Museo: Museo della Calzatura di Villa Foscarini Rossi

Introduction - Entrée (Salle 1)

Le Musée de la Chaussure est situé dans la villa principale du complexe du XVIIe siècle de Villa Foscarini Rossi, sur les rives du fleuve Brenta. Il a été commandé par le noble vénitien Jacopo Foscarini comme lieu de villégiature et conçu par l'architecte Vincenzo Scamozzi. Au fil des ans, la propriété a changé de mains et chaque famille a adapté la demeure à ses propres besoins et aux goûts de son époque. Le bâtiment actuel est le résultat des dernières rénovations du XIXe siècle, parmi lesquelles on remarque immédiatement : la suppression de la mezzanine pour permettre au rez-de-chaussée d'avoir la même hauteur que l'étage noble, la suppression de l'escalier extérieur et l'ajout des deux terrasses symétriques. À la fin des années 1980, elle a été achetée par l'entrepreneur en chaussures Luigino Rossi. En 1993, après une importante restauration, la Villa et la Foresteria ont été ouvertes au public, transformées respectivement en musée d'entreprise de l'usine de chaussures Rossimoda et en centre de congrès, qui accueille des événements prestigieux. Le gisement historique de l'entreprise occupe environ 700 mètres carrés des deux étages du bâtiment principal et comprend plus de 1350 modèles de chaussures de luxe pour femmes, produites par l'entreprise depuis le début des années 1960, en collaboration avec une vingtaine des plus prestigieuses maisons de couture de la scène internationale, dont Christian Dior, Yves Saint Laurent, Fendi, Porsche Design et Calvin Klein.

Cage d'escalier (Salle 2)

Depuis 2003, le complexe de Villa Foscarini Rossi appartient au groupe LVMH. La propriété est située au cœur du quartier de la chaussure de la Riviera del Brenta, qui s'étend le long de l'ancien lit du fleuve Brenta, entre les provinces de Padoue et de Venise, célèbre dans le monde entier pour sa production de chaussures de luxe et de marque pour femmes. La tradition manufacturière de cette région a des origines illustres, remontant à la "Scola dei Calegheri", une confrérie de cordonniers et de savetiers, attestée dès 1268, qui, dans la Sérénissime République, avait pour tâche de satisfaire des clients riches et exigeants comme les nobles vénitiens, stimulant nos ouvriers à produire des objets de plus en plus sophistiqués et précieux, pour lesquels ils sont encore célèbres aujourd'hui.

Chaussures anciennes et ethniques (Salle 3)

Dans le hall du rez-de-chaussée, vous pouvez également admirer une collection de chaussures anciennes et ethniques, rassemblées par le fondateur au fil des ans lors de ses innombrables voyages d'affaires. Cet espace nous permet de préparer nos invités à l'idée que la chaussure n'est pas seulement un accessoire, mais aussi un langage, avec lequel chacun de nous, sans avoir besoin de mots, peut raconter quelque chose de lui-même, de son environnement de travail, de la société dans laquelle nous vivons et de la classe sociale à laquelle nous appartenons ou aspirons à appartenir. Cette fonction a toujours été remplie par les chaussures (de tout temps) et partout (en tout lieu), comme en témoignent largement les objets qui nous entourent dans cet espace. Un exemple est celui des mocassins portés par les Amérindiens, qui, à partir des motifs et des couleurs des perles dont ils sont décorés, nous renseignent à la fois sur la tribu d'appartenance et sur la classe sociale ou le rôle occupé au sein de celle-ci.

Salle 4 (Marc by MJ, Vera Wang, Calvin Klein)

