Шедевры Флорентийского собора

Museo: Duomo di Firenze - Basilica Santa Maria del Fiore

Предисловие

Добро пожаловать в Собор Санта-Мария-дель-Фьоре. Этот маршрут предлагает вам общий обзор комплекса Флорентийского собора, охватывая наиболее значимые остановки, посвящённые архитектуре, искусству и истории. Указанная продолжительность носит исключительно ориентировочный характер: у каждого посетителя свой темп, и каждое произведение заслуживает столько времени, сколько вы сочтёте нужным ему уделить. Аудиогид создан с целью предоставить вам базовый контекст для ориентации и понимания того, что находится перед вами. Однако красота этого места — как и красота Италии в целом — по-настоящему открывается лишь тем, кто решает заглянуть глубже поверхности. Поэтому мы приглашаем вас углубляться, возвращаться, исследовать: ведь в каждой детали скрыта история, которую стоит открыть для себя. Приятного посещения.

Добро пожаловать в собор Флоренции

Базилика Санта-Мария-дель-Фьоре, кафедральный собор Флоренции, является одним из самых выдающихся архитектурных шедевров средневековой Европы. Она отличается смелыми конструктивными решениями и роскошью декоративного убранства. Это столь необыкновенное сокровище, что в 1982 году оно было признано объектом Всемирного наследия ЮНЕСКО. Кафедральный митрополичий собор Санта-Мария-дель-Фьоре, широко известный как Дуомо Флоренции, является главным храмом города и его символом. Он возвышается на фундаменте древней церкви Санта-Репарата, в той части города, где культовые сооружения существовали ещё со времён Римской империи. Строительство, начатое по распоряжению флорентийской Синьории, было начато в 1296 году и завершено с конструктивной точки зрения в 1436 году. Дуомо является одним из величайших шедевров готического искусства и раннего итальянского Ренессанса. С его 160 метрами в длину, 43 метрами в ширину и 90 метрами в поперечном нефе, это одна из крупнейших церквей христианского мира. Внутренняя высота купола достигает 100 метров. Базилика представляет собой символ богатства и могущества тосканской столицы в XIII и XIV веках, а её название происходит от лилии — символа Флоренции и древнего названия города «Фьоренца». Давайте вместе откроем для себя этот необыкновенный памятник, который хранит в себе века истории, искусства и веры.

Купол Брунеллески и Страшный суд

Мы находимся перед одним из величайших архитектурных достижений эпохи Возрождения: куполом флорентийского Дуомо, спроектированным Филиппо Брунеллески и построенным между 1420 и 1436 годами. С диаметром 45 метров он до сих пор остаётся самым большим кирпичным куполом из когда-либо созданных и знаменует эпохальный поворот в истории архитектуры. Брунеллески столкнулся с задачей, которая тогда считалась невыполнимой: перекрыть огромное пространство центрального восьмиугольника без использования деревянных лесов, необходимых при возведении сводчатых конструкций. Так он разработал революционное решение: самонесущую двойную оболочку, где внутренняя структура является несущей, а внешняя выполняет защитную и декоративную функцию. Строительная система предусматривала кирпичи, уложенные «ёлочкой», каменные и железные цепи для сдерживания боковых нагрузок, и удивительно современную организацию работ. Во время подъёма на купол проходишь через две внутренние галереи, откуда можно вблизи наблюдать восемь окон барабана, украшенных великолепными витражами, выполненными такими мастерами, как Донателло, Гиберти, Андреа дель Кастаньо и Паоло Уччелло. Но самый захватывающий момент — это встреча с грандиозной фреской Страшного суда, покрывающей внутреннюю поверхность купола площадью более 3600 м²: это самая большая фресковая роспись из когда-либо созданных. Возможно, уже Брунеллески задумывал мозаичное покрытие для своего купола, но только в 1572 году Козимо I Медичи поручил Джорджо Вазари, уже пожилому, расписать его внутреннюю поверхность. Вазари создал подготовительные картоны в монастыре Санта-Мария-Новелла и начал писать верхние регистры на высоте около 90 метров. Однако он умер два года спустя, вскоре за ним последовал и Козимо. Наследник престола, Франческо I Медичи, поручил завершение работы Федерико Цуккари. Цуккари изменил первоначальную концепцию: если Вазари вдохновлялся Микеланджело, то он выбрал стиль, более близкий к Рафаэлю, менее детализированный, но более театральный и читаемый издалека, отказавшись от живописных изысков в пользу сильного визуального воздействия. Цикл изображает более 700 фигур, среди которых Христос во славе, ангелы, святые, грешники, чудовища, а также исторические персонажи того времени, такие как Вазари, Джамболонья, члены двора Медичи и сам Цуккари. Знаменита сцена Ада, вдохновлённая фресками Луки Синьорелли в соборе Орвието, с жуткими дьяволами и драматическими композициями. Работа была завершена в 1579 году и вызвала противоречивые реакции: многие были впечатлены, другие сочли её вторжением в архитектурную гармонию Брунеллески. Дебаты были жаркими и даже породили сатирические стихи, которые распространялись по городу.

