-même à partir de 1806. Le Musée Chiaramonti, constitué d'environ un millier de sculptures antiques, présente l'une des collections les plus importantes de portraits romains, riche en exemples de sculpture idéalisée et funéraire. Canova concevait l'installation comme une “école de sculpture”, où chaque œuvre pouvait dialoguer avec les autres dans un espace harmonieux. Observez attentivement les bustes romains alignés le long des murs. Chacun d'eux est un portrait réaliste d'un personnage ayant vécu il y a deux mille ans. Les Romains étaient des maîtres dans l'art du portrait et, contrairement aux Grecs qui idéalisèrent les caractéristiques humaines, préféraient représenter les sujets avec tous leurs défauts et particularités. Un détail curieux : deux poutres en bois récupérées en 1827 sur le fond du lac de Nemi, appartenant aux navires de l'empereur Caligula, sont conservées dans la galerie ; c'est ce qui reste des deux navires, tristement détruits lors des événements de guerre en 1944. Un petit fragment d'histoire romaine, sauvé des eaux et du temps.

Braccio Nuovo

Poursuivons maintenant vers le Braccio Nuovo, une élégante galerie néoclassique qui représente la troisième section du Musée Chiaramonti. Le pape Pie VII confia la réalisation de cette structure à l'architecte romain Raffaele Stern. À la mort de Stern en 1820, le travail se poursuivit sous la direction de Pasquale Belli jusqu'à l'inauguration en février 1822. L'organisation de l'exposition fut supervisée par la Commission des Beaux-Arts, présidée par Antonio Canova et composée également de Filippo Aurelio Visconti et Antonio D'Este. Ce nouvel édifice du XIXe siècle, qui peut être considéré comme l'un des témoignages les plus significatifs de l'architecture néoclassique à Rome, s'inséra entre les galeries du Musée Chiaramonti et celles de la Bibliothèque Apostolique. Ses lignes pures et harmonieuses créent le décor parfait pour abriter certains des chefs-d'œuvre les plus importants de la sculpture classique. Canova, inspecteur général de toutes les Beaux-Arts pour Rome et l'État pontifical, utilisa cet espace pour exposer de nombreuses sculptures cédées à la France à la suite du Traité de Tolentino de 1797 imposé par Napoléon Bonaparte au pape Pie VI Braschi à la fin de la Campagne d'Italie, et restituées ultérieurement aux décisions prises lors du Congrès de Vienne de 1815. Le sol est constitué de grandes dalles de marbre encadrant des mosaïques romaines, tandis que des frises en stuc longent les murs. L'édifice est articulé en une galerie longue de 68 mètres, couverte par une voûte à caissons avec des lucarnes ; au centre, d'un côté s'ouvre un hémicycle, de l'autre une série de marches permet l'accès au portique monumental donnant sur la Cour de la Pigne. Parmi les chefs-d'œuvre les plus célèbres exposés dans cette section se distingue l'Auguste de Prima Porta, représentation de l'empereur en tenue militaire, avec l'apparence solennelle et idéalisée typique de l'art impérial. À ses côtés, mérite une attention particulière la Personification du Nil, une imposante statue aujourd'hui située dans l'exèdre. La sculpture représente le dieu fluvial couché, entouré de seize putti : chacun d'eux symbolise une coudée, l'unité de mesure qui indiquait la hauteur idéale de la crue du Nil pour garantir une bonne récolte. Ce groupe sculptural, initialement exposé dans la Cour du Belvédère à la demande du pape Léon X, fut probablement découvert dans l'Iseo Campense, le grand sanctuaire du Champ de Mars dédié au culte égyptien d'Isis et de Sérapis, introduit à Rome au Ier siècle av. J.-C.

Musée Pio-Clementino

Le Musée Pio Clementino est l'un des centres névralgiques de l'art classique au sein des Musées du Vatican. Fondé dans la seconde moitié du XVIIIe siècle par les papes Clément XIV et Pie VI, dont il porte le nom, il a été conçu pour abriter et exposer les sculptures antiques et renaissantes les plus importantes. Cette section se compose de douze salles et abrite l'une des collections d'art grec et romain les plus significatives au monde. Le parcours serpente à travers des espaces d'une grande élégance architecturale, comme l’impressionnante Cour Octogonale, autrefois connue sous le nom de Cour des Statues. C'est ici, au début du XVIe siècle, que le pape Jules II della Rovere a établi le premier noyau des collections pontificales de sculptures anciennes, avec l'ambition de faire revivre la grandeur de la Rome impériale dans la Rome des papes. Lorsque, au XVIIIe siècle, Clément XIV et Pie VI décidèrent de transformer cette collection en un véritable musée, la cour devint le centre du nouveau projet muséal. Parmi les œuvres les plus emblématiques se trouve l'Apollon du Belvédère, copie romaine d'un original grec attribué à Léocharès, symbole de l'idéal de beauté classique. À ses côtés, un autre chef-d'œuvre incontesté est le Groupe du Laocoon, découvert le 14 janvier 1506 dans une vigne près de la basilique Santa Maria Maggiore. Informé de la découverte, le pape Jules II envoya Michel-Ange Buonarroti et Giuliano da Sangallo pour l'examiner. C'est sur leur conseil que la sculpture fut acquise et peu après exposée au public au Vatican. L'œuvre représente Laocoon et ses fils enlaçés par les spires d'un serpent de mer, dans une scène d'intensité dramatique qui a profondément impressionné Michel-Ange, qui l'a qualifiée de "miracle de l'art". Cette découverte eut un impact énorme sur la Renaissance, influençant profondément l'art de l'époque, notamment dans la représentation du corps humain et de l'expression émotive. Le musée conserve également d'autres œuvres extraordinaires, comme l'Hercule en bronze doré provenant de Campo de’ Fiori, l'Apoxyomène – l'athlète se nettoyant avec un strigile – et une sélection raffinée de sarcophages romains décorés de scènes mythologiques.