Les salles suivantes abritent quant à elles la production de l'usine de chaussures. Le critère utilisé pour l'exposition met en lumière la contribution de chaque styliste à l'évolution de la mode sur une période déterminée, qui correspond à la durée de la collaboration, et démontre en même temps la capacité des artisans du district à répondre aux exigences des stylistes les plus exigeants. Un autre aspect mis en évidence est la provenance géographique de la marque : les maisons de couture américaines, anglaises et allemandes sont exposées au rez-de-chaussée, tandis que les françaises, italiennes et espagnoles se trouvent au premier étage. Ceci parce que la chaussure est un accessoire qui doit équilibrer les exigences esthétiques et fonctionnelles, et même l'artiste le plus rebelle est influencé par son territoire d'origine ; le sens pratique des Nordiques qui caractérise le rez-de-chaussée est moins évident au premier étage avec les Méditerranéens, qui sont plutôt enclins à accorder une plus grande attention aux aspects esthétiques. Cette dernière réflexion valorise également le choix du contenant : la demeure historique. Les fruits de cette terre sont la civilisation des villas vénitiennes et le district de la chaussure, et certainement le sens des proportions, l'harmonie et un certain type de goût qui caractérisent nos bâtiments historiques ont influencé notre façon de produire, la faisant se distinguer de tous les districts de la chaussure dispersés dans le monde entier par son élégance et son équilibre. Dans cette salle, vous pourrez admirer les populaires "souris" de Marc by MJ, produites depuis 2003 pendant plusieurs saisons avec des matériaux toujours nouveaux ; les modèles de cérémonie avec lesquels Vera Wang habille la haute société aux États-Unis (et au-delà) le jour de leur mariage ; et les chaussures Calvin Klein, produites dans les années 1990, une période de grande notoriété pour le styliste, qui s'est distingué comme l'un des pionniers du minimalisme, comme en témoignent les pièces "essentielles et rigoureuses" présentes dans les vitrines.

Salle 5 (Salle gothique)

Ce petit bijou de décoration "romantique" a probablement été exécuté par les décorateurs de l'école de Jappelli, vers la fin des années 1830. La reprise du style néogothique, qui simule l'intérieur d'une cathédrale, mêlée à des réminiscences classiques, avec les niches abritant certains des sept sages mentionnés par Platon et Plutarque, suggèrent que la fonction de cet espace était dédiée à un cabinet de travail ou à une bibliothèque.

Salle 6 (Anne Klein, Andrea Pfister, Richard Tyler, Donna Karan)

La salle d'Anne Klein, styliste américaine qui a connu son heure de gloire dans les années 70 et 80, accueille tous les créatifs qui, au fil du temps, ont travaillé pour elle, reprenant le flambeau : l'obsession de trouver le juste équilibre entre confort et design. Peut-être que l'"élève" qui a le mieux accompli cette tâche est Donna Karan : en bonne New-Yorkaise, dynamique et indépendante, elle a su créer des vêtements et des accessoires qui conviennent parfaitement à la femme d'aujourd'hui, qui défend son autonomie, mais ne veut pas renoncer à mettre en valeur sa féminité. Ainsi, dans les chaussures, on retrouve de nombreux "talons compensés", qui permettent d'augmenter la surface d'appui, facilitant l'équilibre, et remplaçant même parfois les tiges habituelles (la partie supérieure de la chaussure), par du tissu élastiqué, afin de promettre également un chaussant plus confortable. Le meilleur exemple est certainement la sandale en daim noir portée par Sharon Stone dans la suite du film "Basic Instinct".

Salle 7 (Salle égyptienne)

La salle égyptienne, jumelle de la salle gothique, reprend un autre des thèmes chers à la fin de la seconde moitié du XIXe siècle : l'égyptomanie. Probablement influencée par la campagne de Napoléon en Égypte, et pour nous Vénitiens, par la fierté d'avoir donné naissance, dans la ville voisine de Padoue, à l'explorateur Gianbattista Belzoni, qui, par sa vie aventureuse et ses découvertes étonnantes, a inspiré le personnage d'Indiana Jones au scénariste George Lucas, pour sa série de films à succès. Cet espace abrite la "Collection Capsule" 2015 du créateur anglais Nicholas Kirkwood. Avec l'intention de célébrer les années 80, telles qu'il s'en souvenait enfant, il crée des modèles qui font référence aux films et aux jeux qui ont peuplé son enfance. Voici donc les atmosphères "neon city" de Blade Runner, plutôt que le robot de Star Wars ou l'inoubliable Millennium Falcon. Et qui n'a jamais joué à Pac-man ? Les voitures Hot Wheels de Mattel sont bien représentées par une carrosserie métallique rouge flamboyant, mais une autre obsession demeure, la légendaire DeLorean de "Retour vers le futur", pour finir par le véritable protagoniste du siècle, celui qui a tout changé : la carte mère du premier Macintosh.