Портал Мандорлы

На северной стороне собора, выходящей на современную улицу Виа Рикасоли, открывается один из самых захватывающих и значимых порталов Флорентийского собора: Портал Мандорлы. Созданный между 1391 и 1423 годами, он представляет собой одно из самых emblематичных произведений переходного периода от готики к раннему Ренессансу. Название происходит от великолепного изображения в тимпане Успения Богородицы, заключённой в ореол миндалевидной формы — традиционный символ чистоты, вечности и божественности. Этот портал — не просто второстепенный вход в церковь, а подлинный скульптурный шедевр, плод работы нескольких выдающихся мастеров: Джованни д'Амброджо, Донателло, но прежде всего Нанни ди Банко, который посвятил ему почти семь лет работы вплоть до своей смерти в 1421 году. Скульптуры были собраны на месте его сотрудниками, завершив произведение, свидетельствующее о художественном и интеллектуальном брожении тех лет. Историческое значение Портала Мандорлы заключается также в его художественном языке: здесь впервые экспериментируют с декоративными элементами, вдохновлёнными классической античностью, такими как реалистичные драпировки, изученная анатомия и более естественное и динамичное повествование. Это прекрасный пример того, как скульптура стала первым языком Ренессанса, предвосхищая живописные и архитектурные революции. Любопытная деталь находится именно в барельефе Успения: в правом нижнем углу можно заметить маленького медведя, карабкающегося на дерево, — загадочный и, возможно, ироничный элемент, приписываемый руке Нанни ди Банко. Эта деталь стимулировала воображение исследователей и добавляет человеческий и почти игривый штрих к столь торжественному произведению. Вазари ошибочно приписал портал Якопо делла Кверча — признак того, насколько трудно было уже тогда различить авторство в контексте, столь богатом сотрудничеством и новаторством. Это заблуждение, хотя и исправленное последующими исследованиями, напоминает нам о том, насколько интенсивной и порой конкурентной была флорентийская художественная сцена начала XV века.

Двери Баптистерия Сан-Джованни

Баптистерий Сан-Джованни украшен тремя знаменитыми бронзовыми дверями, которые представляют собой настоящий музей под открытым небом флорентийской ренессансной скульптуры. Самые известные — это Восточные двери, прозванные «Вратами Рая», созданные Лоренцо Гиберти между 1425 и 1452 годами по заказу Цеха Калимала. Десять больших прямоугольных панелей изображают сцены из Ветхого Завета, такие эпизоды, как Сотворение Адама и Евы, Жертвоприношение Исаака, Моисей на Синае и Соломон и царица Савская. Гиберти применил инновационные техники рельефа, мастерски используя центральную перспективу и непрерывное повествование, которые придают сценам глубину и плавность. Персонажи выступают с изящной пластичностью, а вся поверхность обогащена архитектурными и пейзажными элементами большой изысканности. Согласно Вазари, Микеланджело, увидев завершённую работу, воскликнул, что она «достойна быть вратами Рая» — отсюда и прозвище, сохранившееся до наших дней. Рядом с ними находятся Северные двери, также работы Гиберти, показывающие сцены из Нового Завета в более традиционном цикле, но уже знаменующие переход от готики к Ренессансу. Самые древние — Южные двери, созданные Андреа Пизано между 1330 и 1336 годами, с двадцатью восемью клеймами, посвящёнными жизни Иоанна Крестителя, покровителя Флоренции, ещё находящиеся под влиянием французского готического вкуса.

Музей Оперы собора

Основанный в 1891 году, Музей Оперы собора является обязательным местом для тех, кто хочет понять историю и художественное величие монументального комплекса Санта-Мария-дель-Фьоре. Здесь хранятся оригинальные произведения, которые когда-то украшали собор, колокольню и баптистерий и были удалены с течением времени в целях сохранности. Музей организован в современных и впечатляющих пространствах, среди которых выделяется грандиозная реконструкция в натуральную величину фасада собора XIV века, так и не реализованного в своей первоначальной форме. Перед этой внушительной реконструкцией расположены статуи, высеченные Арнольфо ди Камбио, первым архитектором собора, и его преемниками. Среди хранящихся шедевров выделяются «Пророк Аввакум» Донателло (прозванный «Цукконе» за лысую голову), скорбная «Кающаяся Магдалина», также работы Донателло, и изысканные кантории, созданные Лукой делла Роббиа и Донателло, настоящие манифесты радости и грации раннего Ренессанса. Одной из кульминационных точек посещения является «Пьета Бандини» Микеланджело, интенсивное и драматичное произведение, задуманное для его собственной гробницы. Микеланджело, уже в преклонном возрасте, создал эту пронзительную композицию, в которой изобразил себя в образе Никодима. Работа была оставлена незавершённой и впоследствии отреставрирована, но остаётся одним из самых интимных и мучительных свидетельств его поэтики.