Musée Grégoirien Étrusque

Laissons maintenant les merveilles de l'art gréco-romain pour nous plonger dans la culture d'un autre peuple fascinant qui habitait la péninsule italienne avant les Romains : les Étrusques. Le Musée Grégorien Étrusque, fondé par le pape Grégoire XVI en 1836, dispose de huit galeries et abrite d'importants vestiges provenant des fouilles archéologiques menées dans les villes les plus importantes de l'ancienne Étrurie. Parmi ces œuvres, on trouve des vases, des sarcophages, des bronzes et la collection Guglielmi. Avec la fin de l'État pontifical en 1870, le musée n'a connu que des enrichissements sporadiques mais de grande importance : la collection Falcioni (1898), la collection Benedetto Guglielmi (1935), la collection Mario Astarita (1967), la collection Giacinto Guglielmi (1987). L'une des œuvres les plus spectaculaires du musée est sans doute le char archaïque en bronze laminé et fondu, provenant de la propriété de Roma Vecchia et découvert vers la fin du XVIIIe siècle. Ce char cérémoniel extraordinaire, tiré par deux chevaux (d'où le nom "biga"), nous offre un rare aperçu de la vie aristocratique étrusque et de leur maîtrise du travail des métaux. Un autre trésor d'une valeur inestimable est la célèbre Fibule de la Tombe Regolini Galassi, un bijou en or conservé dans une salle ornée de Scènes de la vie de Moïse et Aaron, fresquées par Federico Barocci et les frères Federico et Taddeo Zuccari. Dans cette salle est conservé le noyau le plus important de la collection grégorienne, trouvé lors d'une fouille en 1836 dans la nécropole du Sorbo de Cerveteri. Les salles abritent également une splendide collection de vases d'origine tant étrusque que grecque. Particulièrement précieuse et d'intérêt culturel est l'amphore attique à figures noires créée par Exékias, qui représente Achille et Ajax occupés à jouer aux dés (vers 540-530 av. J.-C.). On y conserve encore les fresques originales du XVIe siècle, parmi lesquelles se distinguent les œuvres de Federico Barocci et de Federico Zuccari, ainsi que celles de Santi di Tito et Niccolò Circignani, dit le Pomarancio. L'intérêt est également suscité par les peintures murales à la détrempe réalisées à la fin du XVIIIe siècle, qui enrichissent encore l'apparat décoratif.

Galerie des Candélabres

Poursuivons notre itinéraire et entrons dans la somptueuse Galerie des Candélabres, un couloir raffiné de plus de 80 mètres de long. Aménagée pour la première fois entre 1785 et 1788 pendant le pontificat de Pie VI Braschi, la galerie fut entièrement rénovée à la fin du XIXe siècle sous le pape Léon XIII Pecci, à qui l’on doit son apparence actuelle. L’emblème papal incrusté au centre du sol témoigne encore aujourd’hui de son intervention. Le projet de rénovation fut confié à Annibale Angelini, qui fit appel à Domenico Torti et Ludwig Seitz pour la décoration picturale, et à Giuseppe Rinaldi et Luigi Medici pour les splendides marqueteries de marbre. L’aménagement des œuvres suivit des critères de symétrie, pensés pour s’harmoniser avec l’architecture de la galerie, à laquelle on accédait – et on accède encore aujourd’hui – à travers une monumentale grille en bronze. La galerie tire son nom des monumentaux candélabres en marbre, assortis à des colonnes en marbre coloré, qui rythment les six sections d’exposition, entrecoupées d’arcades et de colonnes. Les candélabres, à l’époque romaine, étaient utilisés pour éclairer les temples, les thermes et les demeures patriciennes. Leur décoration élaborée, avec des figures mythologiques, des motifs végétaux et animaux, les rend de véritables chefs-d'œuvre sculpturaux. Parmi les objets les plus suggestifs, prenez le temps d’admirer le sarcophage avec les scènes du mythe de Protésilas, datant de 170 après J.-C. et provenant de la Via Appia. Il s’agit d’un exemple extraordinaire d’art funéraire romain, qui représente la touchante histoire du héros grec, le premier à tomber lors de la guerre de Troie, à qui les dieux ont accordé de revenir un seul jour parmi les vivants, pour revoir sa bien-aimée épouse.