Salle 8 (Laboratoire)

Dans la salle-laboratoire, on raconte comment les chaussures étaient fabriquées HIER ; avec le monde du cordonnier et tout ce qui était nécessaire et suffisant pour fabriquer une paire de chaussures et comment elles sont fabriquées AUJOURD'HUI, grâce à la table du modéliste avec tous ses accessoires et aux images des macro-étapes qui caractérisent la production complexe d'aujourd'hui. La deuxième image est peut-être la plus évocatrice : les figures floues du styliste et du modéliste (la maison de couture et la manufacture) qui, malgré des intérêts souvent opposés, doivent, par un dialogue continu et constant, poursuivre l'objectif commun de transformer l'œuvre d'art de l'artiste (l'esquisse) en un PRODUIT : c'est-à-dire quelque chose qui peut être porté, reproduit industriellement et, enfin et surtout, attrayant pour le marché.

Salle 10 (Petite église)

Cet espace, dédié à la "Madonna delle Grazie", remplace l'ancienne église qui se trouvait à l'intérieur du parc jusqu'à la seconde moitié du XVIIIe siècle. Lorsque le palais fut rénové au début du XIXe siècle sous la nouvelle aile ouest, il fut décidé de placer l'oratoire actuel avec une porte vers l'extérieur, dans le but de faire participer la communauté locale à la vie religieuse de la famille, comme le préconisaient les nouveaux principes d'égalité et de fraternité, diffusés par les campagnes napoléoniennes. Le mobilier d'origine comprend : un crucifix en bois sur le mur, de fabrication artisanale vénitienne, au-dessus de la porte intérieure, les tableaux des 14 stations du Chemin de Croix, la lampe à huile en laiton repoussé, datée de 1857, et le retable de l'école vénitienne du XIXe siècle, qui représente une Vierge à l'Enfant. Proviennent en revanche d'acquisitions récentes : la statue processionnelle en bois blanc de Saint Louis de Gonzague, la châsse contenant les reliques de Saint Crépin, le saint martyr qui, avec son frère Saint Crépinien, était cordonnier, déjà saint patron des cordonniers en France, puis élu saint patron des cordonniers de la Riviera del Brenta. Mérite une attention particulière la fresque détachée d'un peintre vénitien datée de 1565, qui représente une Vierge à l'Enfant, entourée à droite de Saint Roch (protecteur des lépreux et plus généralement contre les pestes) et à gauche de Saint François (reconnaissable à l'habit de moine, la blessure au côté, le crucifix dans une main et dans l'autre le livre fermé de la Règle franciscaine). L'enfant Jésus est représenté debout, nu avec un collier de corail autour du cou. Il s'agit d'une coutume, que l'on retrouve dans les peintures du XVIe siècle, reprise de la tradition populaire, selon laquelle de tels colliers ou bracelets, outre leur valeur ornementale, étaient considérés comme de véritables amulettes, auxquelles on attribuait le pouvoir magique d'éloigner le mauvais œil et de protéger contre les maladies.

Salle 11 (Porsche Design)

Luigino Rossi rencontre Ferdinand Alexander Porsche lors des défilés YSL et, grâce à leur passion commune pour les voitures de sport, les deux décident d'essayer de faire quelque chose ensemble. Dans cet espace, nous pouvons voir tous les éléments qui caractérisent le processus créatif : à notre gauche l'ARTISTE : l'image de Ferdinand Alexander Porsche ; devant l'ŒUVRE D'ART : 5 des croquis que le studio Porsche a envoyés à notre manufacture ; sur le côté opposé, mais surtout sous les fenêtres, la SOURCE D'INSPIRATION : les voitures produites par le constructeur automobile ; Mais voici que la Riviera del Brenta entre en scène, avec ses compétences : à droite nous voyons le PROJET du modéliste, la tentative de nos techniciens, de commencer à donner une tridimensionnalité à l'idée initiale. Et enfin le PRODUIT : dans les deux colonnes on voit respectivement les modèles "Formule 1" et "Grand Tourisme", produits toujours les mêmes depuis 1978, en changeant seulement les matériaux. Ce sont les premières "Car-shoes" de l'histoire de la Mode : un accessoire confortable et pratique pour conduire la voiture de sport par excellence. Son profil reprend la silhouette de la Porsche 911 et la semelle montée sur la chaussure reprend également le dessin de la bande de roulement du pneu Pirelli P6, encore une fois celui monté sur la Porsche 911. Nous aimons souligner que certains modèles sont manifestement en pointures féminines, donc ce modèle, pour conduire une voiture de sport, prérogative du monde masculin jusque-là, ouvre un nouveau monde et de nouvelles habitudes au genre féminin. Cela nous rappelle que la Mode, en plus d'avoir pour tâche de photographier la société à un moment historique donné, peut aussi assumer la responsabilité de suggérer de nouveaux comportements, plus éthiques et inclusifs.