Пьета Бандини работы Микеланджело

Пьета Бандини, также известная как Флорентийская Пьета, — это позднее произведение Микеланджело, созданное между 1547 и 1555 годами. Сегодня она находится в Музее Оперы собора во Флоренции. Скульптура высотой более двух метров изображает мёртвое тело Христа, поддерживаемое Мадонной, Марией Магдалиной и пожилым мужчиной, традиционно отождествляемым с Никодимом, — в чьих чертах многие узнают автопортрет самого Микеланджело. Произведение было задумано не по общественному заказу, а для личной гробницы художника, которая в то время находилась в Риме. Микеланджело, уже в преклонном возрасте, выбрал несовершенный мрамор, уже отмеченный прожилками и дефектами, что сделало работу более сложной. Во время исполнения, разочарованный техническими проблемами и, возможно, чувством личной неудачи, Микеланджело попытался уничтожить скульптуру, ударив её молотком. Блок был затем восстановлен и дополнен Тиберио Кальканьи, флорентийским скульптором и учеником Микеланджело. Произведение пронизано духовностью и эмоциональной интенсивностью: лица и тела, высеченные с большой выразительной силой, передают ощущение драмы и размышления о страдании и искуплении. В отличие от ватиканской Пьеты, юношеской и идеализированной, здесь тон более мрачный, а композиция более сложная. Пьета Бандини сегодня считается одним из самых трогательных и глубоких произведений старости Микеланджело, прямым столкновением со смертью и спасением, высеченным в камне человеком, который готовился покинуть этот мир.

Кающаяся Мария Магдалина Донателло

Кающаяся Мария Магдалина — деревянная скульптура, созданная Донателло около 1453–1455 годов, в последние годы его жизни. Сегодня она хранится в Музее Оперы собора во Флоренции, хотя изначально находилась в Баптистерии Сан-Джованни. Произведение вырезано из тополя и частично позолочено, оно изображает Марию Магдалину в преклонном возрасте, в состоянии глубокого сосредоточения и покаяния. Эта скульптура радикально порывает с идеалами классической красоты и ренессансной гармонии. Донателло представляет Магдалину изможденной, истощенной, с длинными растрепанными волосами, которые покрывают её тело вместо одежды, согласно иконографической традиции, связанной с её жизнью отшельницы в пустыне. Сложенные в молитве руки, изможденное и страдающее лицо, напряженный взгляд, устремленный вверх, передают сильное чувство человечности и духовности. Произведение было особенно высоко оценено за драматический реализм и необычайную выразительную силу. Сам Джорджо Вазари говорил о нём с восхищением, признавая его эмоциональное воздействие и стилистическую новизну. Кающаяся Мария Магдалина сегодня считается одним из абсолютных шедевров скульптуры кватроченто, мощным примером того, как искусство может представить внутреннее и духовное измерение человеческого существа, выходя за пределы физического облика и эстетического идеала.

Кантории Донателло и Луки делла Роббиа

Кантории Донателло и Луки делла Роббиа — это две мраморные трибуны, созданные между 1431 и 1439 годами для интерьера собора Санта-Мария-дель-Фьоре во Флоренции. Первоначально расположенные по бокам главного алтаря, они предназначались для размещения хора во время литургических празднований. Сегодня они хранятся в Музее Оперы собора. Несмотря на схожесть размеров и архитектурной структуры — обе опираются на консоли и задумывались как подвесные балконы — две кантории выражают глубоко различные художественные видения. Кантория Донателло, созданная между 1433 и 1439 годами, является революционным произведением для своего времени. Донателло изваял серию танцующих и музицирующих путти в почти взрывной динамике. Фигуры словно движутся с энергией и спонтанностью, в сопровождении развевающихся на ветру драпировок. Рельеф очень разнообразен: от едва намеченных зон до глубоко проработанных участков, создавая почти живописный эффект. Художник нарушает симметрию и привносит ощущение жизненности, предвосхищающее язык маньеризма. Кантория Луки делла Роббиа, созданная между 1431 и 1438 годами, отличается более уравновешенной и гармоничной композицией. Рельефы изображают поющих отроков, упорядоченно расположенных в сценах, вдохновленных 150-м псалмом, прославляющим Бога инструментами и песнопениями. Фигуры идеализированы и безмятежны, а рельеф более регулярен, в соответствии с классической и рациональной эстетикой раннего Ренессанса. Прямое сопоставление этих двух произведений, сегодня расположенных рядом в музее, представляет собой выдающееся свидетельство двух душ флорентийского искусства эпохи Возрождения: с одной стороны — динамическая выразительность Донателло, с другой — равновесие и мера Луки делла Роббиа.