Galerie des Tapisseries

La Galerie des Tapisseries est l'un des espaces les plus fascinants des Musées du Vatican. Longue de plus de 70 mètres, elle a été aménagée au XVIe siècle pour accueillir une série de précieux tapisseries flamandes réalisées entre 1515 et 1521, basées sur des cartons dessinés par l'atelier de Raphaël. Commandés par le pape Léon X, ces extraordinaires ouvrages représentent des épisodes tirés des Actes des Apôtres, parmi lesquels se distinguent la "Pêche miraculeuse" et la "Mort d'Ananie". La galerie a été rénovée en 1838 avec l'insertion de la série de l'École Nouvelle, ainsi appelée pour la distinguer de l'École Ancienne, aujourd'hui exposée à la Pinacothèque Vaticane. Les tapisseries se caractérisent par la finesse technique, l'utilisation de fils d'or et d'argent, et un rendu perspectif soigné. Sur le côté gauche de la galerie, en se dirigeant vers la Chapelle Sixtine, on peut admirer les tapisseries flamandes réalisées dans la célèbre manufacture de Pieter van Aelst, représentant des scènes de l'Évangile : "L'Adoration des bergers", la "Présentation de Jésus au Temple", le "Massacre des innocents" (en deux variantes, une avec un paysage et l'autre avec le Panthéon en arrière-plan), le "Repas à Emmaüs", l'"Apparition de Jésus à sainte Marie-Madeleine" et la "Résurrection de Jésus-Christ". Sur le côté droit, sont exposées les tapisseries avec des Histoires de la vie du pape Urbain VIII, datant du XVIIe siècle et produites dans la manufacture Barberini de Rome. Les tapisseries étaient considérées comme parmi les formes d'art les plus prestigieuses et coûteuses de la Renaissance, souvent estimées même plus que les peintures. Pour chaque pièce unique, il fallait des années de travail de la part de maîtres tisserands hautement spécialisés. La combinaison de soie, laine, or et argent donnait à ces œuvres une élégance et une luminosité uniques. Cette collection constitue l'un des noyaux les plus anciens des Musées du Vatican et témoigne de la passion historique des pontifes pour l'art de la tapisserie, commencée dès le XVe siècle. Bien que des pertes aient été causées par l'usure du temps et les pillages napoléoniens, la collection a conservé certains de ses chefs-d'œuvre les plus célèbres, comme la précieuse tapisserie de la "Cène" inspirée du Cénacle de Léonard de Vinci, offerte en 1533 par le roi de France François Ier au pape Clément VII. Le Département des Tapisseries et Tissus des Musées du Vatican, établi comme une section autonome en 2008, mène des études et recherches scientifiques, organise des colloques et expositions, et s'occupe de la restauration, la protection et la valorisation de ce patrimoine artistique exceptionnel, en collaboration avec des chercheurs et institutions au niveau national et international.

Galerie des Cartes Géographiques

En poursuivant notre chemin, nous entrons dans la Galerie des Cartes Géographiques. Cette immense salle vous laissera sans voix : 120 mètres de longueur pour 6 de largeur. Une incroyable représentation cartographique de l'Italie à la fin du seizième siècle. La Galerie des Cartes Géographiques est située sur le parcours menant à la Chapelle Sixtine ; c'est une représentation cartographique extraordinaire des régions d'Italie, réalisée entre 1581 et 1583. C'est le pape Grégoire XIII Boncompagni qui ordonna la construction de la galerie, et l'œuvre fut réalisée par une équipe d'artistes, dirigée par le mathématicien et géographe Ignazio Danti. Parcourir la galerie équivaut, selon les intentions d'Ignazio Danti, à voyager le long de la dorsale apennine du sud (en partant de la Sicile) vers le nord (jusqu'à l'arc alpin) et à se pencher sur la côte adriatique à l'est et tyrrhénienne à l'ouest. Les cartes, basées sur des relevés géodésiques innovants pour l'époque, montrent des villes, des rivières, des montagnes et des ports, accompagnés de vues en perspective et de détails topographiques surprenants. Sur la voûte, des fresques à sujet religieux et allégorique complètent la narration visuelle, célébrant la grandeur spirituelle et politique de l'Italie catholique du XVIe siècle. La galerie n'est pas seulement un chef-d'œuvre artistique, mais aussi un outil de propagande et d'identité culturelle : une Italie unie dans le regard de l'Église, plus de deux siècles avant son unification politique. Marcher dans ce couloir signifie faire un voyage à travers l'Italie de la Renaissance, entre art, science et foi.