PREMIER ÉTAGE - Salle 12 (Christian Dior et Christian Lacroix)

En montant au premier étage, on découvre les collaborations avec les créateurs méditerranéens et on perçoit immédiatement une atmosphère différente, plus concentrée sur les valeurs artistiques, particulièrement évidente dans les créations signées Christian Dior. Il s'agit des pièces les plus précieuses du musée, pour la plupart des prototypes dont il n'existe aucune autre copie au monde, produites par la maison de couture des années 1950 aux années 1970. Christian Dior a été l'un des premiers couturiers à concevoir des chaussures spécialement pour ses vêtements, célèbre pour son obsession du "total look". Il souhaitait que ses clientes quittent son atelier habillées "Christian Dior" de la tête aux pieds. Pour y parvenir, il lui fallait cependant trouver les bons collaborateurs. Ainsi, à partir de 1953, il accepta d'être assisté par le modéliste Roger Vivier. Ce fut une intuition heureuse : la collaboration dura jusqu'en 1963 (survivant même à la mort de Dior en 1957) et connut un grand succès ; après les deux premières années de production uniquement sur mesure, ils commencèrent à produire sous licence, grâce au fabricant Charles Jourdan, du prestigieux district français de la chaussure de Romans. C'est à cette occasion, au début des années 1960, que Luigino Rossi, qui connaissait un membre de la famille Jourdan, se retrouva à travailler à leurs côtés pour répondre aux demandes d'un marché inopinément réceptif. De cette expérience, le jeune entrepreneur, qui jusqu'alors ne s'était adressé qu'à un marché local, découvrit qu'il était capable de satisfaire une niche exclusive et exigeante, de gagner 30 % de plus sur chaque paire vendue, et que les produits "se vendaient tout seuls" grâce à la notoriété de la marque et à des canaux de distribution déjà existants et bien organisés. À la lumière de ces réflexions, il décida, en 1963, de se proposer au jeune styliste Yves Saint Laurent, qui venait d'ouvrir sa propre maison de couture après avoir collaboré avec Dior pendant plusieurs années. Une collaboration qui allait durer 38 ans commença : Yves allait devenir le Styliste avec un grand "S", et Rossimoda, d'une part, serait portée par son succès et, d'autre part, y contribuerait. À partir de ce moment, de nombreuses maisons de couture allaient se tourner vers le fabricant, lui demandant de fabriquer des chaussures, notamment grâce à son expertise reconnue dans la production de contreforts pour bottes, que le jeune styliste contribua à rendre très à la mode...

Salle 13 (Yves Saint Laurent années 1970)