Данте Алигьери с Флоренцией и царствами Божественной комедии работы Доменико ди Микелино

Эта знаменитая картина, темпера на холсте, наложенном на доску, является одним из самых знаковых изображений Данте Алигьери. Она была заказана флорентийским правительством Доменико ди Микелино в 1465 году по случаю двухсотлетия со дня рождения поэта и размещена на контрфасаде собора Санта-Мария-дель-Фьоре, над центральным порталом. Проект был выполнен по рисунку Леона Баттисты Альберти и сопровождался латинской надписью Кристофоро Ландино, выдающегося гуманиста и комментатора Божественной комедии. Данте изображён в центре сцены, в тунике и красной шапке, с лавровым венком на голове и чертами лица, соответствующими иконографической традиции: орлиный нос, острые черты и суровое выражение. В левой руке он держит открытый экземпляр Божественной комедии, из которого исходят золотые лучи, символизирующие божественный свет, содержащийся в произведении. Правой рукой он указывает на путь через три потусторонних царства: слева — Ад, изображённый в виде воронки с концентрическими кругами и Люцифером на дне; в центре — Чистилище, гора с семью уступами, увенчанная Земным Раем; вверху — Роза Блаженных, олицетворение небесного Рая. Справа открывается вид на Флоренцию, озарённую светом поэмы: город представлен с необычайной точностью в своих символических памятниках, таких как купол Брунеллески, колокольня Джотто, палаццо Веккьо, Барджелло и башни аббатства Бадия-Фьорентина и Сан-Пьер-Скераджо. Из многочисленных старинных портретов Данте этот, безусловно, самый монументальный и сложный с иконографической точки зрения. Латинское двустишие провозглашает его «божеством отечества», возвышая не только как величайшего поэта, но и как богодухновенного богослова, почти пророка. Свет, исходящий из книги, действительно напоминает иконографию святых отцов церкви и евангелистов, намекая на то, что Данте писал по вдохновению Провидения и движимый спасительной миссией, как он сам заявил в поэме. Картина имеет также сильное политическое и историческое значение: хотя Данте умер в изгнании в Равенне в 1321 году, Флоренция неоднократно пыталась вернуть его останки, даже безуспешно пытаясь их похитить. Таким образом, это произведение представляет собой своего рода символическое примирение: жест, которым город намеревается морально реабилитировать своего самого выдающегося сына, утверждая его бессмертие через искусство. Таким образом, произведение прославляет не только литературное величие Данте, но и гуманистическую Флоренцию XV века, которая через культуру и искусство стремится залечить раны истории.

Надгробный памятник Филиппо Брунеллески

В крипте Дуомо, встроенной в остатки древней раннехристианской базилики Санта-Репарата, находится надгробный памятник Филиппо Брунеллески, гениального архитектора, спроектировавшего Купол и совершившего революцию в западной архитектуре. Надгробная плита сдержанна и лаконична, что соответствует скромному и замкнутому характеру мастера, и содержит краткую латинскую надпись, прославляющую его гений. Расположенная недалеко от могилы Джотто и других художников, она свидетельствует о посмертном признании города тому, кто навсегда изменил облик Флоренции. Сама обстановка, в которой она находится — крипта — наполнена символическим значением: среди мозаичных полов, древних захоронений и многослойной кладки ощущается преемственность между римской, средневековой и ренессансной Флоренцией. Это уединённое место, идеально подходящее для размышлений о величии Брунеллески и его архитектурном видении, объединяющем классические знания и техническую смелость.

Фонарь купола

Фонарь, венчающий купол собора Санта-Мария-дель-Фьоре, является символическим и структурным завершением проекта Филиппо Брунеллески. Хотя архитектор умер в 1446 году, деревянная модель и чертежи, оставленные им, позволили Микелоццо и Антонио Манетти завершить его в 1461 году, оставаясь верными первоначальному замыслу. Высотой более 21 метра, фонарь имеет восьмиугольную форму, продолжая структуру нижележащего купола, и представляет собой ряд стрельчатых окон, освещающих внутреннее пространство. Он украшен скульптурными элементами, пинаклями и готическими нервюрами, а венчает его позолоченная медная сфера работы Андреа дель Верроккьо 1471 года, на которой установлен крест. Помимо символической функции – он представляет духовное восхождение, божественный свет, направляющий верующих – фонарь имеет решающее структурное значение: его вес помогает поддерживать устойчивость купола благодаря давлению, направленному вниз. Видимый со всей Флоренции, фонарь является самой высокой точкой собора и одной из архитектурных икон города. Его проектная смелость – вечное свидетельство революционного видения Брунеллески.