Galerie de Saint Pie V

Dans cette section, nous nous trouvons dans l'aile la plus ancienne des Musées du Vatican, précisément dans les Appartements de Saint Pie V, un pape dominicain qui régna de 1566 à 1572 et qui fut une figure importante de la Contre-Réforme. Ces espaces, transformés en zones d'exposition, offrent une perspective fascinante sur l'art sacré. La galerie fut conçue comme un espace muséal dès le XIXe siècle et abrite aujourd'hui une collection raffinée de tapis orientaux, de majoliques médiévales et de la Renaissance, ainsi que de précieux ameublements liturgiques. Les plafonds de ces salles sont décorés de motifs héraldiques et de scènes de la vie de Saint Pie V, réalisées après sa canonisation. Observez en particulier les armoiries papales avec l'aigle et le dragon, éléments de l'héraldique du pape Grégoire XIII, sous le pontificat duquel ces décorations furent achevées. La collection inclut également des exemples raffinés d'arts décoratifs, parmi lesquels de splendides exemples de mosaïques de micro-mosaïque, une forme d'art spécialisée développée à Rome au XVIIe siècle, où de minuscules tesselles de pierres dures et d'émaux colorés composent des images d'une précision et d'une beauté extraordinaires. Ces petits chefs-d'œuvre, souvent montés en bijoux ou en ornements pour meubles, démontrent la maîtrise des artisans romains et le goût sophistiqué de la cour papale.

Les Chambres de Raphaël

Et nous voici arrivés à l'un des moments les plus attendus de notre parcours : les célèbres Chambres de Raphaël, également connues sous le nom de Chambres Vaticanes. Ces pièces, parmi les plus emblématiques des Musées Vaticans, sont quatre salles magnifiquement fresquées par Raphaël Sanzio et ses élèves, et représentent l'un des sommets absolus de la Renaissance italienne. Un épisode curieux accompagne le début de ce cycle pictural extraordinaire. Lorsque Raphaël, à peine âgé de vingt-cinq ans, arriva au Vatican en 1508 sur l'invitation du pape Jules II, il découvrit que d'autres artistes, dont le Pérugin, son maître, travaillaient déjà dans les mêmes pièces. Cependant, le jeune peintre d'Urbino impressionna profondément le pontife avec sa première fresque, l'extraordinaire Dispute du Saint-Sacrement, à tel point que Jules II ordonna d'effacer les travaux préexistants et confia à Raphaël la décoration intégrale des salles. La première et peut-être la plus célèbre est la Chambre de la Signature, qui abrite certains des chefs-d’œuvre majeurs du peintre : outre la Dispute du Saint-Sacrement déjà mentionnée, dédiée à la théologie, s'y trouve la célèbre École d'Athènes, allégorie de la philosophie classique. Au centre de la fresque, nous voyons Platon et Aristote, entourés d'une multitude de philosophes et de scientifiques de l'Antiquité. Raphaël, avec une grande originalité, attribua les visages de contemporains célèbres à de nombreux personnages : Platon a les traits de Léonard de Vinci, Euclide ceux de Bramante, et Héraclite rappelle Michel-Ange. Dans un coin, parmi les personnages sur la droite, on reconnaît également l'autoportrait de Raphaël lui-même, qui se place dans la scène comme témoin de son temps. En continuant, nous rencontrons la Chambre de l'Incendie de Borgo, réalisée en grande partie par les élèves du maître après sa mort. Les scènes représentent des épisodes historiques liés à l'Église et à la papauté, avec un style qui allie une grande narration et une attention au détail. Le cycle se termine avec la Chambre de Constantin, entièrement exécutée par l'atelier de Raphaël, qui célèbre la victoire du christianisme sur l'empire romain païen. Ses grandes surfaces murales dépeignent des événements cruciaux comme la Bataille du pont Milvius et la Vision de la Croix, dans un langage pictural solennel et célébratoire.

Collection d'Art Contemporain

Poursuivons notre voyage à l'intérieur des Musées du Vatican avec une collection qui surprend par sa richesse et sa modernité : la Collection d'Art Contemporain, qui comprend environ 8 000 œuvres parmi des peintures, sculptures, dessins et graphiques. Ici, l'on trouve des chefs-d'œuvre d'artistes de renommée mondiale tels que Henri Matisse, Marc Chagall, Salvador Dalí, Francis Bacon, Giorgio de Chirico, Carlo Carrà et Lucio Fontana. Particulièrement notable est le noyau dédié aux esquisses pour la Chapelle du Saint-Sacrement et à la célèbre Chapelle du Rosaire de Vence, offerte par Matisse. Cette collection, dirigée par Micol Forti, a été officiellement inaugurée le 23 juin 1973, mais trouve ses racines sous le pontificat du pape Paul VI. Le Pape concevait l'idée d'un musée non pas comme un "superbe et magnifique cimetière" d'œuvres d'art, mais comme un organisme vivant et en constante évolution. Le parcours d'exposition se développe à l'intérieur des Appartements Apostoliques, de l'Appartement Borgia, fresqué par Pinturicchio, jusqu'à la Salle Marescalcia et les petites salles du XVe siècle qui conduisent à la Chapelle Sixtine. Parmi les œuvres les plus émouvantes se distingue la « Piéta » de Van Gogh, une œuvre tardive qui exprime toute la profondeur spirituelle de l'artiste néerlandais. D'un impact fort est également le « Study for Velasquez Pope II » de Francis Bacon, une réinterprétation puissante et inquiétante du célèbre portrait du pape Innocent X réalisé par Velázquez. Cette section témoigne de l'ouverture de l'Église à l'art moderne, compris non seulement comme une expression esthétique mais comme une véritable quête spirituelle. Ce n'est pas une simple exposition, mais un véritable parcours qui interroge le sens du sacré dans l'art du XXe siècle, dépassant les différences stylistiques et théologiques.