Les prochaines salles sont dédiées à Yves Saint Laurent. Ayant collaboré avec la manufacture pendant 38 ans, il a été possible de créer un parcours chronologique, en lui dédiant trois salles : une pour les années 60 et 70, une pour les années 80 et une pour les années 90. Nous sommes fiers d'avoir travaillé avec lui, car c'est un styliste qui a su révolutionner la société avec ses vêtements : il s'est emparé d'éléments du vestiaire masculin, tels que le smoking, la saharienne, le trench-coat, le caban et la botte (prérogative jusqu'alors des hommes et des femmes de "mauvaise vie"), pour les offrir aux femmes, dans un moment historique de lutte pour l'émancipation féminine ; il leur a donné le courage d'oser... Dans cette première salle, il y a des pièces qui ont accompagné des moments cruciaux de l'histoire de la mode, de la botte portée avec la saharienne à celles des défilés de 1976 inspirés des Ballets Russes ou la sandale verte du "défilé du scandale" de 1971. Sur les murs, vous pouvez admirer les cartes de vœux que le styliste créait chaque année en édition limitée pour ses amis, ses importants clients, mais aussi pour tous ses employés ; selon lui, le plus beau message à souhaiter à quiconque était d'aimer et d'être aimé. Ainsi, il proposait ses "love" chaque année, toujours les mêmes mais toujours différents...

Salle 14 (Yves Saint Laurent années 1980)

Les années 1980 sont une décennie dont on se souvient pour son grand optimisme, sa confiance en un monde meilleur et son attrait pour un goût opulent. Les modèles sont donc voyants, très décorés, des pièces à forte personnalité. Emblématique parmi toutes, l'escarpin en vipère dorée, dont la précieuse surface a été recouverte de peinture dorée en spray, juste pour le plaisir de la rendre plus éclatante. Amusantes aussi sont les "compensées à pois" posées sur une fausse pelouse, qui nous rappellent comment l'attentionné Yves n'oubliait jamais d'avoir des talons similaires chaque saison, afin que ses "amies-clientes" n'aient pas à renoncer à "être à la hauteur" lorsqu'elles organisaient des pique-niques ou des fêtes dans le jardin.

Salle 15 (Yves Saint Laurent années 1990)

Les années 1990 sont une période difficile pour le styliste : lié à ses jeunes années, il devient nostalgique et a du mal à interpréter la contemporanéité. Dans l'exposition de cette salle, on remarque de nombreux "remakes" de succès du passé, comme si Yves cherchait à nouveau cette popularité perdue...on revoit les emblématiques cuissardes de mousquetaire en cuir de crocodile (il en a fallu deux pour cette précieuse paire) créées par Roger Vivier pour YSL en 1963, les sandales de la collection scandaleuse de 1971, mais surtout la Pilgrim, la plus populaire de toutes : la chaussure que, une fois de plus, Roger Vivier réalise pour son ami Yves et que ce dernier fait porter à la jeune Catherine Deneuve, dans le film "Belle de Jour" du réalisateur Louis Buñuel. Dans le film, l'actrice interprète une jeune fille bourgeoise qui mène une double vie : le jour, lorsque son mari quitte la maison pour aller travailler, elle se rend dans une maison de rendez-vous et rencontre de jeunes inconnus. Les chaussures jouent un rôle de premier plan dans la scène "clé", où Séverine, la protagoniste, décide de changer de vie. À partir de ce moment, les magasins qui les vendent auront de longues files d'attente de jeunes issus de "bonnes familles" qui souhaitent se rebeller contre une éducation bourgeoise et restrictive.

Salle 16 (Givenchy)

Les salles de cette aile du musée racontent les collaborations les plus récentes entre l'entreprise et les maisons de couture. La réflexion la plus intéressante sur laquelle se concentrer dans ces espaces est probablement celle de tenter de saisir les efforts des jeunes créatifs qui se trouvent à travailler pour ces marques, certainement très prestigieuses, mais tout aussi encombrantes, pour lesquelles ils ont la lourde tâche de créer des produits qui soient avant tout originaux, ensuite qui saisissent l'esprit du temps (qui puissent être considérés comme "à la mode"), mais surtout qui soient "reconnaissables", c'est-à-dire qui représentent les "codes" de la marque, cet ADN qui maintient la cohérence dans les collections et fidélise la clientèle. Bien évidemment, chacun d'eux interprète ces codes différemment. Par exemple, dans la salle dédiée à Givenchy, vous pouvez admirer à gauche les chaussures produites dans les années 70 et 80, lorsque le directeur créatif de la maison était encore Monsieur Hubert et la muse Audrey Hepburn, tandis qu'à droite se trouvent les pièces produites à partir de l'an 2000, où les nouveaux directeurs créatifs ont interprété différemment le style de l'inventeur de la petite robe noire : Alexander McQueen dans la colonne 129, Julien Macdonald dans la 130 et Riccardo Tisci dans les colonnes 124, 125, 126 et 127.

Salle 17 (Fendi et Genny)

Rossimoda a collaboré avec les cinq sœurs Fendi pendant une décennie, autour des années 1990, alors que leur directeur créatif était le talentueux Karl Lagerfeld, qui a réussi à rendre luxueux et originaux même les mocassins les plus banals, bien que notre attention soit certainement captée par les sandales à talon suspendu, au centre de cette salle : imaginées par le styliste pour l'été 2000 et ébauchées dans un croquis, visible au centre du mur entre les deux fenêtres, elles ont été réalisées par notre bureau de Modélisation avec beaucoup d'efforts d'imagination, pour trouver les bonnes proportions du levier, qui devait remplacer le talon et surtout identifier le matériau avec lequel le fabriquer, car il devait être suffisamment robuste pour supporter le poids du corps et ses contraintes en mouvement, mais en même temps être suffisamment souple pour accompagner la démarche féminine avec douceur : seul l'acier trempé s'est avéré répondre à ces exigences. Le modèle le plus précieux a ensuite été peint à la main sur la tige et la semelle intérieure avec une orchidée, la fleur préférée du styliste.

Salle 18 (Celine)

Celine est la marque avec laquelle la manufacture collabore actuellement, avec Givenchy, et celle avec laquelle elle réalise la majeure partie de son chiffre d'affaires, à tel point que, il y a quelques années, le groupe financier du luxe LVMH, qui a acquis Rossimoda en 2003, a décidé de la fusionner avec la maison de couture, la nommant officiellement "plateforme industrielle Celine". Cet espace abrite des chaussures créées pour différents directeurs créatifs, d'Ivana Omazic à Phoebe Philo jusqu'aux créations d'Hedi Slimane. Il s'agit de modèles aux lignes élégantes mais épurées, avec des innovations audacieuses qui les rendent très contemporains, voire futuristes par moments, sans oublier un clin d'œil à la tradition, qui nous rappelle comment cette marque est née à Paris en tant que boutique de chaussures élégantes pour enfants en 1945 grâce à Céline Vipiana, aidée par son mari. La sandale Kitaro de 2009 et l'"escarpin-pied" surréaliste produit en 2013 sont particulièrement frappants.

Salle 19 (Emilio Pucci et Loewe)

Enrique Loewe était un maroquinier d'origine allemande qui, en 1846, a lancé son activité à Madrid avec un groupe d'artisans espagnols, acquérant une grande notoriété pour la qualité de ses produits, à tel point qu'il devint très vite le fournisseur de la maison royale espagnole. Dans la sandale de la colonne centrale, côté droit, on remarque comment, pour décorer la tige, on a récupéré les embouts dorés qui protégeaient les points les plus délicats des malles rigides, caractéristiques de cette maison de couture, qui l'ont rendue célèbre dans le monde. Les créations d'Emilio Pucci, quant à elles, se distinguent par leurs motifs kaléidoscopiques et leur goût opulent. La "sandale Palio" de la collection 2003 est peut-être l'un des meilleurs exemples de la combinaison du contemporain et de la tradition, s'inspirant des dessins des drapeaux des quartiers du Palio de Sienne et des couleurs de l'île de Capri, "refuge" bien-aimé du fondateur de la maison de couture. Mais on ne peut quitter cette pièce sans s'attarder sur la sandale décorée de perles de rivière, de cristaux Swarovski et de plumes : reconnaissez-vous le motif imprimé sur la semelle intérieure de nettoyage ? Il s'agit d'un hommage aux fresques de la Chapelle Sixtine peintes par Michel-Ange à Rome en 1512.

La visite du musée

La visite du musée est arrivée à sa conclusion. Nous espérons que nos invités ont compris à quel point ces précieux accessoires, nés de créateurs illustres, pour pouvoir voir le jour, nécessitent en réalité une myriade d'étapes complexes et une multitude de personnes aux connaissances et compétences sophistiquées, que le monde de la mode trouve encore aujourd'hui dans la tradition du territoire de la Riviera del Brenta.