Appartements Borgia

Notre itinéraire se poursuit avec la visite des Appartements Borgia, des lieux historiquement liés à Rodrigo de Borja y Doms — italianisé en Borgia — élu pape sous le nom d'Alexandre VI. Son pontificat, qui s'étendit de 1492 à 1503, fut marqué par des événements de grande importance comme la découverte de l'Amérique et le Jubilé de l'an 1500, et sa figure reste indissolublement liée à cette partie de la résidence papale. Les Appartements Borgia se composent de six majestueuses pièces : les Salles des Sibylles et du Credo, situées dans la Tour Borgia ; les Salles des Arts Libéraux, des Saints et des Mystères, dans l'aile bâtie par Nicolas V ; et enfin la Salle des Pontifes, qui se trouve dans la partie la plus ancienne remontant à l'époque de Nicolas III. Aujourd'hui, ces espaces abritent une partie de la Collection d'Art Moderne et Contemporain des Musées du Vatican, inaugurée par Paul VI en 1973. Au cours des siècles, les Appartements Borgia ont connu diverses destinations : ils furent la demeure d'importants "cardinaux-neveux", dont le célèbre Saint Charles Borromée, neveu de Pie IV ; ils devinrent par la suite la Pinacothèque de Pie VII en 1816 et, plus tard, la bibliothèque du cardinal Mai. Ce n'est qu'à la fin du XIXe siècle, grâce à une restauration radicale voulue par Léon XIII, que les appartements furent ouverts au public. Une anecdote intéressante concerne la décoration de ces lieux, également connus sous le nom de "chambres secrètes" : entre 1492 et 1494, Pinturicchio et ses élèves — parmi lesquels Benedetto Bonfigli, Pietro de Volterra, Tiberio d'Assise et Antonio de Viterbe, dit le Pastura — réalisèrent les fresques qui ornent encore aujourd'hui les murs. Après la mort d'Alexandre VI, cependant, aucun pape n'y résida plus ; la résidence fut réservée aux cardinaux neveux, parmi lesquels se trouvait le même Saint Charles Borromée, Secrétaire d'État et neveu de Pie V. Dans la Salle des Saints, je vous suggère de prêter une attention particulière au plafond, une singularité au sein des Appartements Borgia. Contrairement aux autres pièces, il n'est pas décoré de peintures, mais présente un travail raffiné en stuc doré, composé de deux voûtes. Au centre de chaque voûte trônent les enseignes d'Alexandre VI, encadrées dans un soleil rayonnant. Au-dessus de la porte se trouve une Madone avec l'Enfant, qui — selon un témoignage de Vasari — fut erronément identifiée à Giulia Farnèse, célèbre amante du pape. Dans cette salle, des thèmes inspirés de l'antiquité classique et païenne coexistent avec des histoires tirées de l'Ancien et du Nouveau Testament, dans un dialogue iconographique très suggestif. Parmi les lunettes, celle sur le mur du fond, dédiée à la Dispute de Sainte Catherine d'Alexandrie, mérite une attention particulière. La scène se déroule au pied d'un imposant arc de triomphe, modelé sur l'arc de Constantin, et surmonté d'un taureau, symbole héraldique de la famille Borgia. La présence récurrente du taureau souligne la volonté d'Alexandre VI d'associer son image à celle d'un pouvoir fort, charismatique et autoritaire.