LA FORESTERIA - Introduction (sous le Portique)

Dans la première moitié du XVIIe siècle, la famille Foscarini acquit un tel prestige qu'elle jugea inadéquat le Salon au premier étage de la villa principale pour recevoir ses invités. Elle décida donc de transformer un hangar à outils du XVIe siècle en "foresteria", un lieu pour accueillir "les étrangers", leurs invités. L'architecte vénitien Francesco Contin, qui avait déjà travaillé pour les Foscarini à Venise, dans l'église Sant'Angelo Raffaele, fut probablement chargé des travaux. Le grand corps central, servant de salle de bal et de réception, fut entouré de deux ailes latérales symétriques, avec de nombreuses pièces fonctionnelles pour l'accueil et précédé d'un portique traversant, caractérisé par de larges arcs et un "plafond à la Sansovino". Ce fut Alvise Foscarini, neveu de Jacopo, qui décida en 1652 de faire décorer la salle de bal pour commémorer le mariage de son fils Giovanni Battista et de la noble vénitienne Chiara Soranzo. À cette fin, il fit appel aux meilleurs peintres de l'époque : Domenico de' Bruni pour la perspective et Pietro Liberi pour les allégories.

Perspective

Domenico de' Bruni (1591-1666) était un peintre originaire de Brescia, une ville célèbre pour ses artistes spécialisés dans la perspective. L'atmosphère de la composition rappelle beaucoup l'œuvre du Véronèse, grâce à ses couleurs claires, la solennité de la décoration et l'invention du "en plein air", présent aussi bien au plafond que sur les murs. L'hommage à l'artiste du XVIe siècle est probablement dû également au lien entre la famille Foscarini et la famille Barbaro (une fille de Jacopo avait épousé le fils de Marc' Antonio Barbaro, mécène de Palladio et du Véronèse à la Villa Barbaro de Maser). Mais le peintre s'adapte au goût de l'époque baroque en dilatant l'espace environnant par l'impression de tridimensionnalité, obtenue grâce à l'illusion d'optique des pleins et des vides et aux trois ordres de colonnes avec le plafond à caissons en perspective. Pour donner encore plus l'impression de profondeur, l'artiste a éliminé la balustrade qui séparait normalement le monde réel du monde virtuel et l'a remplacée par un escalier, invitant le visiteur à entrer dans son monde imaginaire. Il perce également le plafond avec un second étage virtuel, une fausse balustrade et de fausses portes qui mènent à de fausses pièces.

Allégories

Les allégories à l'intérieur des quadratures sont attribuées à Pietro Liberi (1605-1687), un peintre vénitien, élève du Padovanino, qui avait beaucoup étudié et voyagé. Son succès à son époque est dû surtout à sa prédilection pour l'art profane plutôt que pour l'art sacré, dans l'art profane pour les nus, en particulier les nus féminins, et pour avoir donné beaucoup de grâce et de sensualité à ces images, au point d'être considéré par ses contemporains comme un peintre libertin ; on le reconnaît à ses atmosphères véronaises, sa palette de couleurs claires, ses femmes aux corps abondants, aux petits visages, aux bouches fines et aux yeux en amande. Mais c'est un homme de son temps, car il est capable de donner à toutes ces influences un nouveau dynamisme, qui représente bien l'esprit baroque. Un exemple en est donné par ses personnages au premier plan, peints en diagonale pour accentuer l'idée de mouvement. Le mécène Foscarini lui demanda de représenter sur les murs la mission de la famille noble, qui doit toujours être un exemple de vertu, aussi bien en temps de paix qu'en temps de guerre.

Allégorie de la Guerre

EN TEMPS DE GUERRE, le gentilhomme a le devoir de résoudre les conflits, non par la lutte armée, comme on le voit en arrière-plan, mais par la diplomatie (ce pourrait être un hommage à l'ancêtre Jacopo, qui avait joué le rôle de pacificateur de la Méditerranée, après la bataille de Lépante, entre chrétiens et turcs), en s'entourant de DOCTRINE (reconnaissable au sceptre avec le soleil, la connaissance qui éclaire les ténèbres de l'ignorance), d'ÉLOQUENCE (avec une horloge à la main, pour rappeler que les paroles sont plus convaincantes lorsqu'elles sont mesurées), mais il est contraint de sacrifier la VÉRITÉ (reconnaissable car elle est toujours nue, avec seulement une écharpe blanche autour des hanches, pour rappeler son innocence), qui ne montre que son dos, au nom de l'harmonie retrouvée.