Chapelle Sixtine

La Chapelle Sixtine est l'un des plus grands chefs-d'œuvre de l'art occidental et l'un des lieux les plus emblématiques de l'Église catholique. Construite entre 1475 et 1481 sur commande du pape Sixte IV della Rovere, elle fut conçue par Baccio Pontelli et réalisée par Giovannino de' Dolci, en élargissant une ancienne chapelle médiévale préexistante. Selon la tradition, ses dimensions — 40,9 mètres de long, 13,4 mètres de large et 20,7 mètres de haut — reprennent celles du Temple de Salomon décrit dans la Bible. L'architecture est simple et solennelle, conçue pour abriter les célébrations pontificales les plus importantes. La décoration des murs latéraux, réalisée par une équipe de grands maîtres du Quattrocento comme Sandro Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio, Cosimo Rosselli et leurs ateliers, fut achevée entre 1481 et 1482. Elle comprend deux cycles parallèles de fresques : l'un dédié à la Vie de Moïse (murs sud, côté entrée), l'autre à la Vie du Christ (murs nord, côté entrée), soulignant l'unité entre l'Ancien et le Nouveau Testament. La bande inférieure est décorée de tentures peintes en damas, tandis que dans la partie supérieure se trouvent les portraits des Pontifes. Pour compléter la décoration, la voûte était initialement peinte d’un ciel étoilé par Pier Matteo d'Amelia. Le 15 août 1483, le pape Sixte IV consacra la Chapelle, la dédiant à l'Assomption. Ce fut cependant Jules II della Rovere, son neveu, qui transforma profondément la Sixtine : en 1508, il confia à Michel-Ange Buonarroti la tâche de décorer la voûte, qui jusqu'alors arborait le ciel étoilé. Michel-Ange travailla seul, sous de grandes difficultés, sur un échafaudage spécialement conçu, réalisant un cycle de fresques couvrant environ 500 mètres carrés et représentant neuf épisodes de la Genèse, regroupés en trois thèmes principaux : la Création du monde, la Création de l'homme et de la femme, et la Chute avec le Déluge universel. Parmi les scènes les plus célèbres se distingue la « Création d'Adam », où les doigts de Dieu et de l'homme se touchent dans un geste devenu iconique. Entre 1536 et 1541, à la demande du pape Clément VII puis de Paul III, Michel-Ange peignit le mur de l'autel avec le monumental Jugement dernier. Cette extraordinaire fresque représente la seconde venue du Christ et le jugement final, inspirée par les textes du Nouveau Testament. L'œuvre suscita à l'époque un scandale en raison de la présence de figures nues, qui furent en partie couvertes par Daniele da Volterra, surnommé “Il Braghettone”, après le Concile de Trente. Avec cette décoration, la Chapelle Sixtine s’impose comme “le sanctuaire de la théologie du corps humain”, selon les mots de Jean-Paul II. Pendant la seconde moitié du XVIe siècle, les fresques du mur d'entrée ont également été refaites, endommagées par un effondrement en 1522 : Hendrik van den Broeck a repeint la “Résurrection du Christ” de Ghirlandaio, tandis que Matteo da Lecce a restauré la “Dispute sur le corps de Moïse” du Signorelli. Entre 1979 et 1999, la Chapelle Sixtine a fait l'objet d'une restauration complète, qui a aussi concerné les éléments en marbre tels que la tribune des chantres, la balustrade et l'emblème de Sixte IV. Aujourd'hui, la Sixtine n'est pas seulement un chef-d'œuvre artistique, mais reste le cœur battant de la vie de l'Église : c'est ici que se tient le Conclave, l'élection secrète du Souverain Pontife, ainsi que d'autres importantes célébrations pontificales.

Musées de la Bibliothèque Apostolique

La Bibliothèque Apostolique Vaticane, l'une des plus anciennes et prestigieuses au monde, représente le principal gardien du patrimoine manuscrit de l'Église. Sa fondation officielle remonte à 1475, sous le pape Sixte IV, mais ses origines sont liées à l'époque du pape Nicolas V (1447–1455), qui fut le premier à concevoir l'idée d'une bibliothèque publique du papat. Le patrimoine exposé au public ne constitue qu'une partie du vaste archivage, qui compte plus de 80.000 manuscrits, plus de 8.000 incunables — c'est-à-dire des livres imprimés avant 1501 — et des centaines de milliers de volumes rares et modernes. Parmi les trésors exposés se distinguent : des manuscrits enluminés médiévaux et de la Renaissance d'une grande valeur artistique; des codex bibliques comme le célèbre Codex Vaticanus, l'une des plus anciennes versions complètes en grec de la Bible; des cartes anciennes et des dessins cartographiques médiévaux; et des documents historiques uniques, dont des lettres papales et des textes en langues anciennes telles que l'hébreu, le syriaque, l'arabe, l'arménien, le persan et le chinois. Le cœur monumental de la Bibliothèque est représenté par la Salle Sixtine, réalisée entre 1587 et 1589 sur un projet de Domenico Fontana pour la volonté de Sixte V. Ce grand hall rectangulaire, divisé en deux nefs, est décoré de magnifiques fresques qui célèbrent la culture et la foi chrétienne à travers l'histoire de l'écriture. Bien que la plupart du matériel soit réservé à la consultation des chercheurs, le parcours muséal permet d'apprécier la valeur de la parole écrite en tant qu'outil fondamental pour la transmission du savoir, non seulement religieux, mais aussi scientifique, littéraire et humaniste.

Pavillon des Carrosses

Le Pavillon des Carrosses, connu également sous le nom de « Musée Historique des Moyens de Transport », a été créé en 1973 sur l’initiative du pape Paul VI, avec pour objectif de documenter l'histoire des transports pontificaux et le cérémonial lié aux déplacements des papes. Il est situé dans les sous-sols du Palais du Belvédère et fait partie du Musée Historique du Vatican. Le noyau central de la collection, inaugurée officiellement en 1973, est constitué par la magnifique Berlina de Grand Gala, construite à Rome en 1826 pendant le pontificat de Léon XII. C'est un élégant véhicule en bois sculpté et doré, recouvert de velours rouge, destiné aux processions solennelles. À côté de celle-ci, sont exposées neuf berlines cérémonielles ayant appartenu à des papes ou à des princes de la Sainte Église Romaine. Outre les carrosses de « protocole », le musée expose deux berlines de voyage historiques : l'une utilisée par Pie IX à son retour d'exil après les mouvements révolutionnaires de la République Romaine, l'autre pour le dernier voyage en tant que « Pape Roi ». La collection comprend également des litières, des habits de cour et des harnais pour chevaux, qui représentent un précieux témoignage historique de la mobilité pontificale. Le Pavillon illustre aussi la transformation et le progrès des moyens de transport pontificaux avec l’arrivée des premières automobiles. L’entrée au Vatican de la première voiture, une Bianchi Tipo 15 offerte au pape par l'Association des Femmes Catholiques de Milan, eut lieu peu après le début du pontificat de Pie XI. Cependant, c’est avec la signature des Accords du Latran en 1929 que les plus grands constructeurs automobiles internationaux commencèrent à rivaliser pour offrir leurs meilleurs véhicules au pontife. D'une importance particulière est également la chaise gestatoire, utilisée jusqu’au pontificat de Jean-Paul Ier pour transporter le pape sur les épaules des porteurs, symbole de la cérémonie et de la royauté papale avant son remplacement par la papamobile plus moderne. Le Pavillon des Carrosses reflète non seulement l'évolution technique des moyens de transport, mais aussi la transformation de la papauté : d’une figure cérémonielle, souvent inaccessible, à une présence dynamique et proche du peuple, surtout à partir du XXe siècle.

Pinacothèque

La Pinacothèque vaticane est l'une des galeries d'art les plus importantes au monde. Elle fut inaugurée le 27 octobre 1932 à la demande du pape Pie XI, qui confia à l'architecte Luca Beltrami la conception d'un bâtiment spécialement construit au sein du Jardin Carré du XIXe siècle, une zone isolée entièrement entourée d'allées. Ce choix était motivé par le désir de garantir les meilleures conditions de lumière naturelle, fondamentales à la fois pour la bonne conservation des peintures et pour leur mise en valeur esthétique optimale. La création de la Pinacothèque vaticane résolut enfin la question récurrente de l'exposition des œuvres picturales, qui, jusqu'alors, avaient été continuellement déplacées dans les Palais Apostoliques, dépourvus d'un emplacement adéquat à leur importance. L'histoire de la collection plonge ses racines au XVIIIe siècle : une première collecte de 118 tableaux d'une grande rareté fut constituée autour de 1790 par le pape Pie VI, mais elle ne dura pas longtemps. En effet, à la suite du Traité de Tolentino de 1797, nombre de chefs-d'œuvre furent transférés à Paris. L'idée d'une pinacothèque moderne, conçue comme une exposition stable et ouverte au public, prit forme seulement en 1817, après la chute de Napoléon et la restitution à la papauté de nombreuses œuvres grâce aux décisions du Congrès de Vienne. Depuis lors, la collection s'est progressivement enrichie grâce à des dons et des acquisitions, jusqu'à atteindre aujourd'hui un noyau d'environ 460 peintures, réparties dans dix-huit salles organisées selon des critères chronologiques et d'école artistique, allant des Primitifs des XIIe et XIIIe siècles jusqu'au XIXe siècle. En visitant la Pinacothèque, on peut admirer de véritables chefs-d'œuvre de la peinture italienne, comme la célèbre "Transfiguration" de Raphaël, dernière œuvre de l'artiste, qui se distingue par son intensité lumineuse et sa puissance compositionnelle. Également marquant est le "Saint Jérôme" de Léonard de Vinci, tableau inachevé mais emblématique du génie leonardesque, avec son étude anatomique et l'expressivité des visages. L'intensité dramatique du "Christ déposé" de Caravage, avec son contraste entre lumière et ombre, laisse une impression indélébile. À côté de ceux-ci, la collection comprend des œuvres d'artistes essentiels comme Giotto, Fra Angelico, Melozzo de Forlì, Pérugin, Titien, Véronèse, Guido Reni, Poussin, Murillo, Sassoferrato et bien d'autres. La Pinacothèque abrite également des retables, polyptyques et icônes représentant huit siècles d'art sacré, dans un dialogue continu avec la foi chrétienne.