Allégorie de la Paix

Au contraire, en TEMPS DE PAIX, la mission de la famille noble est d'aider les arts et les sciences à refleurir. Ici, nous voyons représentée la PRATIQUE (vêtue comme une domestique et toujours un degré en dessous de la théorie, car toujours asservie à celle-ci, avec le visage d'une vieille femme, car la pratique s'améliore avec l'expérience), la THÉORIE (vêtue au contraire comme une noble dame, toujours un degré au-dessus de la pratique, jeune, car la théorie, lorsqu'elle est correcte, ne vieillit jamais). Ces deux figures ont un compas sur la tête : la première avec les pointes vers le bas, la seconde vers le haut ; selon les anciens, elles étaient l'une le contraire de l'autre, elles n'avaient qu'un point en commun, le pivot, c'est-à-dire l'objectif : à travers les arts et les sciences, aller à la recherche de la VÉRITÉ. Voici la femme qui, en temps de guerre, devait rester partiellement cachée, maintenant elle peut se montrer dans toute sa splendeur. Au fond, on voit une académie qui rappelle en partie l'École d'Athènes de Raphaël, mais qui est représentée uniquement par des femmes (les hommes ne sont que les enseignants), peut-être une référence à une figure féminine de la famille dédiée aux études. Sur la terrasse du deuxième étage, en revanche, se trouvent les ARTS LIBÉRAUX qui surveillent l'académie : le TRIVIUM pour les enseignements littéraires (GRAMMAIRE avec la cruche d'eau, DIALECTIQUE avec le caducée et RHÉTORIQUE avec le miroir) et le QUADRIVIUM pour les enseignements scientifiques (ASTRONOMIE avec le globe terrestre, MUSIQUE avec la flûte, GÉOMÉTRIE avec l'archipendule et ARITHMÉTIQUE avec la table pythagoricienne). Au-dessus des portes d'entrée sont peints les blasons des Foscarini et des autres familles nobles auxquelles la famille était apparentée : Da Mula, Morosini et Soranzo.

Triomphe des Vertus de la Famille

Le plafond est décoré de fresques représentant LE TRIOMPHE DES VERTUS de la famille Foscarini : L'HOSPITALITÉ avec la corne d'abondance renversée vers le bas et un putto qui l'aide à faire sortir et distribuer ses richesses ; LA RENOMMÉE avec des ailes et une trompette pour diffuser le plus loin possible la notoriété des vertus de la famille ; L'ÉCLAT DU NOM avec la massue des vertus d'Hercule et un flambeau allumé pour les éclairer ; LA GLOIRE et L'HONNEUR avec trois couronnes, deux de laurier (poètes et héros) et une d'or (princes) ; L'ÉTERNITÉ, assise sur le globe terrestre, avec le soleil et la lune dans les mains, pour rappeler l'alternance continue du jour et de la nuit, et un drapé arrondi à l'arrière-plan, qui rappelle la circularité de la vie.

Conclusion

La Villa a accueilli de nombreux hôtes illustres, surtout vers la fin du XVIIIe siècle, à l'époque du doge Marco, parmi lesquels l'écrivain Gaspare Gozzi. Au XIXe siècle, la Villa a subi des transformations pour être adaptée au goût néoclassique et même les jardins s'inspirent du style "faux sauvage" conçu par l'architecte vénitien Jappelli. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, ce bâtiment a été bombardé et a perdu son aile est, qui a ensuite été reconstruite. Aujourd'hui, la Villa et la Foresteria ont retrouvé leur ancienne beauté grâce à d'importants travaux de restauration qui permettent de les faire revivre dans le même esprit d'origine : ainsi, la Foresteria résonne de musique pendant les concerts qui y sont organisés périodiquement et des voix des hôtes à l'occasion de conférences et de réceptions.