Musée Grégoirien Profane

Le Musée Grégorien Profane, actuellement partie des Musées du Vatican, abrite une vaste collection d'antiquités classiques d'époque grecque et romaine. Il fut fondé le 16 mai 1844 par le pape Grégoire XVI dans le Palais Apostolique du Latran, dans le but de rassembler et de valoriser les découvertes archéologiques issues des fouilles dans l'État Pontifical, notamment dans des zones comme Rome, Cerveteri, Véies et Ostie. Outre les matériaux archéologiques, le musée accueillait également de nombreuses œuvres déjà conservées dans les dépôts pontificaux. Dans les années soixante, sur ordre du pape Jean XXIII, toutes ces collections furent transférées au Vatican. Le nouveau bâtiment muséal, conçu par le cabinet Passarelli, a été inauguré en 1970 par le pape Paul VI. L'architecture favorise la lumière naturelle, grâce à de grandes baies vitrées et des lanterneaux, tandis que les murs modulaires en grilles métalliques permettent d'organiser les espaces de manière flexible, tout en maintenant une disposition basée sur l'origine des œuvres. Le parcours d'exposition est divisé en cinq sections, qui illustrent l'évolution de l'art classique de la Grèce antique jusqu'à la fin de l'époque impériale romaine. Il commence par des sculptures grecques originales, telles que des stèles funéraires, des reliefs votifs et des fragments architecturaux. Suit une section dédiée aux copies romaines d'œuvres grecques, parmi lesquelles des portraits et des sculptures idéales. Enfin, le musée présente des sculptures et des sarcophages romains datant des premiers siècles de l'Empire, disposés par ordre chronologique. Parmi les pièces les plus connues se trouvent la Statue de Sophocle, une copie romaine en marbre d'un original grec en bronze, trouvée à Terracina en 1839 et offerte à Grégoire XVI; le Niobide Chiaramonti, copie romaine en marbre d'une œuvre attribuée à Skopas ou Praxitèle, provenant du Temple d'Apollon Sosianus à Rome; et le portrait en marbre de Cléopâtre VII, datant entre 50 et 30 av. J.-C. La collection inclut également des bustes, des autels votifs et d'autres sculptures romaines datant entre le Ier et le IIIe siècle après J.-C. Vers la fin du XIXe siècle, une section dédiée à l'épigraphie païenne fut ajoutée, élargissant encore davantage le patrimoine exposé. L'entrée du musée se trouve à l'intérieur de la Pinacothèque Vaticane, en direction du vestibule d'entrée des Musées du Vatican. Le Musée Grégorien Profane offre ainsi un voyage fascinant dans l'art, la culture et l'histoire funéraire de l'antiquité classique.

Musée Pio Cristiano

Le Musée Pio Cristiano a été fondé en 1854 par le pape Pie IX, quelques années après la création de la Commission d'Archéologie Sacrée, établie pour coordonner les fouilles dans les catacombes romaines. Le musée est né avec l'intention de rassembler et de conserver ces vestiges paléochrétiens qui ne pouvaient pas être laissés sur place. Les premières expositions ont été organisées par deux pionniers de l'archéologie chrétienne, le père Giuseppe Marchi et Giovanni Battista de Rossi, et le musée a trouvé son premier emplacement au Palais du Latran. En 1963, à l'initiative du pape Jean XXIII, les collections ont été transférées au Vatican, dans un nouveau bâtiment conçu par le cabinet Passarelli, déjà responsable de l'agrandissement du Musée Grégorien Profane. La nouvelle installation a été inaugurée en 1970 par le pape Paul VI. Le musée se concentre sur l'art paléochrétien du IIe au Ve siècle après J.-C., avec une collection unique de statues, sarcophages, inscriptions, mosaïques et autres objets provenant principalement des catacombes romaines. Les œuvres exposées racontent la vie, la foi et la culture de la première communauté chrétienne. Le parcours s'articule en deux sections principales. La première expose des monuments sculpturaux, architecturaux et en mosaïque, avec une collection extraordinaire de sarcophages ordonnés par thèmes iconographiques et scènes bibliques, suivant un critère didactique et chronologique. La deuxième section est dédiée au matériel épigraphique, organisé par époque et sujet, accessible avant tout aux chercheurs sur demande. Parmi les artefacts les plus emblématiques, on distingue la statuette du Bon Pasteur, datant du début du IVe siècle après J.-C. Il s'agit d'une réélaboration du XVIIIe siècle obtenue en transformant un fragment de sarcophage en une sculpture en ronde-bosse, avec l'ajout des parties manquantes. L'image du pasteur qui porte l'agneau sur ses épaules représentait pour les chrétiens l'iconographie du Christ comme "bon pasteur", figure centrale dans l'Évangile. Parmi les autres pièces importantes, on trouve le Sarcophage de la voie Salaria, décoré avec des images du pasteur et de l'orant, et le Sarcophage de Jonas, qui représente des scènes bibliques liées au salut et à la résurrection. Les sarcophages chrétiens du musée sont non seulement des chefs-d'œuvre de l'art funéraire, mais aussi de précieuses témoignages des premières croyances chrétiennes sur l'au-delà. Décorés de symboles comme le poisson, la croix et des scènes du Nouveau Testament, beaucoup présentent des inscriptions qui offrent des informations historiques sur les défunts et sur les communautés chrétiennes de l'époque.